Programm | Vienna Art Week 2024 | Vienna Art Week 2024

Führung mit dem Künstler Rodrigo Braga durch seine Ausstellung „Nullpunkt“

13/11/2024

17:00 — 18:00 h

MQ Freiraum

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Der brasilianische Künstler Rodrigo Braga erkundet mit unterschiedlichen künstlerischen Ausdrucksmitteln wie Performance, Skulptur, Video, Fotografie, Grafik oder Malerei die vielschichtigen und oft widersprüchlichen Beziehungen zwischen dem Menschen und seiner Umwelt. Indem seine Arbeiten die utilitaristische Nutzung der Natur aufzeigen, verweisen sie indirekt auf zentrale Aspekte aktueller sozioökologischer Diskurse. Braga setzt sich mit Themen wie Transformation, Identität und der Verletzlichkeit des menschlichen Körpers auseinander und nutzt dabei auch seine eigene physische Präsenz, um symbolisch aufgeladene und emotional berührende Werke zu schaffen.

In der raumgreifenden Installation, die Rodrigo Braga eigens für diesen Raum konzipiert hat, greift er auf Werke seiner Serie „Ponto Zero“ (Nullpunkt) zurück, an der er seit 2018 arbeitet. Videos, Fotografien und Skulpturen ergänzt er um textile Arbeiten, Objektarrangements und Wandzeichnungen, die vor Ort entstanden sind. Braga verwendet unter anderem vegetabile Kohle und Kalkstein, archaische Materialien, die vor hunderten Millionen Jahren gebildet wurden. Die schwarze und weiße Farbigkeit der Materialien stehen für die sich wechselseitig bedingende Dualität – Wachstum und Vergänglichkeit, Innenleben und Außenwelt, Schöpfung und Zerstörung. Diese Materialien werden in den Arbeiten immer wieder kombiniert und vermitteln die ständige Spannung und Interaktion von gegensätzlichen und voneinander abhängigen Kräften.

Wesentliche Symbole in „Ponto Zero“ sind das Ei und das Auge. Das Ei steht für den Beginn des Lebens, für Fragilität und Potenzial, das Auge für Bewusstsein und Erkenntnis, mithin die Fähigkeit, die Welt zu sehen und zu verstehen. In der Mitte des Raumes positioniert der Künstler Sitzgelegenheiten um das zentrale Objekt, das eine Symbiose aus Ei und Auge darstellt. Die Besucher:innen sind eingeladen zu verweilen, zu meditieren oder über das Wahrgenommene zu reflektieren und sich auszutauschen. Braga schafft eine künstlerische Reflexion über die Ursprünge, die Zerbrechlichkeit und die grundlegenden Prozesse des Lebens, die persönliche und universelle Perspektiven miteinander verbindet.

Rodrigo Braga (* 1976 in Manaus, Brasilien) studierte bildende Kunst an der Universidade Federal de Pernambuco in Recife, Brasilien. Seine Arbeit wurde u. a. in einer Einzelausstellung im Palais de Tokyo, Paris, (2016) und 2012 auf der 30. Bienal de São Paulo gezeigt. Er wurde mit dem PIPA Prize sowie dem MASP Award for the Visual Arts – Best Emerging Talent ausgezeichnet. Rodrigo Braga lebt und arbeitet in Rio de Janeiro und in Paris.

Kuratiert von Verena Kaspar-Eisert, Chefkuratorin MuseumsQuartier

Eröffnung „Sonia Leimer, Tobias Pils, Hans Schabus – Gezeiten“

15/11/2024

18:00 — 20:00 h

Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder

Domgasse 6, 1010 Wien, Österreich

Wie umgehen mit existenziellen Ungewissheiten? Wie mit Spannungsfeldern, die sie eröffnen und der Schwebe, in der sie uns halten? Fragen, die in der Ausstellung Gezeiten aufkommen, die erstmals in der Galerie in der Domgasse 6 Werke von Sonia Leimer, Tobias Pils und Hans Schabus vereint.

Sonia Leimer, die sich in ihrer künstlerischen Arbeitsweise mit unseren Lebensräumen, deren Zustand und Zukunft auseinandersetzt, zeigt zwei Skulpturen aus der Werkgruppe Space Junks. Die auf dem Boden platzierten Edelstahlobjekte setzen sich aus jeweils zwei Halbkugeln, die mit einem zylindrischen Ring verbunden sind, zusammen. In Kontrast zur Symmetrie der Skulpturen mit ihren gerillten, handwerklich perfekt gearbeiteten Oberflächen stehen die Anlauffarben der Schweißstellen sowie Löcher, die die Außenhülle aufreißen und den Blick ins dunkle Innere der Formen freigeben. Geleitet vom Werktitel erinnern die technisch anmutenden Konstruktionen an Weltraumschrott, der, ohne in der Atmosphäre zu verglühen, direkt auf die Erdoberfläche aufschlägt. Die Objekte mit ihren Deformationen sind Zeugnisse eines Richtungswechsels, einer ungeplanten Wegstrecke, bestimmt von der komplexen Beziehung zwischen Mensch, Technik und Natur.

Universellen Themen von Vergänglichkeit und Zeitlichkeit widmen sich Tobias Pils’ rätselhafte Bilder. Er verbindet figürliche und surreale Motive zu eigenwilligen, mehrdeutigen Bilderwelten, die unterschiedliche Interpretationen zulassen. Im Mittelpunkt stehen Figuren, deren Bezüge zueinander und zu ihrer Umgebung im Unklaren bleiben. Sie sind vertikal, wie horizontal im Bildraum positioniert oder werden durch verschiedenfarbige Hintergründe hinterfangen, die sie gleichzeitig voneinander abgrenzen. Die Titel der Bilder – von innen nach außen und von außen nach innen – verweisen auf Perspektivwechsel und Verschiebungen, die ihre Protagonist:innen in der Ambivalenz halten. Gleichzeitig deutet Pils durch seine Farbgebung Spielräume für die Akteur:innen an. Seine üblicherweise reduzierte Farbpalette von Schwarz, Weiß und Grautönen wird um kräftiges Blau und sattes Grün erweitert. Damit betont er Hände und Füße der Figuren – Körperteile, die maßgeblich Handlungen oder Richtungen bestimmen.

„Bildhauerwerkstatt“ lautet die Bezeichnung eines Sternbildes im Südhimmel. Einem Sternbild gleich schwebt auch Hans Schabus’ groß dimensioniertes Mobile Bildhauerwerkstatt (my house is on fire) im Galerieraum – zusammengesetzt aus einem Reifen, einer Türe sowie einem Treppenfragment. Der Raum mit seiner Geschichte und Infrastrukturen sowie seinem Verhältnis zu den Betrachtenden steht im Mittelpunkt von Schabus’ skulpturalem und installativem Werk. Mit Bildhauerwerkstatt (my house is on fire) verschränkt er den privaten Ort der künstlerischen Produktion mit jenem, an dem diese abgeschlossen ist und sich einer Öffentlichkeit präsentiert. Der Zusatztitel my house is on fire irritiert und suggeriert eine existenzielle Bedrohung, die buchstäblich im Raum schwebt, uns jedoch durch den fehlenden Kontext im Ungewissen lässt. Die verkohlt wirkenden Elemente des Mobiles mögen einen Hinweis geben. Sie haben ihre Erscheinung durch die Behandlung mit Holzteeröl erhalten und eröffnen Assoziationen, die mit dem Ende des fossilen Zeitalters und einer damit einhergehenden, noch unbestimmten Transformation verknüpft sind.

Den Gezeiten, den sich wiederholenden Wasserbewegungen der Meere, liegen Regelmäßigkeiten zugrunde. Ihre Dynamiken und damit Einwirkungen auf die Natur und unsere Lebensräume entziehen sich jedoch unserer Kontrolle und unseren Gewissheiten. So sind auch die Arbeiten von Sonia Leimer, Tobias Pils und Hans Schabus als Ausdruck eines bestimmten Kontrollverlustes, eines nach Orientierung suchenden Schwebezustandes zu lesen. Das Ungewisse als Gewissheit zu begreifen manifestiert sich in den Werken – eine wenig illusorische, dennoch ermutigende Perspektive.

Maria Lassnig, „Innerhalb und außerhalb der Leinwand Il

AUSGEBUCHT: Podiumsdiskussion: „Kunstmarkt im Wandel – Trends und Herausforderungen“

12/11/2024

17:00 — 18:00 h

Dorotheum

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

PARNASS und DOROTHEUM laden im Rahmen der VIENNA ART WEEK zur Podiumsdiskussion ein.

Silvie Aigner (Chefredakteurin PARNASS) im Gespräch mit

Eva Komarek (Journalistin und Kunstmarktexpertin)
Axel Anderl (artworldvienna, Jurist und Sammler)
Kathrin Weber (artworldvienna, Juristin und Sammlerin)
Ursula Krinzinger (Galeristin)

Anschließend Drinks und Vorbesichtigung der Schaustellung der Modernen & Zeitgenössischen Kunst Auktion.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Maria Lassnig, „Innerhalb und außerhalb der Leinwand Il", 1984/85. Öl auf Leinwand, 120 X 100 cm, gerahmt © Dorotheum

Anna Heindl, Pink Treasure, 2024 © Anna Heindl, Foto: Manfred Wakolbinger

AUSGEBUCHT: „Anna Heindl. Die Vermählung“ – Führung mit der Künstlerin durch die Sonderpräsentation in der Kunstkammer

14/11/2024

18:30 — 19:30 h

Kunsthistorisches Museum

Maria-Theresien-Platz, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Das Kunsthistorische Museum Wien präsentiert in der Kunstkammer eine neue Werkserie der renommierten österreichischen Schmuckkünstlerin Anna Heindl (geb. 1950).

Als zentrale Inspirationsquelle für Heindls jüngste Kreationen diente ihr das Diptychon ‚Vermählung der heiligen Katharina‘ (um 1400) des sogenannten Meisters von Heiligenkreuz. In einem intensiven künstlerischen und forschenden Prozess setzte sich Heindl mit dem bedeutenden Werk aus der Gemäldegalerie auseinander und lässt 30 skulpturale Schmuckobjekte mit dem Tafelbild in einen reizvollen Dialog treten.

Das spannungsreiche Zusammenspiel zwischen zeitgenössischem Schmuckdesign und dem gotischen sakralen Gemälde ist in dieser Form eine Premiere für das Kunsthistorische Museum.

Im Rahmen der VIENNA ART WEEK findet in der Kunstkammer eine Führung mit der Künstlerin statt.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Anna Heindl, Pink Treasure, 2024 © Anna Heindl, Foto: Manfred Wakolbinger

Eröffnung: „Gerold Miller“

14/11/2024

18:00 — 20:00 h

Collectors Agenda Editionsgalerie

Franz-Josefs-Kai 3/16, 1010 Wien, Österreich

Eröffnung: 14. Nov 18:00 – 20:00

Die aufs Minimum reduzierte Form sowie die Beschäftigung mit den Parametern Zeit, Handlung und Spuren prägen die Arbeiten des deutschen Künstlers Gerold Miller. Seine Objekte erzielen ihre Wirkung in radikaler Monochromie und geometrischer Abstraktion. Dabei bedient er sich moderner Techniken und Materialien, wie Aluminium oder Edelstahl als Träger seiner Werke, und schafft dabei eine Symbiose aus Skulptur und Bild.

Erstmalig, seit seiner Beteiligung an einer Gruppenausstellung 2016 im Belvedere21, zeigt Collectors Agenda in Wien aktuelle Werke des Künstlers als Solo Präsentation.

Die Ausstellung ist Teil der VIENNA ART WEEK Gallery Tour 3 am Sa 9.11 von 10-11:30 Uhr, die auf Deutsch stattfinden wird.

Eröffnung: „Attributes. Christian Rothwangl“

14/11/2024

19:00 — 00:00 h

Krinzinger Schottenfeld

Schottenfeldgasse 45, 1070 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

In seiner bevorstehenden Einzelausstellung fusioniert Christian Rothwangl die Grenzen zwischen Abstraktion und Figuration und lädt die Besucher in ein Universum ein, das reich an mythologischen Figuren, skurrilen Charakteren und unerwarteten Assoziationen ist. Seine einzigartige Technik – das Auflösen von Tinte in Wasser, um spontane Kompositionen zu schaffen – erlaubt es dem Zufall, jedes Werk mitzugestalten, was zu einem spielerischen und doch tiefgründigen Dialog führt, der traditionelle Vorstellungen von Kunst in Frage stellt.

Image: Stephanie Winter, BOARD OF IMAGINATION - Inner Turmoil#7, 2024

SHARING SESSION: DREAMS & IMAGINATIVE FORCES / WICKED FUTURES & the Board of Imagination

10/11/2024

18:00 — 20:00 h

MOTHERBOARD, Castellezgasse 36 - 38, T20 / 3.Stock, 1020 Wien

Castellezgasse 36-38, 1020 Wien, Österreich

ANMELDUNG ERFORDERLICH

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

MOTHERBOARD X RADICAL CARE laden Sie zur SHARING SESSION: DREAMS & IMAGINATIVE FORCES im Rahmen der installativen Szenerie ‚WICKED FUTURES & the Board of Imagination‘ ein.

In Zeiten der Unsicherheit und Fragmentierung wird die Vorstellungskraft zu einer entscheidenden Kraft. Die SHARING SESSION: DREAMS & IMAGINATIVE FORCES erforscht, wie Vorstellungskraft, kreatives Denken und künstlerischer Ausdruck als mächtige Werkzeuge dienen können, um sich alternative Zukünfte vorzustellen, Realitäten neu zu gestalten und Solidarität in scheinbar verhexten Zukünften wiederherzustellen. In dieser Sitzung kommen Künstler:innen und Teilnehmer:innen zusammen, um ihre Perspektiven auszutauschen und einen Raum für kollektives Träumen und transformativen Dialog zu eröffnen.

Die SHARING SESSION ist eine fortlaufende MOTHERBOARD-Reihe. Sie zielt darauf ab, einen sicheren Raum zu schaffen, der ein Fenster für hoffnungsvolle und visionäre Gedanken öffnet. In dieser Reihe werden gesellschaftliche Herausforderungen erforscht, indem Menschen zusammengebracht werden, um Ideen, Potenziale und Mahlzeiten auszutauschen, während sie sich mit Begriffen wie Fürsorge, Aktivismus und Zusammengehörigkeit auseinandersetzen. Inspiriert von Ursula Le Guins „Tragetaschen-Theorie“, die nicht nur das Sammeln von Lebensmitteln, sondern auch von Pflanzensamen, deren Geschichten und Perspektiven in den Mittelpunkt stellt, wird der Austausch und das Teilen innerhalb unseres Kreises und darüber hinaus gefördert. Alle Teilnehmer:innen sind eingeladen, etwas mitzubringen, so dass gemeinsam die Energie dieses Moments der Zusammengehörigkeit getragen wird.

Teilnahmehinweis: Bringen Sie einen Gegenstand, ein Lied, eine Geschichte, einen Impuls oder einen Traum mit, der sich auf eine mögliche positive Zukunft unseres Heimatplaneten bezieht. Teilen Sie mit uns, welche Bilder Sie hoffnungsvoll stimmen oder inspirieren – sei es eine kleine Erinnerung, ein Bild oder ein Zitat aus einem Buch. Ziel der SHARING SESSION ist es, einen einladenden Raum zu schaffen, in dem Menschen zusammenkommen, um Saatgut, Geschichten und Lebensmittel zu teilen und dabei unsere Beziehungen zu Pflanzen, der Gesellschaft und anderen lebendigen Arten zu erkunden.

SHARING SESSION: 10. November, 18:00

ANMELDUNG ERFORDERLICH:

motherboard.artspace@gmail.com

MOTHERBOARD, Castellezgasse 36 – 38, T20 / 3.Stock 1020 Wien

WICKED FUTURES & the Board of Imagination“ verwandelt MOTHERBOARD in einen immersiven gelben Raum, der ein Labor und ein Filmstudio-ähnliches Setting vereint. Expert:innen, Künstler:innen und das Publikum sind eingeladen, „scheinbar verflixte“ Konstellationen zu erforschen und sich alternative Zukünfte auf einer großformatigen skulpturalen Konstellationstafel vorzustellen. Ein zentraler Ankerpunkt der Installation ist das „Board of Imagination“. Inspiriert vom therapeutischen Systembrett, bietet es die Möglichkeit, verschiedene Perspektiven und Teilnehmer:innen zusammenzubringen, um gemeinsam über Zukunftsszenarien nachzudenken. Inspiriert von Ruha Benjamins Glauben an die Kraft der Vorstellungskraft, erforscht diese Forschungsreise das Potenzial kollektiver Vorstellungskraft. Die Installation umfasst auch von der Science-Fiction inspirierte Videoarbeiten von Ralo Mayer, Borjana Ventzislavova und Anna Vasof, die auf humorvolle Weise bestehende Science-Fiction-Bilder reflektieren, Visionen neuer Welten skizzieren oder spielerisch dystopische Bilder unserer gegenwärtigen Welt anpassen.

WICKED FUTURES & the Board of Imagination wird produziert von RADICAL CARE (Stephanie Winter & Nora Mayr)

Image: Stephanie Winter, BOARD OF IMAGINATION - Inner Turmoil#7, 2024

Martine Syms, The African Desperate, 2021 Still aus Film 1h39min57sec© Martine Syms. Courtesy of the artist; Sadie Coles HQ,London;&Bridget Donahue,NY

‚The African Desperate‘ von Martine Syms – Filmvorführung und Gespräch mit Brooklyn J. Pakathi, Frida Robles Ponce u.a. im Rahmen der Ausstellung ‚Ins Dunkle schwimmen. Abgründe des kreativen Imperativs‘

‚The African Desperate‘ von Martine Syms – Filmvorführung und Gespräch mit Brooklyn J. Pakathi, Frida Robles Ponce u.a. im Rahmen der Ausstellung ‚Ins Dunkle schwimmen. Abgründe des kreativen Imperativs‘

14/11/2024

18:00 — 21:00 h

Universitätsgalerie der Angewandten im Heiligenkreuzerhof

Schönlaterngasse 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Der Film The African Desperate der Künstlerin Martine Syms thematisiert die Institution Kunstuniversität und wirft einen satirischen Blick auf zwischenmenschliche Dynamiken sowie Logiken der Bewertung, Kategorisierung und Ausgrenzung. Gezeigt werden die letzten Stunden der jungen Schwarzen Künstlerin Palace Bryant – gespielt von Diamond Stingily – an einer Kunstuniversität in Upstate New York. Nach ihrer Abschlussprüfung besucht sie widerwillig die letzte Party des Semesters und eine absurd-komische Odyssee nimmt ihren Lauf. Syms verwendet halluzinatorische Bilder und ironisch überzeichnete Situationen, um sich mit den Begehrensstrukturen der „creative class“ ebenso wie mit den sozialen und ökonomischen Realitäten der Kunstwelt auseinanderzusetzen.

Im Anschluss an das Screening findet ein Gespräch mit den Künstler:innen Brooklyn J. Pakathi und Frida Robles Ponce statt. Moderation von Nanna Heidenreich

Genaue Adresse: Schönlaterngasse 5, Stiege 8, 1. Stock, 1010 Wien

Anmeldung erfoderlich unter: ka-newsletter@uni-ak.ac.at

Martine Syms, The African Desperate, 2021 Still aus Film 1h39min57sec© Martine Syms. Courtesy of the artist; Sadie Coles HQ,London;&Bridget Donahue,NY

Performance von Alexander Hempel im Rahmen der Ausstellung ‚Ins Dunkle schwimmen. Abgründe des kreativen Imperativs‘

09/11/2024

18:00 — 19:00 h

Universitätsgalerie der Angewandten im Heiligenkreuzerhof

Schönlaterngasse 5, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

In seinen Performances spielt der Künstler Alexander Hempel gezielt mit den Erwartungen und Haltungen seines Publikums. Er wendet sich häufig direkt an seine Zuschauer*innen und bindet sie so in seine Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Konventionen und institutionellen Kontexten ein. In diesen Interaktionen verwischen die Grenzen von Kunst und Alltag, Privatheit und Öffentlichkeit.

Wieder sind ein paar Jahre seit der letzten Show vergangen und gerade habe ich keine Zeit nachzuschauen, wann genau die lief, weil ich mich nun auf diesen kleinen Ankündigungstext konzentrieren muss. Die frittierten Gedanken und Ideenteile liegen hier schon irgendwo bereit. Einige sind gut getrocknet, ein paar noch ziemlich feucht, manche triefend nass. Genau wie ich es mag. Ich kann es kaum erwarten, sie selbstvergessen tanzend in einen gelungenen Abend zu verwandeln, sie mit Euch zu teilen wie Schwester und Brüder. Für alle von Euch, die neu dabei sind, gibt es wie immer auch ein paar Best-Offs zum Kennenlernen und Warmlaufen. Für alle von Euch, die schon länger dabei sind, also Euch Kenner:innen und Kenner:innen der von Beginn an kleinen Szene. Wir werden immer weniger! Die meisten verschwinden langsam, schleichend wie beim Absetzen eines Medikaments, dass seinen Zweck getan oder verfehlt hat. Wenige haben uns abrupt verlassen, ohne ein Wort des Abschieds. Aber in Wien werden wir uns noch einmal wiedersehen und können uns endlich entspannen. Es gibt keinen Grund mehr, von unten nach oben zu schauen oder oben nach unten, wie ich es zugegebenermaßen selbst bis vor ganzem Kurzem noch tat. Ich kann nicht mehr. Ich habe geirrt. Ich habe gelogen. Ich habe betrogen. Ich habe Euch mir zurecht gebogen. Ich war voller Liebe und kann nun nicht mehr. Lasst mich endlich vom Wasser Eurer davon geschwommenen Felle trinken! Atrophy here we go!

So in der Richtung habe ich mir das gedacht, nur nicht ganz so zusammenhängend, sondern mit Sackgassen und sinnlosen Schlenkern in die Länge gezogen.
Einfach Hempel, wie immer. Ein letztes Mal, wie immer.

Ich habe Euch so vermisst!
Alexander

Genaue Adresse: Schönlaterngasse 5, Stiege 8, 1. Stock, 1010 Wien

Franz West, Liège, 1989 © Archiv Franz West, Estate Franz West, Foto: Günter König/Sigmund Freud Privatstiftung

‚Ins Dunkle schwimmen. Abgründe des kreativen Imperativs‘ – Kurator:innenführung mit Robert Müller und Cosima Rainer

13/11/2024

14:00 — 15:00 h

Universitätsgalerie der Angewandten im Heiligenkreuzerhof

Schönlaterngasse 5, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Die Ausstellung Ins Dunkle schwimmen zeigt gegenwärtige künstlerische Auseinandersetzungen mit Modellen des „schöpferischen Subjekts“. Sie fragt nach Fortschreibungen und Dekonstruktionen der Hoffnungen der Moderne auf Kunst als vermeintlichen Ausdruck des Inneren und auf Kreativität als Werkzeug zur Verbesserung des Lebens.

Die Kurator:innen Robert Müller und Cosima Rainer führen durch die Ausstellung.

Genaue Adresse: Schönlaterngasse 5, Stiege 8, 1. Stock, 1010 Wien

Franz West, Liège, 1989 © Archiv Franz West, Estate Franz West, Foto: Günter König/Sigmund Freud Privatstiftung

Line-up 2024: Künstler:innengespräch mit Claudia Märzendorfer & Manfred Erjautz

14/11/2024

17:20 — 17:50 h

Dorotheum

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Beim FACING TIME Line-up der VIENNA ART WEEK dreht sich dieses Jahr alles um die Zeit. Inspirierende internationale Gäste aus Kunst, Wirtschaft und Wissenschaft beleuchten das Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Anschluss wird in einer hochkarätigen Podiumsdiskussion zum Thema „20 Ausgaben VIENNA ART WEEK, 20 Jahre Kunststadt Wien“ diskutiert, den Abschluss bietet eine kurze Präsentation der Jubiläumspublikation und ein Aperitif.

17:20-17:50 „KÜNSTLER:INNENGESPRÄCH MIT CLAUDIA MÄRZENDORFER & MANFRED ERJAUTZ”

Im Rahmen des Gesprächs präsentieren Manfred Erjautz und Claudia Märzendorfer ausgewählte künstlerische Arbeiten und reflektieren über das zentrale Thema Zeit. Beide Künstler:innen werden ihre individuellen Ansätze zur künstlerischen Auseinandersetzung mit der Zeit erläutern und dabei tiefere Einblicke in ihre kreativen Prozesse und Ideen geben. Unter der Leitung von Robert Punkenhofer (Künstlerischer Leiter VIENNA ART WEEK) entsteht ein spannender Dialog, der nicht nur die individuellen Perspektiven der Künstler:innen aufzeigt, sondern auch die Rolle der Zeit im zeitgenössischen Kunstschaffen reflektiert.

Bios:

Claudia Märzendorfer, studierte an der Akademie der bildenden Künste Wien und absolvierte ihr Diplom bei Bruno Gironcoli. In ihren Arbeiten zerlegt sie Situationen und konstruierte Bedingungen und setzt diese zumindest gedanklich neu zusammen. Sie versteht die Welt als Material. Die Bilder, die dabei entstehen, sind umfassend recherchiert und vermissen dennoch nicht einen Pop-Effekt, der sie auch unmittelbar verstehen lässt. Claudia Märzendorfer schafft eine Welt neben der Welt, weil sie gesellschaftliche Konstruktionen und Bedingungen als beengend empfindet und beschreibt das als Motor. Die kontinuierlichen Achsen ihres Werks sind Zeit und Musik, die die Künstlerin auch als einzig neutrale Währungen begreift.

Aktuelle Arbeiten von Claudia Märzendorfer zeigt der Neue Kunstverein Wien noch bis 31. März 2025 in ihrer Ausstellung „PS“.

Manfred Erjautz, 1966 in Graz geboren, lebt und arbeitet in Wien. Er ist Mitglied der Secession Wien und des Forum Stadtpark Graz. Seit den späten 1980er Jahren ist Erjautz mit seinen Skulpturen und Installationen international erfolgreich und nahm an renommierten Ausstellungen wie der Biennale Venedig, der Istanbul Biennale und in Städten wie Wien, Salzburg, Rom und Los Angeles teil. Sein Werk „Shelter (Arrivals/Departures)“ ist seit 2019 Teil der permanenten Sammlung des Oberen Belvedere in Wien. Erjautz wurde mit mehreren Preisen ausgezeichnet, darunter der Msgr. Otto Mauer-Preis (1999) und eine Nominierung für den Dagmar Chobot Skulpturenpreis (2017). Seine Arbeiten sind in wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, wie dem Belvedere Wien, dem Museum der Moderne Salzburg oder der Deutschen Bank.

Line-up 2024: „A History of Possible Futures: What History tells us about our Age of Discord” – Impulsvortrag von Peter Turchin (Sozialwissenschaftler & Autor)

14/11/2024

16:45 — 17:15 h

Dorotheum

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Beim FACING TIME Line-up der VIENNA ART WEEK dreht sich dieses Jahr alles um die Zeit. Inspirierende internationale Gäste aus Kunst, Wirtschaft und Wissenschaft beleuchten das Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Anschluss wird in einer hochkarätigen Podiumsdiskussion zum Thema „20 Ausgaben VIENNA ART WEEK, 20 Jahre Kunststadt Wien“ diskutiert, den Abschluss bietet eine kurze Präsentation der Jubiläumspublikation und ein Aperitif.

16:45-17:15 „A HISTORY OF POSSIBLE FUTURES: WHAT HISTORY TELLS US ABOUT OUR AGE OF DISCORD”

Die sozialen und politischen Turbulenzen in den Vereinigten Staaten und Westeuropa haben in den letzten zehn Jahren zugenommen. In seiner Forschung, die die Analyse historischer Daten mit den Instrumenten der Komplexitätsforschung kombiniert, hat Peter Turchin die tiefgreifenden strukturellen Kräfte ermittelt, die die gesellschaftliche Stabilität und Widerstandsfähigkeit gegenüber internen und externen Schocks untergraben. Hier blickt er unter die Oberfläche der tagtäglichen politischen Auseinandersetzungen und sozialen Unruhen und konzentriert sich auf die negativen sozialen und wirtschaftlichen Trends, die unser derzeitiges „Zeitalter der Zwietracht“ erklären.
Hintergrundlektüre: Turchin, Peter. 2023. End Times: Elites, Counter-Elites, and the Path of Political Disintegration (Penguin Random House, New York und London).

Bio:

Peter Turchin ist Projektleiter am Complexity Science Hub-Vienna, Research Associate an der University of Oxford und emeritierter Professor an der University of Connecticut. Seine Forschungsinteressen liegen an der Schnittstelle von sozialer und kultureller Evolution, historischer Makrosoziologie, Wirtschaftsgeschichte, mathematischer Modellierung langfristiger sozialer Prozesse sowie der Konstruktion und Analyse historischer Datenbanken. Er ist einer der Begründer des Fachgebiets Cliodynamics und hat unter anderem die Bücher End Times (2023) und Ultrasociety (2016) veröffentlicht.

Courtesy Louisa Gagliardi and Galerie Eva Presenhuber
Photo: Gertraud Presenhuber

Galerienführung: „Louisa Gagliardi“ mit Lukas Wolf (Direktor Galerie Eva Presenhuber Wien) und Alexandra Schwalsberger (Gallery Assistant/Kunsthistorikerin)

08/11/2024

16:00 — 16:45 h

Galerie Eva Presenhuber

Lichtenfelsgasse 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich.

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Lukas Wolf (Direktor Galerie Eva Presenhuber Wien) und Alexandra Schwalsberger (Gallery Assistant/Kunsthistorikerin) führen durch die aktuelle Ausstellung von Louisa Gagliardi.

Louisa Gagliardis Gemälde sind Reflexionen: sowohl von Künstlerin und Betrachter:innen als auch von der rasanten Beschleunigung der Technologie in unserer visualisierten und sozialisierten Welt. Ihr grenzwertiger Status, sowohl als digital gerenderte Bilder als auch als physisch konfrontierte Objekte, spricht ebenso zu den zeitgenössischen Anliegen selbstvermittelter Persönlichkeiten wie zu den Kompensationen und Erzählungen der Klassiker der Kunstgeschichte.

Anmeldung erforderlich unter: a.schwalsberger@presenhuber.com

Courtesy Louisa Gagliardi and Galerie Eva Presenhuber Photo: Gertraud Presenhuber

Carsten Höller
Half Clock, 2014
Neon, cables, stainless steel, DMX interfaces, dimmboxes, controller
80 x 80 x 80 cm (neon)
Ca. 130 x 80 x 150 cm (overall dimensions)
Commissioned by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection

Installation view: Carsten Höller: LEBEN, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna, Austria, 2014
© Bildrecht, Vienna, (current year) | Photo: Attilio Maranzano

AUSGEBUCHT: Kuratorinnenführung in der Heidi Horten Collection

11/11/2024

17:00 — 18:00 h

Heidi Horten Collection

Hanuschgasse 3, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Kunst vermag es Zeit zu dokumentieren und festzuhalten, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden und somit für zeitrelevante Themen zu sensibilisieren. Kunst vermag es Zukunft zu imaginieren.

Dem Motto der diesjährigen VIENNA ART WEEK folgend lädt die Heidi Horten Collection zu einer Art Zeitreise, die sich sowohl vergangenen Epochen mit der Perspektive von heute nähert, als auch die Kunst der Gegenwart auf Kontinuität und historische Referenzen befragt und auf aktuelle Fragestellungen hin untersucht. Während die Dauerausstellung Klimt ⇄ Warhol wichtige Kapitel der (Kunst-)geschichte des 20. Jahrhunderts beleuchtet, zeigt die Sonderausstellung Light Sound Senses mit Werken zeitgenössischer Kunst Zeit unter unterschiedlichen Aspekten: einerseits als objektiv messbare physikalische Einheit, anderseits als subjektive Größe, in der individuell und kollektiv Erlebtes und Erfahrenes eingeschrieben ist und in der sich Vergänglichkeit offenbart

AUSGEBUCHT

Carsten Höller Half Clock, 2014 Neon, cables, stainless steel, DMX interfaces, dimmboxes, controller 80 x 80 x 80 cm (neon) Ca. 130 x 80 x 150 cm (overall dimensions) Commissioned by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection Installation view: Carsten Höller: LEBEN, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna, Austria, 2014 © Bildrecht, Vienna, (current year) | Photo: Attilio Maranzano

Asger Jorn, Das verwundete Biest II The wounded Biest II, 1951, Öl auf Masonit Oil on masonite, 100 x 92 cm (c) Museum Jorn

HERMANN NITSCH Schüttbild Poured Painting, 2019, Acryl auf Jute Acryli on canvas, 200 x 300 cm (c) Hermann Nitsch

AUSGEBUCHT: Besuch im Atelier von Hermann Nitsch & Führung im nitsch museum

10/11/2024

13:00 — 17:30 h

Treffpunkt: Busparkplatz Kursalon Hübner (Johannesgasse 33, 1010 Wien)

Johannesgasse 33, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

EXKURSION ZUM SCHLOSS PRINZENDORF & NITSCH MUSEUM

Zum Künstler:

Hermann Nitsch

1938 in Wien geboren, lebte und arbeitete in Schloss Prinzendorf, Niederösterreich.

Hermann Nitsch ist entscheidender Mitbegründer des Wiener Aktionismus. Er zählt zu den bedeutendsten zeitgenössischen Künstler:innen und zu den vielseitigsten: Aktionist, Maler, Komponist (Sinfonien, Orgelkonzerte), Dramatiker, Bühnenbildner. Sein Gesamtkunstwerk das Orgien Mysterien Theater umfasst das breite Spektrum seiner Kunst, indem es den Einsatz aller fünf Sinne erfordert – das Tragische führt zur Auseinandersetzung mit Fleisch, Blut und Eingeweiden. Das O.M. Theater ist in Prinzendorf im Weinviertel. Werke von Hermann Nitsch sind in den beiden Nitsch Museen (in Mistelbach und Neapel) und in den renommiertesten internationalen Museen und Galerien ausgestellt. Hermann Nitsch starb am 18. April 2022 in Mistelbach.

ABLAUF EXKURSION

Abfahrt Wien: 13:00 Uhr (Busparkplatz bei Kursalon Hübner, Johannesgasse 33, 1010 Wien)

Ankunft Nitsch Museum, Mistelbach: 14:00 Uhr

NITSCH MUSEUM: Führung durch die Ausstellung JORN – NITSCH
Protestantischer Norden vs. katholisch-barockes Weinviertel

„Jorn – Nitsch“ ist die erste Ausstellung im nitsch museum Mistelbach, bei der Hermann Nitschs künstlerisches Werk einer zweiten Position gegenübergestellt wird. Asger Jorn (1914 Vejrum – Aarhus 1973, Dänemark) zählt neben Karel Appel und Pierre Alechinsky zu den bekanntesten Protagonisten der CoBrA-Gruppe, eine der führenden Avantgardebewegungen der Nachkriegszeit in Europa, die sich für Ursprünglichkeit und Freiheit der Kunst ausgesprochen haben.

Jorns sowie Nitschs Malerei sind von sinnlicher Kraft, körperlichem Einsatz und Materialität geprägt. Mit seinen Aktionsmalereien und Schüttbildern ab den frühen 1960er-Jahren hatte der Wiener Aktionist das Tafelbild entschieden erweitert und als Vorstufe zu seinem Orgien Mysterien Theater definiert. Vor allem ist sein malerisches Spätwerk von gestischen Entladungen in pastoser Materialität und kräftigem Kolorit erfüllt. Jorn schöpft aus dem Unbewussten jenseits der rationalen Welt und schafft hybrid-organische Formverwilderungen, die sich in eine abstrakte Malereisubstanz auflösen.

Eine weitere Parallele findet sich im Einsatz der Zeichnung und dem Primat der Linie, ob Jorns archaisch-kindliche Kopffüßler und Mensch-Tier-Kreationen oder Nitschs anatomisch sowie organisch geprägte Architektur-Notationen seines grafischen Werks.

Kuratiert von Florian Steininger (Künstlerischer Direktor der Kunsthalle Krems).

Anschließend 15:00 Uhr: Weiterfahrt nach Prinzendorf Atelier Hermann Nitsch

Ankunft: 15:15 Uhr Atelier Nitsch, Prinzendorf

SCHOSS PRINZENDORF: Führung durch das ehemalige Atelier von Hermann Nitsch

Schloss Prinzendorf ist ein historisches Schloss im Weinviertel, das für seine zentrale Rolle im Werk des Künstlers Hermann Nitsch bekannt ist. Ursprünglich gehörte es dem Stift Klosterneuburg und war Teil eines landwirtschaftlichen Gutsbetriebs. Für Nitsch wurde das Schloss zu einem Ort der künstlerischen Erleuchtung, an dem er sein „Orgien Mysterien Theater“ verwirklichte. 1971 erwarb er das Schloss, das seitdem als Schauplatz zahlreicher Performances und Pfingstfeste diente, darunter das berühmte 6-Tage-Spiel mit hunderten Beteiligten. Umgeben von Weinbergen und Kellergassen bietet das Schloss die ideale Kulisse für Nitschs umfassende künstlerische Visionen.

Rückfahrt: 16:30 Uhr

Ankunft Wien: 17:30 Uhr

Anzahl: 50 Personen, first come first serve

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Schloss Prinzendorf. Foto: Cibulka Frey

Portrait: Photography by Ramiie G, Courtesy of Zeitz MOCAA

Line-up 2024: „From Facing the Mirror to Intentional Conversations to Facing Time” – Keynote lecture von ABBEY IT-A (Artist & Curator FCA Ghana)

14/11/2024

16:10 — 16:40 h

Dorotheum

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Beim FACING TIME Line-up der VIENNA ART WEEK dreht sich dieses Jahr alles um die Zeit. Inspirierende internationale Gäste aus Kunst, Wirtschaft und Wissenschaft beleuchten das Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Anschluss wird in einer hochkarätigen Podiumsdiskussion zum Thema „20 Ausgaben VIENNA ART WEEK, 20 Jahre Kunststadt Wien“ diskutiert, den Abschluss bietet eine kurze Präsentation der Jubiläumspublikation und ein Aperitif.

16:10-16:40 „FROM FACING THE MIRROR TO INTENTIONAL CONVERSATIONS TO FACING TIME“

In den letzten zwei Jahrzehnten hat sich die Kunstwelt Ghanas stark gewandelt. Die Veränderungen waren regionaler Natur, global anerkannt und von einer besonderen Ideologie geprägt. Wie lässt sich die Foundation for Contemporary Art (FCA) – Ghana in diese Paradigmen einordnen? In dieser Präsentation versuche ich, den fließenden Modus Operandi der FCA zu beschreiben, der auf der Zusammenarbeit mit ihren Kunstschaffenden und Partnerschaften mit lokalen und internationalen Organisationen beruht. Der Ansatz folgt einem roten Faden, der das ergänzt, was Bernard Akoi-Jackson in seinem Artikel „From Facing the Mirror to Intentional Conversations“ hervorhebt. Er beschreibt das Gründungsseminar der FCA, ihren Standort in der Stadt Accra und ihre institutionelle Entwicklung in den letzten 20 Jahren.

Sich der Zeit zu stellen bedeutet für die FCA-Ghana, weiterhin kritische Fragen nach dem „Wie“ und „Was wäre wenn“ zu stellen; es bedeutet, neue physische Gebiete zu erschließen und sich selbst verbreitende Ströme des „Überflusses“ zu entwickeln; es bedeutet, pädagogische Angebote für jüngere Generationen zu ergänzen und/oder zu erweitern und diejenigen älterer Generationen zu archivieren.

Bio:

Im Grenzbereich zwischen künstlerischer Praxis und kuratorischer Arbeit interessiert sich Abbey IT-A für die sprichwörtliche Diskursivität, die der zeitgenössischen Kunst innewohnt, und wie sie sich in der Praxis bewährt. Abbey IT-A erforscht dieses Anliegen durch experimentelle, vielstimmige kuratorische Interventionen mit Fotografie, Video, Text und Konversation als mögliche Ausgangspunkte für eine unabhängige Kunstpraxis. Als Kurator:in am FCA-Ghana unterstützt Abbey IT-A zeitgenössische ghanaische Kunstpraktiken und -diskurse durch Forschung, Workshops, Seminare, Ausstellungen, Interventionen und Labore.

In Ghana ausgebildet, erwarb Abbey IT-A einen BFA an der Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST) in Malerei und Bildhauerei (2019), wo Abbey derzeit ein MFA-Studium absolviert. Abbey ist Empfänger:in des Prince Claus Seed Award (2023) und ist Zeitz MOCAA & UWC Museum Fellow (2024).

Portrait: Photography by Ramiie G, Courtesy of Zeitz MOCAA

„SHOOTING PICTURES (BULLET TIME)“: Ein Symposium über den Fotografen und Mörder Eadweard Muybridge – und seine Folgen

14/11/2024

18:30 — 21:30 h

Prospekthof des Atelierhauses der Akademie der bildenden Künste

Lehárgasse 8, 1060 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH UND ENGLISCH

Eine Veranstaltung vom Volkstheater Wien und Akademie der bildenden Künste Wien

Die amerikanische Essayistin Rebecca Solnit nannte ihn einen “Übergang, ein Scharnier zwischen der alten Welt und der unsrigen”: Der Fotopionier und Kinoerfinder Eadweard Muybridge war ein wichtiger Wegbereiter Hollywoods, aber er war auch ein skrupelloser Mörder, galt als verschroben und irrsinnig. Seine Zusammenarbeit mit dem Eisenbahn-Tycoon und Universitätsgründer Leland Stanford in Palo Alto macht ihn darüber hinaus zu einem frühen Vorreiter der Kreativökonomie des Silicon Valley. Was, wenn man seine Geschichte als Gründungsgeschichte unserer heutigen Mediengesellschaft liest?

PROGRAMM

18:00 Uhr Einlass

18:30 Uhr Kurzvortrag zur Einführung
BULLET TIME – Wer war Eadweard Muybridge? von Alexander Kerlin
Alexander Kerlin, Autor des Theaterstücks BULLET TIME, führt das Publikum in einem kurzen Vortrag mit Bildbeispielen und Anekdoten in das Leben und Werk von Eadweard Muybridge und seine damalige Epoche ein.

19:00 Uhr Gespräch
„Ein blutiges Bild ist besser als gar kein Bild.” Eadweard Muybridge als Gespenst der Gegenwart mit Filmwissenschaftlerin Lisa Gotto und Fotohistoriker Bernd Stiegler, Moderation: Matthias Seier
Die Filmwissenschaftlerin Lisa Gotto (Universität Wien) sowie der Literaturwissenschaftler und Fotohistoriker Bernd Stiegler (Universität Konstanz) diskutieren im Gespräch mit Dramaturg Matthias Seier über Muybridge und die Geburtsstunde des Bewegtbilds, über Bilder und Mörder, die patriarchale Gewalt des Geniekults sowie eine Gegenwart im endlosen Strom der Bilder.

20:00 Uhr Pause & Drinks

20:30 Uhr Artist-Talk und Filmscreening
Unsupported Transit von Zachary Formwalt
Der Videokünstler und Filmemacher Zachary Formwalt präsentiert seine Videoarbeit UNSUPPORTED TRANSIT (2011). Auf einer gigantischen Baustelle in Shenzen entsteht ein neues Börsengebäude, entworfen von Rem Koolhaas. Der Film verknüpft Eadweard Muybridges frühe sequentielle Fotografien mit dem Prinzip der Zeitrafferfotografie und Karl Marx‘ Idee des Kapitals, das scheinbar „aus sich selbst heraus“ in Bewegung gerät.

21:15 Uhr Artist Talk
Danielle Genadry im Gespräch mit Michael Höpfner
Die großformatigen Gemälde der libanesisch-französischen Künstlerin Danielle Gendary verweisen immer wieder auf ikonische Motive von Muybridges‘ Landschaftsfotografien im amerikanischen Westen. Ihre Arbeit erforscht das Potenzial von Bildern, eine eigene Zeitlichkeit zu schaffen, und unseren Blick für Präsenz und Vergänglichkeit zu schärfen. Im Gespräch mit Künstler und Fotograf Michael Höpfner erläutert sie ihr Werk und ihre Inspirationen.

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Eine Kooperation vom Volkstheater Wien mit der Akademie der bildenden Künste im Rahmen der VIENNA ART WEEK anlässlich der Uraufführung von BULLET TIME – Die Geburt des Kinos aus dem Geiste eines Mörders am Volkstheater (für mehr Info hier klicken).

Weihnachtszuckerl: Alle Besucher*innen des Symposiums bekommen 50% Rabatt auf die BULLET TIME Vorstellung am 28. Dezember im Volkstheater!

Kyungah Ham, What you see is the unseen Chandeliers for Five Cities SK 02-01 North Korean hand embroidery, silk threads on cotton, middle man, smuggling, bribe, tension, anxiety, censorship, ideology, wooden frame approx. 1800hrs 1person, 2017 -2018

VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: Führung (ÖGS) durch „Forms of the Shadow“ mit Eva Böhm

14/11/2024

16:30 — 17:20 h

Secession

Friedrichstraße 12, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCHE LAUTSPRACHE UND ÖSTERREICHISCHE GEBÄRDENSPRACHE

Die ÖGS-Führung mit Eva Böhm widmet sich der Gruppenausstellung „Forms of the Shadow“, kuratiert von Sunjung Kim. Die Show wirft ein Schlaglicht auf diejenigen Schatten in der heutigen Welt, die durch die globale Pandemie, die Klimakrise und geopolitische Spannungen zutage getreten sind. Anhand dieses thematischen Schwerpunkts lädt sie die Besucher:innen ein, auf unsere vernetzten Gesellschaften und die vielfältigen Schwierigkeiten turbulenter Zeiten zu reflektieren.

Künstler:innen: Nilbar Güreş; Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh und Hesam Rahmanian; Kyungah Ham; Young in Hong; ikkibawiKrrr; Jane Jin Kaisen; Joon Kim; Lee Bul; Lee Kit; Mikael Levin; Minouk Lim; Moon Kyungwon & Jeon Joonho; Ramiro Wong; Haegue Yang; Tomoko Yoneda; Jin-me Yoon; Min Yoon

Eine vorherige Anmeldung ist nicht notwendig. Weitere Informationen unter kunstvermittlung@secession.at.

Kyungah Ham, What you see is the unseen Chandeliers for Five Cities SK 02-01 North Korean hand embroidery, silk threads on cotton, middle man, smuggling, bribe, tension, anxiety, censorship, ideology, wooden frame approx. 1800hrs 1person, 2017 -2018

Ines Doujak, gestatten, Skulptur (mixed media), 2024

Finissage der Ausstellung „Ines Doujak: SchwesterSchwester“

15/11/2024

16:00 — 18:00 h

GALERIE3

Schleifmühlgasse 3, 1040 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Zum Abschluss der Ausstellung SchwesterSchwester ladet die GALERIE3 herzlich zur Finissage mit Drinks und in Anwesenheit der Künstlerin ein.

Bei der Schau SchwesterSchwester von Ines Doujak handelt es sich um die erste Einzelpräsentation der in Klagenfurt geborenen Künstlerin in der GALERIE3. Seit über 30 Jahren inszeniert Doujak Performances und Installationen, schafft Skulpturen, Fotografien und Filme, schreibt Liedtexte und erarbeitet Publikationen. Ihre Werke wurden weltweit ausgestellt, unter anderem bei der Liverpool Biennale (2021), bei Bergen Assembly (2019), der Sao Paulo Biennal (2014), der Busan Biennale (2012) und der documenta 12 (2007). Hinzu kommen bedeutende Personalen, unter anderem in der Kunsthalle Wien (2021/2022), dem MMKK in Klagenfurt (2023) und dem Lentos Kunstmuseum Linz (2018).

Für die in SchwesterSchwester ausgestellten Werke kombiniert Doujak Gefundenes, Geschenktes und Gekauftes – Unnützes, das sich über die Jahre angesammelt hat und das die Künstlerin zu wundersamen Assemblagen transformiert: seien es hunderte schwarz angemalte Marillenkerne, ein Mammutknochen, eine Musikrolle, eine 2000 Jahre alte Textilarbeit aus Peru oder eine Marionette, deren Bein nur noch am seidenen Faden hängt. Auch von der Künstlerin wiederentdeckte analoge Fotografien aus ihrer späten Studienzeit sind in der Ausstellung vertreten.

Im hinteren Bereich der Galerie ist eine Auswahl der prominenten Serie Geistervölker (seit 2015) zu sehen, die in diesem Jahr auch bei CARA in New York gezeigt wurde. In den Collagen beschäftigt sich die Künstlerin mit der globalen Verbreitung von Viren und damit zusammenhängenden kolonialen Strukturen und Unterdrückungsmechanismen. Dabei greifen Menschliches und Tierisches, Pflanzliches und Anorganisches ineinander und verbinden sich zu hybriden Kreaturen, die von großer Ambivalenz geprägt sind. So setzen Doujaks Werke eine Energie frei, die düster ist und spielerisch zugleich. Sie umgibt ein exzentrisches Flirren, das in seinem unheimlichen und doch verführerischen Sog tief in der Magengrube zieht, und das nichts mit idealistischer Ganz- und Reinheit zu tun hat. Stattdessen werden das Brutale und Unkontrollierbare, das rohe Fleisch der Dinge und seine abseitigen Blüten in den Fokus genommen.

Zwar im Fiktiven verortet, sind die Arbeiten der Künstlerin weit entfernt von einer eskapistischen Weltflucht. Im Gegenteil – mit den Mitteln der Montage und des Grotesken bricht sich ein ganz eigener Realismus Bahn, der abstrakte globale Machtverhältnisse im Abjekten und Außenseiterhaften konkret werden lässt. Dabei zündelt die Künstlerin mit dem Emporheben des Randständigen direkt im Herzen unseres Systems, adressiert und dekonstruiert ausbeuterische Strukturen, Klassismus und normative Geschlechtsidentitäten. Auf der Suche nach Formen des Widerstandes mobilisiert Doujak immer wieder Zeichen des politischen Aktivismus, von Kollektivität und Solidarität. Text: Ramona Heinlein

Ines Doujak, gestatten, Skulptur (mixed media), 2024

Highspeed Exhibition for a high-speed society

15/11/2024

18:30 — 18:45 h

k48 - Offensive für zeitgenössische Wahrnehmung

Kirchengasse 48, 1070 Wien, Österreich

Der flüchtige Hochgeschwindigkeitsausstellungsraum k48 präsentiert zeitgenössische Kunstwerke, die das Thema Zeit kritisch verhandeln und ausschließlich innerhalb der radikal verkürzten Ausstellungsdauer von nur 15 Minuten wahrgenommen werden können. Wir haben alle viel zu tun.

Künstler:innen: Sean Dower (UK), Jurgis Gecys (LIT), Gerwald Rockenschaub (A)

Kuratiert von Oliver Hangl

Raffaela Bielesch, Ablenkungsmanöver (Düppel #1 – Galaxie), 2024 © Bildrecht Wien, 2024

Artist Talk: Raffaela Bielesch im Gespräch mit Georg Hoffmann & Stephanie Damianitsch

11/11/2024

18:00 — 19:00 h

Heeresgeschichtliches Museum Wien

Arsenal 1, 1030 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Das Gespräch findet anlässlich der Präsentation des Projektes Ablenkungsmanöver im Heeresgeschichtlichen Museum statt. Die Künstlerin Raffaela Bielesch und Direktor Georg Hoffmann diskutieren unterschiedliche Formen der Geschichtsaufarbeitung. Inwieweit hat zeitgenössische Kunst das Potenzial kollektive Erlebnisse der Vergangenheit zu fassen, dabei aber auch neu zu verhandeln und aus dem Standpunkt der Gegenwart heraus „in Bewegung“ zu versetzen? Wie wird Geschichte in einem Museum bewahrt, vielleicht aber auch neu geschrieben? Die Kuratorin Stephanie Damianitsch moderiert das Gespräch und bringt ihre von der psychoanalytischen Kunstwissenschaft geprägte Perspektive mit ein.

Weiteres Programm:

Performance Lecture Raffaela Bielesch

15.11.2024, 15:00

Heeresgeschichtliches Museum, Wien

Raffaela Bielesch, Ablenkungsmanöver (Düppel #1 – Galaxie), 2024 © Bildrecht Wien, 2024

Kontemplatives Screening & Tee

10/11/2024

14:00 — 18:00 h

ALL GOOD YOGA

Hollandstraße 9, 1020 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich.

Diese Installation lädt zur stillen Kontemplation über die Vergänglichkeit ein. Während man sich hinlegt und an die Decke blickt, wird ein Video von Künstlerin Kristina Kulakova projiziert, das die subtilen Bewegungen lokaler Pflanzen einfängt, in denen sich die Zeit biegt und auflöst und zu etwas Fließendem und Ungreifbarem wird.

Im Anschluss an die visuelle Meditation wird eine Teemischung aus diesen Pflanzen serviert, die die Verbindung zwischen flüchtigen Bildern und Sinnen vertieft. In diesem Ritual verweilt die Zeit und schafft eine stille Verschmelzung des Augenblicks mit dem Ewigen.

Eine einzigartige Teemischung wird von Saint Charles zur Verfügung gestellt, die speziell für diese Veranstaltung kreiert wurde.

Jeder ist willkommen, kostenlose Anmeldung in Zeitfenstern:

14.15

15.15

16.15

17.15

via hi@eostudiio.com

www.eostudiio.com

www.kristinakulakova.com

Eröffnung: „10 Minutes Shift“

12/11/2024

19:00 — 01:00 h

Atelier Glockengasse 8A

Glockengasse 8A, 1020 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

19h – open end , DJ Lässer / eclectic electro / detroit special / vinyl only / DJ Electrorider

In einer Welt, in der Produktivität oft an erster Stelle steht, thematisiert das Projekt „10 Minutes Shift“ die konventionellen Vorstellungen vom Verhältnis zwischen Zeit, Arbeit, Produktion und Wert. Künstler:innen sind dazu eingeladen für die Ausstellung ein neues Kunstwerk im Zeitraum von 10 Minuten zu erschaffen. Die Ausstellung hinterfragt den intrinsischen Wert künstlerischer Produktion in einer Gesellschaft, die auf Kommerzialisierung und Konsum fixiert ist. Indem das Projekt die Aufgabe stellt, die Kunstproduktion auf 10 Minuten zu beschränken, und somit der Wert von der aufgewendeten Zeit abhängig gemacht wird, regt die Ausstellung dazu an, sich mit einer Neubewertung von ökonomischen und kulturellen Wertvorstellungen auseinander zu setzen.

Die im Kunstkontext häufig genannten Begriffe wie fair pay, freiberufliche Tätigkeit, Förderungen und Sozialleistungen, bleiben jedoch häufig nur Worthülsen in der täglichen Kunstproduktion. Die kuratierte Auswahl an Kunstwerken bietet eine vielfältige Sichtweise auf das Verhältnis von Zeit, Arbeit, Produktion und Wert. Von Skizzen über Installationen und performativen Aktionen schaffen die künstlerischen Arbeiten ein Statement, das über die Reduktion der Produktionszeit und des von der Gesellschaft verliehenen Werts hinausgeht.

Die Betrachter:innen werden sowohl mit einem ephemeren Charakter des künstlerischen Ausdrucks als auch dem unerbittlichen Lauf der Zeit konfrontiert. „10 Minutes Shift“ zwingt uns, flüchtige Momente wahrzunehmen und den intrinsischen Wert kreativer Arbeit neu zu überdenken. Dabei lädt die Ausstellung dazu ein, das Verständnis für die Beziehung zwischen Zeit, Arbeit, Produktion und Wert in der zeitgenössischen Gesellschaft neu zu definieren.

Künstler:innen:

Aldo Giannotti, Alberto Storari, Alfredo Barsuglia, Andrea Heyer, Ania Zorn, Bea Rice Küninger, Brunilda Castejon, Camilla Lausch, Casaluce Geiger, Charlotte Aurich, Christine Baumann, Christian Rupp, Christiane Spatt, Edith Payer, Elisabeth Grübl, eSeL (Esel Lorenz Seidler), Francesca Centonze, Franziska King, Florent Souly, Gerald Straub, Gerald Zahn, Georg Eckmayr, Julia Bugram, Yomer, Hana Usui, Isabelle Seilern, Ilaria Carli Paris, Lisa Reiter, Linus Riepler, Klaus Taschler, Karin Maria Pfeifer, Michael Gumhold, Manuela Picallo Gil, Marianna Kozan, Michikazu Matsune, Miriam Laussegger, Naoko Muneoka, Olaf Osten, Ona B, Oscar Cueto, Pablo Chiereghin, Peter Kraus, Peter Fritzenwallner, Roman Pfeffer, Rudolf Hübl, Sandra Fockenberger, Sascha Alexandra Zaitseva, Sophie Dvořák, Stefan Wanka, Sula Zimmerberger, Torsten Köpf, Werner Schedler

Geführtes Screening & Künstler:innengespräch mit elephy: „Gifting in the Dark“

15/11/2024

17:30 — 19:30 h

KEX Kunsthalle Exnergasse

Währinger Straße 59, 1090 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Am Freitag, den 15. November, findet im Rahmen der VIENNA ART WEEK die Veranstaltung „Gifting in the Dark“ statt, bei der die Künstlerinnen und Künstler der Brüsseler Produktionsplattform elephy, Rebecca Jane Arthur, Chloë Delanghe, Eva Giolo und Christina Stuhlberger, gemeinsam audiovisuelle Werke zeigen.

Die Kurator:inneen lassen sich dabei von Vivian Sobchacks Überlegungen zur Auseinandersetzung mit der Zeit und dem Medium Film in Bezug auf das Leben und die Ansammlung von Erfahrungen leiten. Für sie ist das bewegte Bild eine sichtbare Darstellung nicht einer abgeschlossenen oder vergangenen Tätigkeit, sondern einer im Entstehen begriffenen Tätigkeit. Diese besondere Veranstaltung mit anschließendem Künstler:innengespräch findet im Rahmen der Ausstellung von elephy in der Kunsthalle Exnergasse, LIVING APART TOGETHER (13.11.2024-14.12.2024) statt.

'For Rosa’, Gifts, Kathi Hofer

© Spiess/Gollob/Gründorfer, Ars Electronica 2023

Sonophagia – Eating Sound: Performance-Installation & Vorträge über auditive Anthropologie, Anthropophagie und Biokunst

14/11/2024

18:30 — 21:30 h

AIL - Angewandte Interdisciplinary Lab (Postsparkasse)

Österreichische Postsparkasse, Georg-Coch-Platz 2, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Die Veranstaltung untersucht die Anthropophagie in ihrer spekulativen Wechselseitigkeit. Anthropophagie erstreckt sich über verschiedene Bereiche und umfasst Phänomene in der Biologie wie die Symbiogenese, bei der Zellen andere Zellen konsumieren, um sich zu entwickeln; in der Linguistik oder der KI, wenn Sprachen oder Modelle sich gegenseitig konsumieren, und umfasst verschiedene Formen der künstlerischen und kulturellen Aneignung, die von Oswald de Andrades anthropophagischem Manifest inspiriert sind. Die Veranstaltung erforscht beispielsweise, wie sich Mikroben von bestimmten menschlichen Klangfrequenzen ernähren und wie Sprachparasiten das Gesprochenwerden bewirken. Sie geht von den indigenen Kosmologien aus, in denen die Zustände des Anderen – des Opfers – verzehrt werden, um die Zeichen seiner Andersartigkeit zu assimilieren. In diesen Kosmologien werden Töten und Singen als ähnliche Praktiken interpretiert, um durch gesungene oder gesprochene Worte zum Anderen zu werden, und der Begriff, der für den Anderen oder den Feind verwendet wird, ist „Zukunftsmusik“. Der Sänger oder Sprecher versteht sich selbst als Subjekt in dem Moment, in dem er seine Einzigartigkeit erklärt, indem er sich selbst durch die Stimme des Anderen hört und die Koexistenz verschiedener Arten enthierarchisiert.

Mit:

Tristam Vivian Adams (Cultural Theorist, ‘Vocal Semiocapitalism’)
Sean Braune (Cultural Theorist, ‘Language Parasites‘)
Emanuel Gollob (Artist, ‘Eating Caruso’)
Jens Hauser (Cultural Theorist, Moderator, ‘BioMedia’)
Svenja Kratz (Artist, University of Tasmania, ‘Bone Breath‘)
Matthias Lewy (Prof., Basel University,’Indigenous Sonorism‘)
Ana Maria Ochoa (Prof., Tulane University, ‚Acoustic Multinaturalism‘)
Theresa Schubert (Artist, ‚mEat Me‘)
Klaus Spiess (Prof., Vienna Medical University. ‘Eating Caruso’)
Melanie Strasser (Cultural Theorist, Vienna University, ‚Tupi or not Tupi‘)

Weitere details finden Sie hier.

© Karin Maria Pfeifer & Sula Zimmerberger

Eröffnung: „Als die Zeit beschloss sich einen Kaffee zu gönnen“

10/11/2024

18:00 — 21:00 h

flat1_artspace

Radetzkystraße 4, 1030 Wien, Österreich

Fremdzeit

Das Alltagsleben hat sich beschleunigt. Mit ein Grund dafür sind wohl die immer schnelleren technischen Innovationsraten, deren Ergebnisse selbst auch wieder helfen, die beschleunigten Abläufe zu bewältigen. Alles könnte in Balance sein, wenn parallel dazu nicht die Erfordernisse wachsen würde, sich auch emotional und seelisch den neuen Bedingungen anzupassen. Und da keimt der Verdacht, dass die Innovationskraft dieser Ebenen nicht immer mit der technischer Entwicklungen Schritt halten kann.

Wir wissen aus der Physik, dass große Beschleunigung mit großen Reibungsverlusten hohem Energieaufwand einher geht. Das bedeutet auf das Alltagsleben bezogen ein hohes Maß an psychischem und emotionalem Kraftaufwand. Dabei zeigt die emotionale Zeiterfahrung, dass vieles seine eigene Geschwindigkeit hat, die sich nicht beliebig verkürzen, nicht optimieren lässt, gerade nicht in Bezug auf psychische oder physische Entwicklungsschritte. “Alle Arten von Veränderung, unabhängig davon, ob sie die Lage, die Situation oder die Gestalt betreffen, benötigen ihre Zeit. Auch der Austausch zwischen Menschen und ihren Umwelten – wie natürlich auch zwischen Tieren, Pflanzen, Organen und ihren Umwelten – braucht seine Zeit, ganz gleich, ob dieser Austausch sich als Handlung verselbstständigt hat oder ob er an Austauschmedien wie Luft, Nahrung, physikalische Kräfte oder Informationen gebunden ist. Dieses universelle Phänomen wird seit Langem als “Eigenzeit” bezeichnet.”*

Die moderne Welt versucht Hilfestellung zur Entdeckung der Eigenzeit anzubieten, doch ist sie selbst Teil des Problems, dessen Lösung zu haben sie vorgibt. Die gewünschte Entschleunigung stellt sich nur schwer ein, wenn sie von außen realisiert werden soll. Es geht vielmehr darum, innere Fähigkeiten zu erkennen, mit der beschleunigten Welt umzugehen.

Sobald das eigene Gefühl die Taktfrequenz angibt, bringt man Anforderung und Können automatisch in Deckung. Der prototypische Fall des spielenden Kindes ist ein Hinweis auf die wirklichen, unserer Gesellschaft inhärenten Möglichkeiten zur Entschleunigung. Dessen Kreativität definiert sich nicht durch ein Loslösen von Zwängen, sondern durch ein Hinwenden zu den Dingen. In der selbstvergessenen Beschäftigung mit der Welt liegt die Kontaktmöglichkeit mit dem eigenen Ich. Künstler/innen lassen sich auf diesen Prozess ein, um neue Interpretationen und Positionen von Fremd- und Eigenzeit zu entwickeln.

* Fritz Reheis, Philosoph und Universitätsdozent, Bamberg

Führung durch die Ausstellung: „Eine kollektive Reise zu Klimagerechtigkeit: gemeinsam lernen, gemeinsam handeln.“

10/11/2024

18:00 — 20:00 h

SOHO Studios

Liebknechtgasse 32, 1160 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Künstler:innen:

Susanna Ojeda und Kollektiv | David Osthoff | Franziska Thurnauer und Fabian Holzinger

Kooperation:

Institut für künstlerisches Lehramt an der Akademie der bildenden Künste Wien

In der Ausstellung „Eine kollektive Reise zu Klimagerechtigkeit: Gemeinsam lernen, gemeinsam handeln.“ werden komplexe Beziehungen von historischen, sozialen und wirtschaftlichen Ursachen der gewachsenen Ungerechtigkeiten, die eng mit ökologischen Entwicklungen in Zusammenhang stehen, mittels zeitgenössischer künstlerischer Praktiken sichtbar und be/greifbar. Themen wie Kritik an der hierarchischen Beziehung zwischen Menschen und Natur; Ökofeminismus*; anhaltende koloniale Ausbeutung von Menschen, Pflanzen, Tieren und anderen planetaren Wesen werden ebenso einfließen wie indigenes Wissen aus Gemeinschaften von „Abya Yala“ (vorkolonialer Name für Amerika). Zeit steht hier in Relation mit den Zyklen der Natur und mit dem Erbe der Vorfahren, bricht mit der Linearität unseres Zeitverständnisses.

Angesichts der Größe des Themenfeldes werden insbesondere kollaborative Methoden angewendet, die sich auf den Transfer und Austausch von Wissen im Sinne eines kollektiven Lernens mit allen Sinnen konzentrieren sowie Handlungsstrategien erarbeiten und teilen. Die Ausstellung zielt darauf ab, mit Methoden der Kunst, des künstlerisch-kreativen Lernens und des Aktivismus ein diverses Publikum zu generieren und zu mobilisieren und so etwa einen Zusammenhang zwischen dem Verlust an Biodiversität und sozialen Ungerechtigkeiten herzustellen.

Anmeldung unter: info@sohostudios.at

Eröffnung: „HO ALTRO DA FARE (I HAVE OTHER THINGS TO DO)“

13/11/2024

19:00 — 21:00 h

FLUCC

Praterstern 5, 1020 Wien, Österreich

Eröffnung am 13.11.2024

Ausstellung: 13.11.2024 – 30.11.2024

Das Kunstprojekt Ho altro da fare (I Have Other Things to Do) öffnet eine gemeinsame Zeit und einen gemeinsamen Raum der Fürsorge, um ein kollektives Überleben inmitten kapitalistischer Exzesse, neokolonialer Ausbeutung sowie der Privatisierung und Vermarktung von Care-Arbeit neu zu erproben. In den künstlerischen Beiträgen erblüht eine radikale Imagination, die als Aufruf zum Handeln wirkt und kollektive Forschungsweisen, gemeinsames Erinnern und Zuhören sowie verkörperte Widerstände inspiriert. Das Projekt lädt das Publikum ein, über das individuelle Erleben hinauszugehen und gemeinschaftliche Formen der Fürsorge zu erkunden, die Grenzen überschreiten und Wege des kollektiven guten Lebens eröffnen.

In The Reading (2017) lädt Adelita Husni-Bey zu einem Filmscreening und einer Live-Tarot-Lesung mit Künstler*in Pêdra Costa ein, um Praktiken des Schutzes und der Heilung zu erforschen und auf Ungleichheiten sowie die Dringlichkeit einer nachhaltigen Zukunft aufmerksam zu machen.

Špela Petrič untersucht in ihrer künstlerischen Arbeit Performative Ethnographies of X und AIxxNOSOGRAPHIES (2023) unsichtbare Fürsorgestrukturen und reflektiert Konsum und Umwelt bei einer Führung und partizipativer Beobachtung durch Wiens Müllverbrennungsanlage.

SKGAL (Nina Höchtl und Julia Wieger) erinnert mit Drinnen und draußen Sorge tragen (2024) an den gemeinsamen Kampf für eine Wohngemeinschaft für Frauen* im Jahr 1982, die aus dem Gefängnis Schwarzau entlassen wurden, und würdigt den kollektiven feministischen Kampf für geschützteren Wohnraum.

Sophie Utikal präsentiert, inspiriert von Octavia Butler, in 4 ᴍᴏᴛʜᴇʀꜱ (2024) vier Mütter, die sich, Resilienz und Fürsorge erzeugend, für eine neue Evolutionsphase der Menschheit engagieren.

Netta Weiser lädt in einer kollektiven Listening Session ein, Hören als politische und somatische Handlung zu erforschen und diasporische Erinnerungen sowie transgenerationales Wissen mit einzubeziehen.

Programm

Mi 13.11.2024, 19:00 – 23:00

Eröffnung, Rundgang und Künstler*innengespräch mit SKGAL (Nina Höchtl und Julia Wieger), im Anschluss Verpflegung von art.mosaic.project und Musik von DJ Thea

Mi 20.11.2024, 19:00 – 21:00

Filmscreening The Reading (2017) von Adelita Husni-Bey und Live-Tarot-Lesung mit Künstlerin Pêdra Costa (keine Anmeldung erforderlich)

Di 26.11.2024, 20:00 – 22:00

Collective Listening Session mit Netta Weiser und Live-Broadcasting mit Radio ORANGE 94.0 (keine Anmeldung erforderlich)

Mi 27.11.2024, 19:00 – 21:00

Filmscreening: AIxxNOSOGRAPHIES (2023) von Špela Petrič und Künstler*innengespräch

(keine Anmeldung erforderlich)

Do 28.11.2024, 14:00 – 17:00

Führung und partizipative Beobachtung zur Wiener Müllverwertungsanlage, mit Špela Petrič. Treffpunkt: 13:45 an der MVA Spittelau, Spittelauer Lände 45, 1090 Wien. Anmeldungen unter: mahlknechtbarbara@gmail.com

'Hello World' animation by Vincent Entekhabi, 2024, video still

Eröffnung: „Descansos (We die a thousand deaths)“ & „90 Seconds to Midnight“

09/11/2024

18:00 — 20:00 h

VCAS - Vienna Contemporary Art Space & Womens Research Wānanga hosted by WEST

Augasse 2-6, 1090 Wien, Österreich

Gemeinsam mit Kunst- und Kulturschaffenden macht das WEST die ehemalige Wirtschaftsuniversität am Althangrund zum Zentrum für Kreativität, Kultur und Urbanität – und beherbergt die beiden folgenden an der VIENNA ART WEEK beteiligten Projekte:

Womens Research Wānanga: „DESCANSOS (We die a thousand deaths)“

„Descansos sind Symbole, die einen Tod markieren. Genau dort, an dieser Stelle, hat das Leben eines Menschen unerwartet aufgehört…. Dort geschah etwas, das das Leben dieser Person und das Leben anderer Menschen für immer veränderte. Frauen sind schon tausend Tode gestorben, bevor sie zwanzig Jahre alt waren. Sie sind in diese oder jene Richtung gegangen und wurden abgeschnitten. Sie haben Hoffnungen und Träume, die ebenfalls abgeschnitten worden sind. Jeder, der etwas anderes behauptet, schläft noch.“

(Claudia Pinkola Estes, Women who run with wolves 1992.)

Was sind diese Tode, und welche Spuren hinterlassen sie? Diese Gruppenausstellung untersucht, wie wir las muertes chiquitas (kleine Tode) und las muertes grandotas (große Tode) mit Descansos markieren, durch Transmutationen des Unterbewusstseins, Epigenetik und Physik und aus den Perspektiven von Mana Wahine, Autotheorie, Psychoanalyse und Philosophie.

Künstler:innen:

Erena BAKER ARAPERE (NZL)
Alma BEKTAS (AUT/BiH)
Daniela BRILL ESTRADA (AUT/COL)
Maria BUSSMANN (AUT/USA)
Zosia HOŁUBOSKA (AUT/POL)
Caro LAA (AUT)
Kay LE SEELLEUR ARA (JSY)
Monica C. LoCASCIO (AUT/USA)
Emma D. McGUIRE (GBR/USA)
Dr. Nina RODIN (CHE)
Lindsay RUTTER (JSY)
Dr. Caitlin SHEPHERD (GBR)
Rychèl THÉRIN (AUT/NZL/JSY)

Um die Themen der DESCANSOS-Ausstellung zu vertiefen, findet am Dienstag, den 12. November von 15:00-21:00 Uhr ein Symposion statt.

Agenda:

15:00 – 16:00 – VORTRAG – Monica C. LoCascio:

Materiality of the Mother[scoby]. Epigenetic somatics, trauma and Autotheory

16:30 – 17:30 – PERFORMANCE – Rychèl Thérin Scott

Ta te tamariki tana mahi wawahi tahā – It’s our job to break the clabash

18:00 – 19:30 – CRAFT WORKSHOP – Salit Crew

Descanos 4 All: Stellen Sie Ihre eigenen Descansos her, die Sie der Ausstellung hinzufügen oder mit nach Hause nehmen können.

Shared Kai [Essen] – Veganes Chili und Reis

20:00 – 21:00 – MEDITATION DURCH TANZ – Sarah Scharf & KiaOraKlub

Movement is the Remedy

VCAS – Vienna Contemporary Art Space: „90 Seconds to Midnight“

Sieben Minuten vor Mitternacht – das war die Zeit, die auf der Weltuntergangsuhr stand, als sie 1947 erfunden wurde. Die Position des Minutenzeigers auf der Uhr dient als Metapher dafür, wie nahe wir der von uns Menschen verursachten globalen Katastrophe stehen. Jedes Jahr wird die Uhr vom Bulletin of the Atomic Scientists (BAS) neu eingestellt und der Minutenzeiger wird entsprechend der Risikoeinschätzung entweder nach vorne oder nach hinten bewegt. Im Jahr 2024 verzeichnet die Uhr die kürzeste verbleibende Zeit bis Mitternacht seit ihrer Erfindung: Es sind nur noch 90 Sekunden bis Mitternacht. VCAS – Vienna Contemporary Art Space präsentiert 90 Seconds to Midnight, eine Gruppenausstellung mit Werken von eingeladenen Künstler*innen und VCAS-Künstler:innen als Antwort auf die möglicherweise drohende weltweite Selbstzerstörung.

Indem die Weltuntergangsuhr Minuten und Sekunden verwendet statt Jahre und Jahrzehnte, macht sie uns die Dringlichkeit zukünftiger Konsequenzen bewusster. 90 Seconds to Midnight möchte Künstler:innen dazu ermutigen, sich mit folgenden wichtigen Themen zu beschäftigen: Umweltzerstörung und Klimawandel, politische Veränderungen, ökonomischer Wandel und technologische Fortschritte. Diese Themen sind komplex und schwer abzugrenzen. Manchmal fühlen wir uns machtlos, weil wir individuell nur in einem beschränkten Rahmen Gesellschaft mitgestalten und verändern können. Aber die Zeit läuft uns davon.

Diese Ausstellung wird von der Bezirksvertretung Alsergrund und WEST unterstützt.

Performance „I carry all the names I’m given“ by Sophia Gatzkan, Movement interpretation by Magdalena Forster – Im Rahmen der Ausstellung Raw upon Raw von Sophia Gatzkan und Sofia Goscinski

12/11/2024

18:00 — 19:00 h

SUSSUDIO

Wolfgang-Schmälzl-Gasse 19, 1020 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Performance „I carry all the names I am given“ von Sophia Gatzkan, Bewegungsinterpretation von Magdalena Forster

Sound von Marlene Kager unter Mitwirkung von Katrin Euller

Im Rahmen der Ausstellung Raw upon Raw von Sophia Gatzkan und Sofia Goscinski

„I carry all the names I am given“ ist eine interdisziplinäre Performance, in der Körper und Landschaft ineinander übergehen und die Grenzen zwischen An- und Abwesenheit, Organischem und Unbelebtem verschwimmen. Die bildende Künstlerin Sophia Gatzkan erforscht den Körper als „umgedrehte Landschaft“ und entblößt die Anatomie der rohen menschlichen Komplexität, um zuvor verborgene Leinwände zu finden, auf denen unser technologischer Zustand zum Ausdruck kommt. Die Choreografin Magdalena Forster interpretiert die Bewegung, in der der Körper zu einem Ort der materiellen Metapher wird und sich zwischen Transformation und Reflexion bewegt. Im Rahmen der Ausstellung Raw upon Raw stellen fragmentierte und wieder zusammengesetzte Skulpturen die Integrität der menschlichen Form in Frage. Hier schafft die Ausstellung ein Milieu für eine Performance, die das Publikum in einen Raum einlädt, in dem sich Körper und Landschaften ständig verschieben und verflechten.

Eröffnung: „Fragility of being“

09/11/2024

19:00 — 21:00 h

DAS WEISSE HAUS

Hegelgasse 14, 1010 Wien, Österreich

Gruppenausstellung
In Kooperation mit der Akademie der bildenden Künste Wien

Kuratiert von May Alqaydi, Andreja Drobnjak, Daniel Gardeazábal und Nitza Perry
Kuratorische Betreuung: Anamarija Batista

mit Yela An, Luiza Furtado, Ava Binta Giallo, Sunggu Hong, Sebastian Konzett, So Young Park,

Luiza Spotorno, Francisco Valença Vaz, Esther Vörösmarty

19h, Anlass
19.30h, Begrüßung und Reden
20h, Performance pull_sh (beside outlines) von Sunggu Hong

Die Ausstellung fragility of being taucht in die unsichere Natur der menschlichen Existenz ein und verwebt die Themen Macht, Beziehungen, Liminalität und Erinnerung. Sie untersucht, wie Machtstrukturen unsere Körper und Handlungen lenken und beeinflussen, wie wir uns in der Welt bewegen. Die komplexen Dynamiken von Beziehungen, von Verbindung bis Isolation, spiegeln unser Bedürfnis nach Gemeinschaft wider und die Herausforderungen, diese aufrechtzuerhalten. Liminalität erforscht die Übergangsräume, in denen wir zwischen Anwesenheit und Abwesenheit, Zugehörigkeit und Entfremdung schwanken. Erinnerung, stets im Wandel, wird von dominanten Erzählungen geformt und hinterfragt, welche Geschichten bewahrt oder vergessen werden. Gemeinsam regen diese Themen zum Nachdenken über das fragile Verhältnis zwischen Kontrolle, Verbindung und Transformation an. In diesem Zusammenhang hebt fragility of being die heiklen Beziehungen zwischen äußeren Kräften und inneren Erfahrungen hervor und zeigt, wie unser Selbstverständnis, unsere Verbindungen und Erinnerungen Veränderungen unterworfen sind, die beeinflussen, wie wir uns in den Räumen, die wir bewohnen, bewegen und existieren.

Diese Ausstellung markiert den Abschluss des Residenzprogramms Curators‘ Agenda: VIENNA 2024. Sie wird in Zusammenarbeit mit der Akademie der bildenden Künste Wien und unter der Betreuung der Kuratorin und Forscherin Anamarija Batista realisiert. Das Projekt Curators‘ Agenda wurde 2015 von des in Wien ansässigen Vereins BLOCKFREI ins Leben gerufen. Es ist ein jährliches Residenzprogramm, das internationalen Kurator*innen die Möglichkeit bietet, ihr kuratorisches Wissen zu erweitern und in die Wiener Kunstszene einzutauchen.

Im Januar 2024 übernahm das BLOCKFREI Collective (Nevena Janković, Eva Kovač und Jana Dolečki) die Leitung von DAS WEISSE HAUS und integrierte dieses Residenzprojekt unter dem Dach von DAS WEISSE HAUS

Boutique Futur - © Rainer Prohaska - Vienna 2024 - Bildrecht Wien

SALON FUTUR SPÉCIAL – About sketches, cars and mobile playfulness

12/11/2024

17:00 — 21:00 h

Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste Wien (ehem. Semperdepot)

Lehárgasse 8, 1060 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Unser „SALON FUTUR SPÉCIAL“ widmet sich schwerpunktmäßig abstrakten Mobilitätskonzepten und den dazugehörigen, im FUTURAMA°LAB verankerten künstlerischen Strategien.

Im Rahmen der VIENNA ART WEEK 2024 werden die künstlerischen Arbeiten der im LAB tätigen Künstler:innen mit den Titeln „CARS WE LIKE“, „LOGISTIC GYM VIENNA“ und „PLAY°POOOL“ sowie die neue Publikation von Kilian Jörg mit dem Titel „THE CAR AND THE ECOLOGICAL CATASTROPHE“ dem kunstinteressierten Publikum präsentiert.

Als Einleitung für den Abend liefern die Initiator:innen der Aktivitäten des FUTURAMA°LAB einen Statusbericht. Sie sprechen über das ausklingende Jahr 2024 und ihre Pläne für 2025.

Zum Abschluss gibt es noch eine feine Vernissage des Illustrations-Workshops „ABOUT SKETCHES, CARS & MOBILE PLAYFULNESS“. Für kühle Getränke ist gesorgt.

Das FUTURAMA°LAB fördert, entwickelt und kommuniziert künstlerisches Schaffen mit dem Fokus auf Nachhaltigkeit und ökologischen Wandel in der Gesellschaft. Das LAB arbeitet weltweit mit und für Kunstinstitutionen, Stiftungen, Universitäten, Kulturorganisationen, Philanthrop:innen und Unternehmen.

Boutique Futur - © Rainer Prohaska - Vienna 2024 - Bildrecht Wien

VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: Public seminar „The Floor is Yours“ mit Vermittlungsexpert:innen für Gebärdensprache des Museums Boijmans van Beuningen in Rotterdam

15/11/2024

16:00 — 18:00 h

mumok - Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erbeten

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCHE & ENGLISCHE LAUTSPRACHE. DOLMETSCHUNG IN ÖSTERREICHISCHE & NIEDERLÄNDISCHE GEBÄRDENSPRACHE

Im Rahmen des EU-Projekts The Floor is Yours besucht ein Team von Vermittlungsexpert:innen für Gebärdensprache des Museums Boijmans van Beuningen in Rotterdam das mumok für eine mehrtätige Residency. Die Ergebnisse und Learnings dieser Residency werden beim Public Seminar im Rahmen der VIENNA ART WEEK 2024 einer interessierten Öffentlichkeit präsentiert.

Das Projekt The Floor is Yours ist ein zweijähriges, aus Mitteln des EU-Programms Creative Europe 2021–2027 Culture and Creativity gefördertes Projekt, das in Zusammenarbeit zwischen dem Boijmans Van Beuningen Museum in Rotterdam (Lead Partner), dem MART, Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Trient und Rovereto und dem mumok – Museum moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Wien umgesetzt wird.

Die Teilnahme an der Veranstaltung ist kostenlos.

Um Anmeldung gebeten: kunstvermittlung@mumok.at oder +43 1 52500-1313 (Mo-Fr 9-16 Uhr)

Imran Channa & Kateryna Lysovenko, A Fable for Tomorrow, philomena+, image by AI

Eröffnung: „A FABLE FOR TOMORROW“

09/11/2024

18:00 — 21:00 h

philomena+

Heinestraße 40, 1020 Wien, Österreich

Ausgehend von der Architektur stillgelegter Kernkraftwerke forschen Imran Channa und Kateryna Lysovenko zur post-anthropogenen Landschaft. Menschliches Begehren und technologische Entwicklung zeigen die Konsequenzen auf die Biosphäre und verursachen Verwüstung und das Verschwinden vieler Lebewesen. Mittels künstlicher Intelligenz, digitaler Software sowie großflächiger analoger Zeichnung und Malerei kreieren Imran Channa und Kateryna Lysovenko „Eine Fabel für morgen“, ein neues Landschaftsbild, aus dem der Mensch verschwunden ist, sich aber Keime neuen Lebens auftun.

Imran Channa & Kateryna Lysovenko, A Fable for Tomorrow, philomena+, image by AI

Artist Talk mit Mario Kiesenhofer und Lisa Ortner-Kreil

11/11/2024

18:00 — 19:00 h

Smolka Contemporary

Lobkowitzplatz 3, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

In seiner Einzelausstellung „Floating“ bei Smolka Contemporary zeigt Mario Kiesenhofer neue Arbeiten aus seiner fortlaufenden Serie „Treasure“, die erstmals 2023/24 im tresor des Bank Austria Kunstforum Wien zu sehen war und für die er die queere Rave-Szene in Osteuropa mit Fokus auf Warschau porträtiert hat.*

In dieser Ausstellung feiert Kiesenhofer die queere Community in Budapest und hält die Techno-Beats mit seiner Kamera fest. Er zeigt edelsteinfarbene Porträts von Schlüsselfiguren der ungarischen Szene, gefasst in glänzenden Chromrahmen. Porträts, die diskriminierenden Narrativen illiberaler Systeme eine queere Perspektive entgegensetzen und eine wertschätzende Sichtbarkeit für marginalisierte Identitäten schaffen. In farbiges Blitzlicht getaucht, spiegeln Mario Kiesenhofers Fotografien eine Partykultur wider, in der die Techno-Szene der 1990er Jahre ein Revival erlebt und gleichzeitig einen höchst widerständigen und politischen Anspruch erhebt. Der Club wird zum inklusiven Ort des Protests und die Tanzfläche zur Bühne für Queerness in einer Zeit zunehmender Autokratisierung.

Der Ausstellungstitel „Floating“ bezieht sich unter anderem auf die prekäre Situation queerer Menschen in Ungarn und verweist darauf, dass ihre Rechte ständig in der Schwebe sind, da sie immer wieder von politischer und gesellschaftlicher Repression bedroht werden. Mit dem Aufstieg illiberaler Systeme und der damit einhergehenden Queerfeindlichkeit, wie sie beispielsweise der ungarische Ministerpräsident Viktor Orbán forciert, geraten queere Communities auch in der EU zunehmend in Bedrängnis und hart erkämpfte Menschenrechte werden systematisch eingeschränkt.

Mario Kiesenhofer (*1984 in Freistadt, Österreich) lebt in Wien und arbeitet mit Fotografie, Video, Text und Installation. Sein Fokus liegt auf der Repräsentation und Sichtbarkeit queerer Communities und der Frage nach der Bedeutung queerer Safe Spaces in unserer Gegenwart. Opake Materialien, Glasfilter, spezielle Rahmungstechniken und reflektierende Oberflächen sind immanente Elemente im Œuvre des Künstlers. Durch die Kombination mit Fotografien entstehen Bildräume, die gleichzeitig greifbar und ungreifbar, physisch und metaphysisch sind.

* Mario Kiesenhofers Einzelausstellung „Treasure“ im tresor des Bank Austria Kunstforum Wien wurde von Lisa Ortner-Kreil kuratiert. Im Rahmen der Ausstellung „Floating“ bei Smolka Contemporary findet ein Artist Talk zwischen Mario Kiesenhofer und Lisa Ortner-Kreil statt.

CONSTANZA HERMOSILLA Arquitectura Blanda (2024)

Eröffnung: „ENCUENTROS TEXTILES / Textile Begegnungen“

13/11/2024

19:00 — 21:00 h

hinterland

Krongasse 20, 1050 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Künstlerinnen: Dani Negri & Constanza Hermosilla

Kuratiert von Galeria Metropolitana, Santiago de Chile / Chile

ENCUENTROS TEXTILES ist als ein kuratorisches Projekt konzipiert, das auf zwei Achsen basiert: die Verbindung mit hinterland, Wien, einem unabhängigen Raum, der mit der Galería Metropolitana, Santiago de Chile, übereinstimmt, was die Förderung von Experimenten als Handlungsrichtlinie, die Kreuzung und Reibung zwischen Hoch- und Populärkultur sowie die Würdigung der sozialen Funktion der Kunst betrifft.

Dieses Projekt umfasst die Ausstellung der Künstlerinnen Dani Negri und Constanza Hermosilla, die durch ihre Arbeit an Textilien, Gemeinschaft und die aktive Beteiligung der Betrachterinnen verbunden sind. Dani arbeitet ausgehend von der Rettung der Erinnerung an eine Zeit, in der Gemeinschaft als Versprechen des sozialen Wohlergehens galt, und Constanza fördert Begegnungserfahrungen von Menschen, die auf einer Reflexion über die zeitgenössische Stadt und ihre Komplexitäten basieren.

Diese Kooperation ermöglicht es, ein lokal-globales Experiment zu gestalten, das ein erweitertes Feld der Textilkunst schafft. In diesem Feld überschneiden sich handwerkliche, konzeptuelle, architektonische und relationale Aspekte und verstärken sich gegenseitig, indem sie über ihre individuellen Grenzen hinausgehen.

ÜBER

GALERÍA METROPOLITANA ist ein autonomer Raum für die Produktion und Verbreitung zeitgenössischer Kunst in Santiago de Chile. im Juni 1998 von Ana María Saavedra und Luis Alarcón als Erweiterung ihres Hauses gegründet. Dieses Projekt, das aus einer territorialen Perspektive konzipiert und aktiviert wurde, unterstützt die Entwicklung kontextueller Werke und nachhaltiger Arbeit beim Aufbau von kollaborativen Netzwerken auf lokaler, regionaler und globaler Ebene. Seit 2011 unterhält die Galería Metropolitana eine Residenz in Laguna Grande de San Pedro de la Paz, Region Biobío, im Süden Chiles.

DANI NEGRI (Coquimbo, Chile, 1982) ist eine Textilkünstlerin und Forscherin. Sie interessiert sich für gemeinschaftliche Praktiken und das Verhältnis zwischen individueller und kollektiver Erinnerung.

CONSTANZA HERMOSILLA (Concepción, Chile, 1987) ist eine bildende Künstlerin und Lehrerin. Ihre künstlerische Arbeit befasst sich aus einer feministischen Perspektive mit der neoliberalen Stadt.

CONSTANZA HERMOSILLA Arquitectura Blanda (2024)

Durational Performance: „The Generations Season“

13/11/2024

14:00 — 19:00 h

Der Betrieb

Vogelweidplatz 13, 1150 Wien, Österreich

“Farewell to mewling ‘I no longer dance.‘ Dance girl, dance, and to all who observe me, I challenge you. Pity me not. So when is it time to say, ‘farewell to dance?”‘ seems to be an emphatic “never!”

– Yvonne Rainer (from The Aching Body in Dance)

The Generations Season ist eine 6-wöchige durational Tanzperformance unter der künstlerischen Leitung von Anna Maria Nowak und ist eine Koproduktion zwischen dem Verein Archipelago und brut wien.

Vom 2.10. bis 26.10. und vom 6. bis 16.11. findet The Generations Season statt; rund um die Themen Veränderung und Altern. Im Mittelpunkt steht die Begegnung zwischen Performer*innen aus unterschiedlichen Generationen zwischen 23 und 69 Jahren. Mit Bewegung und Dialogen verhandeln sie (abstrakte) Konzepte wie Zukunft, Verlust, Erbe, Hoffnung, Zeit oder FOGO (Fear of Growing Old) – der Angst vorm Altwerden. In dieser prozessorientierten Arbeit mäandert der Ort des Denkens zwischen Sprache und Körper und schafft so assoziative Highways zwischen Empathie und Verbindung.

Die Generations Season dauert von 2.10 bis 26.10. und von 6. bis 16.11 2024. Der Betrieb ist von Mittwoch bis Samstag, 14-19 Uhr geöffnet. Freier Eintritt.

Konzept und künstlerische Leitung: Anna Maria Nowak

Performance und Choreographie: Alexander Gottfarb, Stéphanie Evrard, Valeria Chavez Chong, Frans Poelstra, Esther Balfe, Anna Maria Nowak

Musikkomposition und Live Performance: Zosia Hołubowska

Dramaturgische Beratung: Anna Mendelssohn

Kostüm: Karin Pauer

Grafik Design: Katarina Schildgen

Photos: Victoria Nazarova

Video und Prototyping: Jakob Hütter (hand mit auge)

Produktion, Management und Outreach: mollusca productions

Eine Produktion von Archipelago, koproduziert mit dem brut Wien. Mit der Unterstützung der Kulturabteilung der Stadt Wien, dem BMKÖS und Arbeitsplatz Wien.

Durational Performance: „The Generations Season“

15/11/2024

14:00 — 19:00 h

Der Betrieb

Vogelweidplatz 13, 1150 Wien, Österreich

“Farewell to mewling ‘I no longer dance.‘ Dance girl, dance, and to all who observe me, I challenge you. Pity me not. So when is it time to say, ‘farewell to dance?”‘ seems to be an emphatic “never!”

– Yvonne Rainer (from The Aching Body in Dance)

The Generations Season ist eine 6-wöchige durational Tanzperformance unter der künstlerischen Leitung von Anna Maria Nowak und ist eine Koproduktion zwischen dem Verein Archipelago und brut wien.

Vom 2.10. bis 26.10. und vom 6. bis 16.11. findet The Generations Season statt; rund um die Themen Veränderung und Altern. Im Mittelpunkt steht die Begegnung zwischen Performer*innen aus unterschiedlichen Generationen zwischen 23 und 69 Jahren. Mit Bewegung und Dialogen verhandeln sie (abstrakte) Konzepte wie Zukunft, Verlust, Erbe, Hoffnung, Zeit oder FOGO (Fear of Growing Old) – der Angst vorm Altwerden. In dieser prozessorientierten Arbeit mäandert der Ort des Denkens zwischen Sprache und Körper und schafft so assoziative Highways zwischen Empathie und Verbindung.

Die Generations Season dauert von 2.10 bis 26.10. und von 6. bis 16.11 2024. Der Betrieb ist von Mittwoch bis Samstag, 14-19 Uhr geöffnet. Freier Eintritt.

Konzept und künstlerische Leitung: Anna Maria Nowak

Performance und Choreographie: Alexander Gottfarb, Stéphanie Evrard, Valeria Chavez Chong, Frans Poelstra, Esther Balfe, Anna Maria Nowak

Musikkomposition und Live Performance: Zosia Hołubowska

Dramaturgische Beratung: Anna Mendelssohn

Kostüm: Karin Pauer

Grafik Design: Katarina Schildgen

Photos: Victoria Nazarova

Video und Prototyping: Jakob Hütter (hand mit auge)

Produktion, Management und Outreach: mollusca productions

Eine Produktion von Archipelago, koproduziert mit dem brut Wien. Mit der Unterstützung der Kulturabteilung der Stadt Wien, dem BMKÖS und Arbeitsplatz Wien.

Durational Performance: „The Generations Season“

14/11/2024

14:00 — 19:00 h

Der Betrieb

Vogelweidplatz 13, 1150 Wien, Österreich

“Farewell to mewling ‘I no longer dance.‘ Dance girl, dance, and to all who observe me, I challenge you. Pity me not. So when is it time to say, ‘farewell to dance?”‘ seems to be an emphatic “never!”

– Yvonne Rainer (from The Aching Body in Dance)

The Generations Season ist eine 6-wöchige durational Tanzperformance unter der künstlerischen Leitung von Anna Maria Nowak und ist eine Koproduktion zwischen dem Verein Archipelago und brut wien.

Vom 2.10. bis 26.10. und vom 6. bis 16.11. findet The Generations Season statt; rund um die Themen Veränderung und Altern. Im Mittelpunkt steht die Begegnung zwischen Performer*innen aus unterschiedlichen Generationen zwischen 23 und 69 Jahren. Mit Bewegung und Dialogen verhandeln sie (abstrakte) Konzepte wie Zukunft, Verlust, Erbe, Hoffnung, Zeit oder FOGO (Fear of Growing Old) – der Angst vorm Altwerden. In dieser prozessorientierten Arbeit mäandert der Ort des Denkens zwischen Sprache und Körper und schafft so assoziative Highways zwischen Empathie und Verbindung.

Die Generations Season dauert von 2.10 bis 26.10. und von 6. bis 16.11 2024. Der Betrieb ist von Mittwoch bis Samstag, 14-19 Uhr geöffnet. Freier Eintritt.

Konzept und künstlerische Leitung: Anna Maria Nowak

Performance und Choreographie: Alexander Gottfarb, Stéphanie Evrard, Valeria Chavez Chong, Frans Poelstra, Esther Balfe, Anna Maria Nowak

Musikkomposition und Live Performance: Zosia Hołubowska

Dramaturgische Beratung: Anna Mendelssohn

Kostüm: Karin Pauer

Grafik Design: Katarina Schildgen

Photos: Victoria Nazarova

Video und Prototyping: Jakob Hütter (hand mit auge)

Produktion, Management und Outreach: mollusca productions

Eine Produktion von Archipelago, koproduziert mit dem brut Wien. Mit der Unterstützung der Kulturabteilung der Stadt Wien, dem BMKÖS und Arbeitsplatz Wien.

Performanceabend: „I want to spend eternity with you. ContextCocktail Fotoshow“

15/11/2024

19:00 — 22:00 h

puuul

Stolzenthalergasse 6/1a, 1080 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Queer-Feministischer Performanceabend im Rahmen der Ausstellung Community & Connection & Power

Wo und mit wem kann man loslassen und fühlt sich verbunden? Was bedeutet es, die Chosen Family gefunden zu haben? Wie fühlt sich die Freiheit man selbst zu sein an? – und vor Allem wie kämpft man für die eigene Community? ContextCocktail zeigt in der Ausstellung Communtiy & Connection & Power Arbeiten queerer-feministische Foto und Video Künstler:innen.

Für den Performance Abend laden die in der Ausstellung vertretenen Künstler:innen Personen aus ihrer Community ein sich in einer Darbietung (Performance, Musik, Poetry) mit dem Thema “I want to spend eternity with you” zu beschäftigen und Fragen von mit wem will ich meine Zeit verbringen? sowie romantischer, freundschaftlicher aber auch selbst- Liebe ausserhalb von cis-heteronormativen Idealvorstellungen zu erforschen.

Ihre Sujets sind ihre Weggefährt:innen und Freund:innen. Sie halten intime Momente im queeren Nachtleben und privatem Raum fest, dokumentieren Lebensrealitäten außerhalb des Mainstreams oder beschäftigen sich in konzeptionellen Arbeiten mit dem aktivistischen Kampf für Sichtbarkeit, Gleichberechtigung und Freiheit.

Queer ist nicht nur eine Absage an Heteronormativität, sondern bedeutet auch Alternativen zu der in unserer Gesellschaft verankerten Geschlechterrollen, Beziehungs- und Lebensformen aufzuzeigen und bekämpft jede Form der Unterdrückung, sei es Rassismus, Sexismus, Ableismus, Altersdiskriminierung und Klassismus.

Mit Alexandru Cosarca, Lara Fernandes Abrecht, Sarah Tasha Hauber & Georgiana

Eröffnung: Edith Payer „Zeitkapsel – Als die Dinge kleiner waren“

13/11/2024

19:00 — 22:00 h

KUNSTZELLE

Währinger Straße 59, 1090 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Edith Payer verwandelt die KUNSTZELLE, die als ehemaliger Münzfernsprecher auch heute bereits Geschichte schreibt, in eine Zeitkapsel. In der Installation „Als die Dinge noch kleiner waren“ werden ausgewählte Gegenstände aus der Kindheit der Künstlerin gezeigt. Ihr Fundus sind Sammlungskisten, welche die Künstlerin nach Jahrzehnten öffnet, sichtet, und in der Zelle präsentiert. Gezeigt wird eine von ihr kuratierte Auswahl von Schmuck über Spielzeug, Briefen und Sammlungen, wie die von Kugel aus Tintenpatronen und Tierpostern und vielem mehr. Diese spannenden Relikte aus den 70ern und 80er Jahren geben einen persönlichen Einblick in die private Gedankenwelt eines Kindes und widerspiegeln gleichzeitig die Materialität der kapitalistisch-industriellen Gesellschaft dieser Zeit.

Zur Eröffnung findet ein Talk mit der Edith Payer statt, werden von ihr aufgenommene Musikkasstetten gespielt und bei einem kleinen Buffet mit Partypilz und -spießchen in oder über alte Zeiten geschwelgt. Dabei dürfen sich Erinnerungen (der Älteren) mit den Retro-Gefühlen (der Jüngeren) auf spannende Weise mischen.

Nora Turato, Cue The Sun, 2023, Performa Commission der Performa Biennial 2023, Courtesy die Künstlerin und Performa, Foto: Walter Wlodarczyk

Nora Turato, Aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa!!!!!!, Kunsthalle Wien 2024, Courtesy die Künstlerin, Foto: Iris Ranzinger

Künstlerin Nora Turato im Gespräch mit Direktorin Michelle Cotton

12/11/2024

19:00 — 20:30 h

Kunsthalle Wien - MuseumsQuartier

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Die Kunsthalle Wien gibt unter der neuen künstlerischen Leitung von Michelle Cotton jährlich ein temporäres, ortsspezifisches Kunstwerk für den Außenbereich des MuseumsQuartiers in Auftrag. Die international gefeierte Künstlerin Nora Turato wurde als Erste damit beauftragt, ein Werk zu schaffen, das ab September 2024 ein Jahr lang zu sehen sein wird.

Turatos primäres Arbeitsmaterial ist die Sprache und die Machtstrukturen, die mit gesprochenen und geschriebenen Formen verbunden sind. Dieses neue, 62 Meter lange, textbasierte Werk erstreckt sich um die südwestliche Wand des Gebäudes der Kunsthalle Wien und ist für alle Passant:innen sichtbar, wenn sie den äußeren Bogen des MuseumsQuartiers durchqueren.

In einer exklusiven Veranstaltung für die VIENNA ART WEEK sprechen Nora Turato und Michelle Cotton über das gemeinsame Projekt und geben Einblicke in die vielseitige sowie vielförmige Praxis der Künstlerin.

Nora Turato, Cue The Sun, 2023, Performa Commission der Performa Biennial 2023, Courtesy die Künstlerin und Performa, Foto: Walter Wlodarczyk

Future Talk – Climate X Change: „Klima, Kunst & Künstliche Intelligenz“

14/11/2024

18:00 — 19:00 h

KunstHausWien - Museumscafé

Untere Weißgerberstraße 13, 1030 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Die interdisziplinäre Reihe Future Talk: Climate X Change des KunstHausWien widmet sich den Forderungen der Fridays for Future-Bewegung und hinterfragt relevante Themen im Zusammenhang mit der Klimakrise.

Der britische Vordenker und Utopist James Lovelock sah ein Ende des menschzentrierten Anthropozäns und prophezeite zukunftsweisend eine neue geologische Epoche, das Novozän; ein Zeitalter der Hyperintelligenz, das nicht mehr allein vom Menschen, sondern Künstlicher Intelligenz und fortschrittlicher Technologie dominiert wird. Kann jedoch ein solcher Perspektivenwechsel zur Rettung unseres Planeten beitragen?

Expert:innen aus den Bereichen Wissenschaft, Kunst und Aktivismus diskutieren über die Möglichkeiten und Grenzen von Künstlicher Intelligenz als klimaschützende Maßnahme. Wie kann uns der Einsatz von KI dabei helfen, die Klimakrise zu bewältigen, wenn deren Energiebedarf zeitgleich aktiv zur Klimakrise beiträgt?

Es diskutieren:

Elvira Lutter, Programm- und Research Managerin, Klima- & Energiefonds
Flavia Mazzanti & Manuel Bonell, Medienkünstler:innen, Immerea
David Schedl, Leiter des Projekt BAMBI
Florian Schlederer, Klimaautor,Physiker und Philosoph

Der Future Talk findet im Rahmen der Ausstellung „Anne Duk Hee Jordan. The End Is Where We Start From“ statt.

Eine Veranstaltung in Kooperation mit dem Kurier.

AUSGEBUCHT: „Franz West. Skulpturengruppe am Esteplatz“ – Gespräch und Besichtigung der Franz West Privatstiftung / ehem. Atelier Franz West mit Cornelia Offergeld und Ines Turian

12/11/2024

11:00 — 12:15 h

Gehsteig vor

Esteplatz 3, 1030 Wien, Österreich

Anmeldung bis 11. November erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Kuratorinnengespräch: Cornelia Offergeld, künstlerische Leiterin KÖR Kunst im öffentlichen Raum Wien, spricht mit Ines Turian, Geschäftsführerin Franz West Werknutzungs Ges.m.b.H., bei der Skulpturengruppe.

Im Anschluss: Besichtigung der Stiftung / ehemaliges Atelier Franz West.

Franz West (1947-2012), einer der international erfolgreichsten Künstler Österreichs, hat Zeit seines Lebens in Wien gearbeitet. Im dritten Wiener Gemeindebezirk befanden sich seit den 1990er Jahren seine Ateliers, zuletzt für viele Jahre am Esteplatz. Seit 2022 ist auf dem Platz eine seiner Skulpturengruppen installiert – als eine Kooperation zwischen der Franz West Privatstiftung und KÖR Kunst im öffentlichen Raum Wien.

Das aus Epoxyharz gefertigte Ensemble hat keinen Titel. Auch gab es von Franz West keine festgelegte Anordnung der fünf Skulpturen. So wurde der Künstler Heimo Zobernig gebeten, die Aufstellung am Esteplatz zu definieren. Die Installation wurde posthum im Jahre 2012 nach einem Modell mit dem Verhältnis 1:10 von Assistenten des Künstlers gebaut und 2013 erstmalig in einer Gruppenausstellung im City Hall Park in Manhattan, New York, gezeigt.

Die seit 1996 entstandenen großformatigen Arbeiten für den Außenraum sind ein wichtiger Teil von Wests Schaffen. Mit der Wahl bunter, kräftiger Farben stellte er die Objekte in Kontrast zur Natur sowie dem städtischen Raum, und definierte meist den Boden, ob ländlich oder städtisch, zum Sockel für seine Skulpturen. Denn dass diese aus dem Boden zu wachsen scheinen, ist bereits Teil des künstlerischen Konzepts.

AUSGEBUCHT

VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „Dem Zentrum so nah“ – Workshop für Menschen mit Demenz oder Vergesslichkeit

11/11/2024

10:00 — 12:00 h

Dom Museum Wien

Stephansplatz 6, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

WORKSHOP FÜR MENSCHEN MIT DEMENZ ODER VERGESSLICHKEIT.

Der Workshop beschäftigt sich auf unterschiedlichen Ebenen mit dem Thema „Zentrum.“ Er ruft Erinnerungen wach, wagt einen Blick auf Neues und verbindet beides mit dem Hier und Jetzt. Ziel ist es, im Gespräch und unter Einbeziehung aller Sinne Lebenserinnerungen in die Gegenwart zu holen und so auch den Menschen selbst ins Zentrum zu rücken. Das kreative Tun im Dom Atelier eröffnet weitere Möglichkeiten, dem Persönlichen Ausdruck zu verleihen.

Anmeldung erforderlich: https://dommuseum.at/241111_WKS_Zentrum

Treffpunkt: Kassa

Foto: Hertha Hurnaus

Yuge Zhou, Love Letters (summer) (Detail), 2020, Courtesy of the artist; © 2020 Yuge Zhou

„Time With Friends“: Ein musikalischer Ausstellungsrundgang

14/11/2024

18:00 — 19:30 h

Dom Museum Wien

Stephansplatz 6, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH / ENGLISCH.

In einem Alltag, der von Zeitdruck und ständiger Beschleunigung gekennzeichnet ist, ermöglichen Freundschaften—das erfüllende „Zusammenklingen“ mit anderen—Momente der freudigen Gelöstheit. Im authentischen Zusammensein mit anderen tritt die tägliche Hektik in den Hintergrund, wie auch der Drang, stets besser und schneller funktionieren zu müssen.

In ihrer Intervention mit Bassklarinetten und Cello führen das Duo Stump-Linshalm und Anna Maria-Niemiec „in aller Freundschaft“ einen musikalischen, zeitbasierten Dialog mit bildender Kunst. In historischen wie zeitgenössischen Stücken von Hildegard von Bingen über Carlotta Ferrari bis Iannis Xenakis begleiten sie den Weg durch die Ausstellung, auf dem wir intimen Dialogen, dem Spiel von Gegensätzen und Harmonie wie auch den Herausforderungen einer tiefen Verbindung begegnen dürfen.

Anmeldung erforderlich: https://dommuseum.at/241114_EVENT_VAW

AUSGEBUCHT: Samstagsführung durch die Ausstellung „In aller Freundschaft“

09/11/2024

10:30 — 11:30 h

Dom Museum Wien

Stephansplatz 6, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich.

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Die universelle Bedeutung von Freundschaft als Teil des menschlichen Sozialverhaltens, sei es auf persönlicher oder gesellschaftspolitischer Ebene, macht sie zu einer immer wiederkehrenden Thematik künstlerischer Auseinandersetzung.

In der neuen Ausstellung des Dom Museum Wien wird der Facettenreichtum von Freundschaft in gewohnter Weise anhand von Werken vom Mittelalter bis zur Gegenwart erkundet.

AUSGEBUCHT

Foto: Marlene Fröhlich, LuxundLumen.com

Ausstellungsansicht Noushin Redjaian © Eva Kelety

Artist Talk mit Noushin Redjaian: „To See Clearly“

12/11/2024

19:00 — 22:00 h

Bildraum 01 | Eine kulturelle Einrichtung der Bildrecht

Strauchgasse 2, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Noushin Redjaian, Künstlerin, im Gespräch mit Laura Wiesböck, Soziologin, Anna Hambira, Interdisziplinäre Künstlerin, & Sira-Zoé Schmid, Künstlerin/Bildrecht

Noushin Redjaian, Preisträgerin des PARALLEL VIENNA | Bildrecht YOUNG ARTIST Awards 2023, ergründet in ihrer Einzelausstellung To See Clearly im Bildraum 01 die Gemeinsamkeiten aller Menschen — unabhängig von Herkunft oder kulturellem Hintergrund — und verweist auf die Einheit allen Lebens.

Der Blick von anderen, und auf andere, kann von vielem erfüllt sein. Von Wohlwollen, Gefallen und Liebe, bis hin zu Neid und Ähnlichem. Das Spektrum ist so breit, wie jenes unserer menschlichen Emotionen. Die Geschichte des „Auges“ ist ebenso vielfältig wie der Blick. Sie reicht bis in die Anfänge der frühen Hochkulturen zurück. Dem Auge wurde und wird in vielen Kulturen & Religionen große Bedeutung zugeschrieben. Wie zum Beispiel im Mythos vom Bösen Auge und dem Salzigen Blick. Geschichten vom Unheil oder Heil bringenden Auge sind über den ganzen Erdball verbreitet. Noushin Redjaian zieht in ihrer Ausstellung diesen Bogen ins Hier und Jetzt. Wie prägen Blicke unser Leben?

In „To See Clearly“ und ihrer raumgreifenden Installation lädt sie uns ein, innezuhalten und sich beobachtet oder auch irritiert zu fühlen. Mit unterschiedlichsten Darstellungen des „evil-“ oder „clear-eyes“ — in fast schon karikaturistisch verzerrter Form — gibt die Künstlerin beiden Varianten Raum. Lebensgroße Skulpturen sitzen oder liegen entspannt im Raum und spielen mit Augen. Die Serpentine zwischen Yin und Yang ist das Symbol für „klares Sehen“/„to see clearly“ und die Inspiration für den Ausstellungstitel. Noushin Redjaian zeigt uns, dass unser größter Schatz in uns selbst liegt und wir miteinander eine Welt füreinander schaffen können.

Ausstellungsdauer: 9. Oktober – 19. November 2024
www.noushinredjaian.com /

Mehr Informationen unter: https://www.bildrecht.at/bildraum/ / www.noushinredjaian.com

Noushin Redjaian © Eva Kelety

Tastmodell eines Charakterkopfs von Franz Xaver Messerschmidt. Foto: Ouriel Morgensztern / Belvedere, Wien

VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „Anders Sehen – Ein Schnabelkopf zum Angreifen“ – Rundgang für blinde, sehbeeinträchtigte und sehende Menschen

13/11/2024

15:00 — 16:00 h

Oberes Belvedere

Prinz-Eugen-Straße 27, 1030 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH – VERANSTALTUNG FÜR BLINDE UND SEHBEHINDERTE PERSONEN

Der Bildhauer Franz Xaver Messerschmidt schuf in seinem Spätwerk die sogenannten „Charakterköpfe“. Dabei faszinierten den Künstler sowohl die realistische Mimik als auch die übersteigerte Grimasse. Das Tastmodell im Maßstab der originalen Skulptur lädt blinde, sehbeeinträchtigte und sehende Besucher:innen zum Berühren ein.

In diesem inklusiven Rundgang kommen wir dem Zweiten Schnabelkopf so nah wie noch nie.

Anmeldung erforderlich: Online über den Belvedere-Programmkalender oder unter: public@belvedere.at

Treffpunkt: Eingangshalle des Oberen Belvedere (auch genannt Sala terrena)

KOSTENLOSER BEGLEITSERVICE

Die Hilfsgemeinschaft der Blinden und Sehschwachen Österreichs bietet einen kostenlosen Begleitdienst für blinde und sehbehinderte Besucher:innen, die sich gerne hin und/oder zurück begleiten lassen wollen. Bitte kontaktieren Sie bei Interesse den Leiter der Freiwilligenkoordination, Maximilian Reutterer, unter: maximilian.reutterer@hilfsgemeinschaft.at / Tel.: +43 1 330 35 45 – 38.

Tastmodell eines Charakterkopfs von Franz Xaver Messerschmidt. Foto: Ouriel Morgensztern / Belvedere, Wien

Die österreichischen Architekturprojekte „Townhouse Neubaugasse“ und „IKEA wien westbahnhof“ wurden in die Shortlist des EU Mies Award 2024 gewählt.
© Fotos: Simone Bossi, Hertha Hurnaus, Christine Häusler

„Best of Austria – Best of Europe“ – Podium im Rahmen der Ausstellung „Europas beste Bauten. Mies van der Rohe Award“

13/11/2024

18:00 — 20:00 h

Architekturzentrum Wien

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Preis trifft auf Preis! Der Abend präsentiert die neueste Ausgabe der Publikation „Best of Austria“, die mit rund 150 Projekten auf die Leistungen österreichischer Architektur aufmerksam macht. 16 dieser Projekte wurden von der internationalen Jury für den angesehenen EU Mies Award 2024 nominiert und zwei davon in die Shortlist gewählt.

Was können Architekturpreise bewirken? Sind sie vorrangig Spiegelbild des jeweils gegenwärtigen architektonischen Diskurses oder können sie auch baukulturelle wie gesellschaftliche Entwicklungen aktiv vorantreiben? Welchen Stellenwert haben Auszeichnungen für die Karrieren und öffentliche Wahrnehmung von Architekturbüros

Inwiefern erfüllt der EU Mies Award seinen Anspruch, seismografisch für die europäische Baukultur zu sein, und welche Veränderungen bilden sich in der Publikationsreihe „Best of Austria“ ab?

Begrüßung:

Angelika Fitz, Direktorin Az W
Elias Molitschnig, Leitung Abteilung Architektur, Baukultur und Denkmalschutz, BMKÖS

Projektpräsentationen:
PSLA Architekten, Townhouse Neubaugasse
querkraft, IKEA wien westbahnhof

Diskussion mit:
Barbara Feller, Redakteurin Best of Austria. Architektur 2022_23
Katharina Ritter, Kuratorin Az W

Moderation: Renate Hammer, Institute of Building Research & Innovation

Die österreichischen Architekturprojekte „Townhouse Neubaugasse“ und „IKEA wien westbahnhof“ wurden in die Shortlist des EU Mies Award 2024 gewählt. © Fotos: Simone Bossi, Hertha Hurnaus, Christine Häusler

Architekturkollektiv AKT & Hermann Czech, Foto: Theresa Wey

Ein Architekturbüro, das auch Kunstraum ist: Ausstellungseröffnung sputnic collection, Fahne von Heimo Zobernig

AUSGEBUCHT: Exkursion des Az W: Studio Visits beim Architekturkollektiv AKT und dem „Trabant“ SPUTNIC / Norbert Steiner

08/11/2024

15:00 — 17:00 h

Treffpunkt:

Rüdigergasse 8, 1050 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Eine Exkursion des Architekturzentrums Wien

Ein Besuch bei zwei Architekturbüros, die sich auf unterschiedliche Weise die Freiheit nehmen, Beruf und Arbeitsweise in einem erweiterten gesellschaftlichen Sinn zu definieren: AKT , ein „Verein für Architektur, Kultur und Theorie“, und der „Trabant“ SPUTNIC.

AKT ist ein generationenübergreifendes Kollektiv aus aktuell 17 Personen, das Architektur wesentlich als gesellschaftliche Kommunikation versteht. Bekannt wurde AKT durch seine Gestaltung des Österreichischen Pavillons für die Architektur Biennale in Venedig 2023 (zusammen mit Hermann Czech).

Norbert Steiner / SPUTNIC verbindet die Unabhängigkeit eines Ein-Mann-Büros mit anlassbezogenen Kooperationen für Lehre und Bauprojekte. Sein Büro führt er als gastfreundliches Gassenlokal, das auch Galerie ist.

Mit Susanne Mariacher, Harald Trapp / AKT; Norbert Steiner / SPUTNIC. Moderation durch Maria Welzig, Az W.

Treffpunkt: Rüdigergasse 8, 1050 Wien

AUSGEBUCHT

Architekturkollektiv AKT & Hermann Czech, Foto: Theresa Wey

Erwin Wurm Psyche (As You Like It), 2024 262 × 115 × 68 cm, Aluminium, Farbe, Kleidung © Erwin Wurm / Bildrecht, Wien 2024 Foto: Markus Gradwohl

AUSGEBUCHT: ‚Erwin Wurm‘: Ausstellungseinführung durch den Künstler & Kuratorinnenführung mit Dr. Antonia Hoerschelmann

09/11/2024

11:00 — 12:15 h

Albertina Modern

Karlsplatz 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

ERWIN WURM – DIE RETROSPEKTIVE ZUM 70. GEBURTSTAG

Erwin Wurm (*1954 Bruck/Mur) zählt heute zu den erfolgreichsten und bekanntesten internationalen Künstlern der Gegenwart. Aus Anlass seines 70. Geburtstags sind in dieser Präsentation erstmals umfassend Schlüsselwerke wichtiger Stationen seines gesamten vielseitigen Schaffens vereint. Der Bogen spannt sich von den Anfängen in den 1980er- Jahren bis hin zu erstmals hier gezeigten sowie eigens für diesen Anlass entstandenen Arbeiten. Skulpturen, Zeichnungen und Handlungsanweisungen, Videos und Fotografien laden ein, das Paradoxe und Absurden unserer Welt zu beleuchten.

In seiner künstlerischen Methode untersucht Erwin Wurm den Begriff des Skulpturalen und führt diesen als Maßstab ein, unsere gegenwärtige Welt daran zu messen. Die Grenzen zwischen den traditionellen Begriffen von Skulptur, Performance, Fotografie oder Gemälde werden in Frage gestellt, wie auch Statik und Bewegung innerhalb eines Kunstwerks neu definiert werden. Wurm kippt die gewohnte Wahrnehmung der uns umgebenden Realität und eröffnet mit seinen Kunstwerken Möglichkeiten, neue Perspektiven und Fragen aufzuwerfen: Was passiert, wenn ich die Schwerkraft missachte, was, wenn Häuser zu schmelzen beginnen oder durch performative Interventionen gequetscht werden? Wie verhalten sich Körper und Räume, wenn darin auch Absurdes und Paradoxes existiert? Wie kann man in den One Minute Sculptures für einen kurzen Moment Teil eines Kunstwerks werden, und wie fühlt sich das an? Immer geht es, wie der Künstler selbst erklärt, um den Begriff des Skulpturalen im Verhältnis zum Sozialen. So kann ein Essiggurkerl durchaus zu Einem Selbstporträt erklärt werden, oder ein üppiges Luxusauto wie das Fat Car zum Symbol von Gier, Überfluss und Warenfetischismus in unserer Gesellschaft. Auf der anderen Seite spiegelt das Narrow House konzeptuell die Beengtheit bürgerlichen Denkens und Handelns und die Enge gesellschaftlicher Normen wider, ob durch Religion, Konvention oder inszeniertes Pathos. Dazu wird hier erstmals eine ländliche Schule präsentiert, die für einengende und heute überholte Vorstellungen steht und ein weiteres Symbol einschränkender und wertender Denkmodelle darstellt.

Seinem Anspruch, mit den skulpturalen Parametern von Hülle, Masse, Haut, Volumen und Zeit innovativ zu arbeiten, bleibt Erwin Wurm auch in seinen neuen Arbeiten verpflichtet: So verdeutlichen seine neuen Serien, wie Substitutes, Skins oder Flat Sculptures, wie sehr der Künstler weiterhin das Vorhandene immer wieder neu denkt und neu gestaltet und uns als Betrachtende zu dieser gemeinsamen Entdeckungsreise durch seine gedanklichen und künstlerischen Freiräume einlädt.

AUSGEBUCHT

Erwin Wurm Psyche (As You Like It), 2024 262 × 115 × 68 cm, Aluminium, Farbe, Kleidung © Erwin Wurm / Bildrecht, Wien 2024 Foto: Markus Gradwohl

AUSGEBUCHT: Kuratorinnenführung mit Dr. Gisela Kirpicenko durch die Ausstellung „Chagall“

13/11/2024

15:00 — 16:00 h

Albertina

Albertinaplatz 1, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Marc Chagall (1887 – 1985) zählt zu den bekanntesten Künstlern des 20. Jahrhunderts, dessen einzigartiges Schaffen mit frühen Werken ab 1905 bis in die 1980er-Jahre reicht. Aufgewachsen in der Kleinstadt Witebsk (im heutigen Belarus) als Kind einer orthodoxen jüdisch-chassidischen Arbeiterfamilie werden die frühen Kindheitserfahrungen stets prägend für den Künstler sein.

Chagalls phantastisch-poetische Bildwelten faszinieren und geben – so vertraut sie uns sind – stets aufs Neue Rätsel auf. Stilistisch wie inhaltlich bewegt sich sein künstlerisches Schaffen zwischen Tradition und Avantgarde. Chagall hat die Entwicklungen der Kunst des 20. Jahrhunderts vom Primitivismus über Kubismus, Fauvismus und Surrealismus durchlebt und daraus eine ganz eigene Bildsprache für sich entworfen. Unverkennbar ist dabei auch die essentielle Kontinuität in einem zugleich vielfältigen künstlerischen Ausdruck.

Mutterschaft und Geburt, Tod und Liebe beherrschen Chagalls Bilder als zentrale Themen, die durch Wiederholung und Variation über die Jahre hinweg reflektiert und aus neuer Perspektive beleuchtet werden. Darin wiederkehrende Motive wie der Hahn und Esel, die Kuh oder der Fisch fungieren als in ihrer Bedeutung flexibler Teil eines variablen phantastischen Kosmos. Die scheinbaren Widersprüche und Gegensätze in Chagalls Kompositionen und Bildwelten zeigen die Suche des Künstlers nach einer „Logik des Unlogischen“, durch die er den traditionellen Bildformen eine psychische Dimension hinzufügt.

Die Präsentation in der ALBERTINA mit rund 100 Werken aus allen Schaffensphasen des Künstlers konzentriert sich auf diese lebendige Auseinandersetzung mit den ursprünglichsten und universellsten Themen des Lebens und offenbart dabei eine Vielfalt an „unmöglichen Möglichkeiten“.

Die Ausstellung ist eine Kooperation der ALBERTINA, Wien und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

AUSGEBUCHT: Kuratorinnenführung durch die Ausstellung „Die Sammlung betrachten & ‚Cranach’s Holy Productivity‘ An Insert by Klaus Scherübel“ mit Sabine Folie und Claudia Koch

12/11/2024

16:00 — 17:00 h

Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien

Schillerplatz 3, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Kuratorinnenführung durch die Ausstellung

Die Sammlung betrachten & Cranach’s Holy Productivity An Insert by Klaus Scherübel

mit Sabine Folie & Claudia Koch

Die Ausstellung Die Sammlung betrachten (kuratiert von Claudia Koch) fokussiert auf die Epoche des Barocks und präsentiert damit zugleich einen Querschnitt durch den Kern der Sammlung. Weitere Schwerpunkte der Ausstellung sind die Entwicklung der Raumdarstellung in der Malerei der frühen Neuzeit nördlich und südlich der Alpen, das Schaffen des Renaissancekünstlers Lucas Cranach d. Ä., das Künstlerbildnis und Künstlerselbstbildnis des 18. und beginnenden 19. Jahrhunderts sowie die Verwendung von Architekturfragmenten als Versatzstücke in der Malerei der Barockzeit. Diese Themen nehmen Bezug auf das zeitgenössische Insert von Klaus Scherübel.

Ausgehend von seinen im museologischen Genre des Epochenraums situierten Installationen und anderen konzeptionell verwandten Arbeiten, in denen Aspekte des Bildes, des Buches, der Skulptur, der Architektur und des Dispositivs der Ausstellung miteinander in Beziehung treten, beschäftigt sich Klaus Scherübel in seinem aktuellen Projekt Cranach’s Holy Productivity VOL. 28. An Insert by Klaus Scherübel (kuratiert von Sabine Folie) mit dem Darstellungsmodus von Raum und Architektur in Verbindung mit Fragen der künstlerischen Selbstdarstellung und Strategien der Produktivität am Beispiel eines Werkes von Lucas Cranach d. Ä., einem der bedeutendsten Maler der deutschen Renaissance und Reformation.

Anmeldung erforderlich

AUSGEBUCHT

Kuratorinnenführung durch die Ausstellung „Die Sammlung betrachten & ‚Cranach’s Holy Productivity‘ An Insert by Klaus Scherübel“ mit Sabine Folie und Claudia Koch

Independent Art Spaces – Tour 4

14/11/2024

17:00 — 18:30 h

WUK - Werkstätten- und Kulturhaus

Währinger Straße 59, 1090 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Freie Kunsträume und Projekte sind wichtige Programmpartner:innen der VIENNA ART WEEK. Lernen Sie bei geführten Spaziergängen mit Kulturvermittler:innen neue Kunstorte kennen!

Pia Wamsler (Kuratorin & Kunsthistorikerin) führt in einem gemeinsamen Spaziergang durch das WUK – Werkstätten- und Kulturhaus und gibt detailliertere Einblicke in folgende Kunsträume:

Fotogalerie Wien
KUNSTZELLE
KEX Kunsthalle Exnergasse

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

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Independent Art Spaces – Tour 1

10/11/2024

17:00 — 18:30 h

WEST

Augasse 2-6, 1090 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Freie Kunsträume und Projekte sind wichtige Programmpartner:innen der VIENNA ART WEEK. Lernen Sie bei geführten Spaziergängen mit Kulturvermittler:innen neue Kunstorte kennen!

In einem gemeinsamen Spaziergang führt ein Guide durch das WEST Alte WU, gibt einen Überblick in dessen Tätigkeit und detailliertere Einblicke in folgende Projekte:

VCAS – Vienna Contemporary Art Space
Women’s Research Wānanga (We die a thousand deaths)

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

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Independent Art Spaces – Tour 3

14/11/2024

17:00 — 18:30 h

diverse Kunsträume

Im Werd 19, 1020 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Freie Kunsträume und Projekte sind wichtige Programmpartner:innen der VIENNA ART WEEK. Lernen Sie bei geführten Spaziergängen mit Kulturvermittler:innen neue Kunstorte kennen!

Ralitsa Petkova (Kunstvermittlerin) gibt in einem gemeinsamen Spaziergang Einblicke in folgende Projekte:

Werd:art Galeriecafè
Atelier Glockengasse
MOTHERBOARD

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

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AUSGEBUCHT: Gallery Tour 4

09/11/2024

12:00 — 13:30 h

diverse Galerien

Lichtenfelsgasse 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Elena Blum (Kulturarbeiterin und Kunsthistorikerin) führt in einem gemeinsamen Spaziergang zu den Galerien

Galerie Eva Presenhuber
Galerie Peter Gaugy

Dort bekommen die Besucher:innen einen Überblick über die Galerien, sowie die im Rahmen der VIENNA ART WEEK stattfindenden Ausstellungen.

Treffpunkt:

Galerie Eva Presenhuber, Lichtenfelsgasse 5, 1010 Wien

AUSGEBUCHT

AUSGEBUCHT: Independent Art Spaces – Tour 6

15/11/2024

17:00 — 18:30 h

diverse Kunsträume

Heinestraße 40, 1020 Wien, Österreich

Ausgebucht

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Freie Kunsträume und Projekte sind wichtige Programmpartner:innen der VIENNA ART WEEK. Lernen Sie bei geführten Spaziergängen mit Kulturvermittler:innen neue Kunstorte kennen!

Pia Wamsler (Kuratorin & Kunsthistorikerin) gibt in einem gemeinsamen Spaziergang Einblicke in folgende Kunsträume:

philomena+
FLUCC (mit kuratorischem Einblick von Barbara Mahlknecht)
SUSSUDIO

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

AUSGEBUCHT

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „Social Paper II“ – inklusiver Workshop zu Drucktechnik und kollaborativem Zeichnen

15/11/2024

10:00 — 13:00 h

Die Kunst VHS in der Alten WU

Augasse 2-6, 1090 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Dieser Praxisworkshop ist für alle Interessierten offen, unabhängig von künstlerischen Vorkenntnissen oder Fähigkeiten.

Jede:r ist herzlich eingeladen, teilzunehmen und seine/ihre eigene einzigartige Perspektive einzubringen. Der Workshop richtet sich besonders an Personen mit 65 oder mehr Jahren, jedoch ist Alter keine Voraussetzung.

Dieser Workshop (in vollständig zugänglichen Räumen) bietet die Teilnahme an kooperativem Kunstschaffen und eine Einführung in einfache Techniken der Druckgrafik und des kollaborativen Zeichnens.

Während des Workshops ergibt sich die Möglichkeit zu Gesprächen über kulturelle Teilnahme und mögliche Barrieren, mit denen Menschen konfrontiert sein können.

Den Teilnehmer:innen wird die Möglichkeit geboten, ihre Erfahrungen und Kunstwerke online zu teilen (auf der Website der Kursleiterin).

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Genaue Adresse: Augasse 2-6, 1090 Wien (alte WU), Lift B, 4. Stock

—

Kursleiterin Tünde Toth, MA, MA, MA, ist Künstlerin und Kuratorin. Sie hat diese Studiengänge abgeschlossen: Research in Art and Design in Social and Political Contexts (2020), Master of Art and Design in Social Practice and the Creative Environment (2018) sowie in Literatur und Linguistik (1998).

Die Kunst VHS ermöglicht einen niederschwelligen Zugang zu Kunst, Kreativität und Kunsthandwerk. Menschen, die kreatives Arbeiten neu für sich entdecken, sind ebenso willkommen wie bereits Erfahrene, die ihre Fertigkeiten und Fähigkeiten verfeinern wollen. Alle Kursleitenden sind Künstler:innen und begleiten und fördern die Teilnehmenden in ihrer künstlerischen Entwicklung.

Wegbeschreibung für blinde und sehbehinderte Menschen zur Kunst VHS im Ersatzquartier in der Augasse 2-6: https://www.vhs.at/de/e/kvh/wegbeschreibung-zur-augasse-2-6/4-stock

Liliane Lijn. Conjunction of Opposites: Lady of the Wild Things and Woman of War, 1986. Courtesy Liliane Lijn and Rodeo, London / Piraeus. Photo: Thierry Bal © Bildrecht, Wien 2023

Eröffnung: „Liliane Lijn: Arise alive“ in Anwesenheit der Künstlerin

14/11/2024

19:00 — 21:00 h

mumok - Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

Liliane Lijn arbeitet seit über sechs Jahrzehnten an den Schnittstellen von bildender Kunst, Literatur und Wissenschaft und hat ein umfangreiches Werk geschaffen, das Skulpturen und Installationen, Collagen und Malereien, Videos und Performances umfasst. Ihre multimediale Praxis nimmt in der kinetischen Kunst der späten 1950er-Jahre sowie in der Auseinandersetzung mit surrealistischem Gedankengut, antiken Mythologien und fernöstlichen Religionen ihren Ausgangspunkt.

Bereits in ihren frühesten Arbeiten manifestiert sich ein bis heute anhaltendes Interesse an unkonventionellen künstlerischen Materialien: 1961 entstehen erste Werke aus Plexiglas, in denen Lijn mit Reflexion, Bewegung und Licht experimentiert. In den 1980er-Jahren wendet sie sich der menschlichen Figur zu und beginnt, die Auswirkungen technologischer Entwicklungen auf den Körper zu reflektieren.

Unter Verwendung von Staubwedeln, Kunstfasern, optischen Prismen und Lasern entstehen futuristische weibliche ‚Gottheiten‘, die teils Maschine, teils Tier, teils Pflanze zu sein scheinen. In jenen ikonischen Skulpturen, die das Zentrum der Ausstellung markieren, verbindet Lijn das Kosmische mit dem Persönlichen, Technologie mit Mythologie, Profanes mit High-Tech und verleiht weiblichen Archetypen eine zeitgenössische Gestalt.

Kuratiert von Manuela Ammer

Liliane Lijn. Arise Alive entstand in Kooperation mit dem Haus der Kunst München

Liliane Lijn. Conjunction of Opposites: Lady of the Wild Things and Woman of War, 1986. Courtesy Liliane Lijn and Rodeo, London / Piraeus. Photo: Thierry Bal © Bildrecht, Wien 2023

AUSGEBUCHT: Gallery Tour 3

09/11/2024

10:00 — 11:30 h

diverse Galerien

Grünangergasse 1, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Elena Blum (Kulturarbeiterin und Kunsthistorikerin) führt in einem gemeinsamen Spaziergang zu den Galerien

Galerie nächst St. Stephan – Rosemarie Schwarzwälder
Collectors Agenda Editionengalerie
Projektraum Viktor Bucher

Dort bekommen die Besucher:innen einen Überblick über die Galerien, sowie die im Rahmen der VIENNA ART WEEK stattfindenden Ausstellungen.

Treffpunkt:

Galerie nächst St. Stephan – Rosemarie Schwarzwälder, Grünangergasse 1/Stiege 1/Tür 18, 1010 Wien

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Eröffnung & Publikationspräsentation: „We have done nothing because we have avoided nothing“

09/11/2024

18:00 — 21:00 h

ENTRE

Burggasse 24/4, 1070 Vienna, Österreich

We have done nothing because we have avoided nothing beschäftigt sich mit dem Konzept der „Faulheit“ als einem dissidenten, somatischen, marginalen Mechanismus des politischen Widerstands. Die Ausstellung, die am 9. November von 18-21 Uhr eröffnet wird, zeigt eine vielfältige Auswahl an Multimedia-Arbeiten, die die Vorstellung von Zeit als einer Ressource, die es zu maximieren gilt, in Frage stellen und stattdessen die subversive Kraft der „Zeitverschwendung“ als eine Form des Widerspruchs hervorheben.

Inspiriert durch die kubanische Untergrundzeitschrift Revista de la Vagancia, basiert das Projekt auf den Erfahrungen kubanischer Künstler:innen und ihren Äußerungen des Widerstands gegen die repressiven politischen, sozialen und kulturellen Rahmenbedingungen der Regierung. Hier ist Müßiggang, Trägheit oder „Faulheit“ nicht nur ein Zustand der Untätigkeit, sondern eine paradoxe Quelle der Kreativität und Produktivität – eine bewusste Antwort auf ein System, das die totale Beteiligung verlangt. Neben den kuratierten Werken, die von Malerei und Poesie bis hin zu Installationen und digitalen Animationen reichen, wird zur Eröffnung der Ausstellung eine Sonderausgabe der Zeitschrift Revista de la Vagancia herausgegeben, die einen einzigartigen Einblick in die lebendigen und marginalisierten Aspekte der kubanischen Avantgarde-Kultur bietet.

We have done nothing because we have avoided nothing feiert die Macht der Nonkonformität und des individuellen Widerspruchs gegen unterdrückerische Systeme und zeigt, wie Apathie, Müdigkeit und sogar Isolation starke Werkzeuge des Widerstands sein können.

Kuratiert von: Daniela Fernández

Teilnehmer:innen: Santiago M. Díaz, Julio Llopiz-Casal, Carla Maria Bellido, Simone García (cymoonv), Amed Aroche, Lester Álvarez Meno, Román Gutiérrez Aragoneses, Kevin Ávila

Veranstaltet von ENTRE (Direktorin, Marilyn Volkman) | Fragen an: entrevienna@gmail.com

Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Unterstützung des österreichischen Bundesministeriums für Kunst, Kultur, Öffentlichen Dienst und Sport (BMKÖS).

AUSGEBUCHT: Gallery Tour 1

08/11/2024

15:00 — 16:30 h

diverse Galerien

Seilerstätte 19, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Katja Stecher (Kuratorin, Kunstvermittlerin und Kunsthistorikerin) führt in einem gemeinsamen Spaziergang zu den Galerien

Lukas Feichtner Galerie
Galerie Krinzinger
Smolka Contemporary
Charim Galerie
Galerie Ernst Hilger

Dort bekommen die Besucher:innen einen Überblick über die Galerien, sowie die im Rahmen der VIENNA ART WEEK stattfindenden Ausstellungen.

Treffpunkt:

Galerie Lukas Feichtner, Seilerstätte 19, 1010 Wien

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

AUSGEBUCHT

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „Social Paper I“ – inklusiver Workshop zu Drucktechnik und kollaborativem Zeichnen

14/11/2024

13:30 — 16:30 h

Die Kunst VHS in der Alten WU

Augasse 2-6, 1090 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Dieser Praxisworkshop ist für alle Interessierten offen, unabhängig von künstlerischen Vorkenntnissen oder Fähigkeiten.

Jede:r ist herzlich eingeladen, teilzunehmen und seine/ihre eigene einzigartige Perspektive einzubringen. Menschen mit Behinderungen oder anderen Diagnosen sind ausdrücklich eingeladen!

Dieser Workshop (in vollständig zugänglichen Räumen) bietet die Teilnahme an kooperativem Kunstschaffen und eine Einführung in einfache Techniken der Druckgrafik und des kollaborativen Zeichnens.

Während des Workshops ergibt sich die Möglichkeit zu Gesprächen über kulturelle Teilnahme und mögliche Barrieren, mit denen Menschen konfrontiert sein können.

Den Teilnehmer:innen wird die Möglichkeit geboten, ihre Erfahrungen und Kunstwerke online zu teilen (auf der Website der Kursleiterin).

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Genaue Adresse: Augasse 2-6, 1090 Wien (alte WU), Lift B, 4. Stock

—

Kursleiterin Tünde Toth, MA, MA, MA, ist Künstlerin und Kuratorin. Sie hat diese Studiengänge abgeschlossen: Research in Art and Design in Social and Political Contexts (2020), Master of Art and Design in Social Practice and the Creative Environment (2018) sowie in Literatur und Linguistik (1998).

Die Kunst VHS ermöglicht einen niederschwelligen Zugang zu Kunst, Kreativität und Kunsthandwerk. Menschen, die kreatives Arbeiten neu für sich entdecken, sind ebenso willkommen wie bereits Erfahrene, die ihre Fertigkeiten und Fähigkeiten verfeinern wollen. Alle Kursleitenden sind Künstler:innen und begleiten und fördern die Teilnehmenden in ihrer künstlerischen Entwicklung.

Wegbeschreibung für blinde und sehbehinderte Menschen zur Kunst VHS im Ersatzquartier in der Augasse 2-6: https://www.vhs.at/de/e/kvh/wegbeschreibung-zur-augasse-2-6/4-stock

Ortsspezifische Performance: „GEHE RÜCKWÄRTS DURCH DIE ERDE“ von Andrea Nagl

13/11/2024

17:30 — 20:00 h

Naturhistorisches Museum Wien

Maria-Theresien-Platz, 1010 Wien, Österreich

In einer eigens für den Saal 6 geschaffenen ortsspezifischen Performance schreibt sich die Tänzerin Andrea Nagl körperlich in den Raum ein und verlebendigt so gleichsam die ausgestellten Objekte, verleiht ihnen eine poetische (nonverbale) Sprache.

Wie Ereignisse der Erdgeschichte blitzen tänzerische Fragmente oder Bewegt-Artefakte an einem Ort auf und vergehen wieder. Die Flüchtigkeit des Tanzes spiegelt nicht nur die Vergänglichkeit, das Werden und Vergehen alles Lebendigen, sondern auch aller Oberflächenformen auf unserem Planeten wider.

Digitale Tools wie AR-Artefakte erweitern die raum-zeitlichen Grenzen und ermöglichen so eine vielschichtige Erfahrung.

Der Besuch der Veranstaltung ist mit gültigem Eintrittsticket möglich. Weitere Informationen zu Eintrittstickets für das Naturhistorische Museum Wien finden Sie hier.

Konzept, Choreografie, Performance: Andrea Nagl

Digitale Kunst: Markus Wintersberger / nagl～wintersberger

Sound: N.N.

Sofia Goscinski, Desert Plants, 2024. Visualisierung, MQ Art Box

Eröffnung: ‚Sofia Goscinski – Desert Plants‘ in der MQ Art Box

13/11/2024

18:00 — 19:00 h

MQ Art Box

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

In der MQ Art Box arrangiert Sofia Goscinski ihre „Desert Plants“ – ein Ensemble von 48 eleganten, säulenartigen Skulpturen, die in Beton gegossen und teilweise in Bronze ausgeführt sind. Mit feinem Gespür formte Goscinski den Beton um die jeweils etwa 250 cm langen Eisenstangen, wobei die Spuren ihrer Hände eindrücklich im Material zurückbleiben. Dieser handwerkliche Prozess offenbart sich als ein konzentrierter, meditativer Akt, der die schöpferische Kraft der Künstlerin in ihrer unmittelbaren Beziehung zum Material sichtbar macht.

Die MQ ART BOX im Haupthof des MuseumsQuartier Wien zeigt wechselnde Installationen von zeitgenössischen Künstler:innen. Der transparente Kunstraum interagiert mit dem öffentlichen Raum und spiegelt die Vielfalt des MQ Areals wider. Das Ausstellungsprogramm offeriert Einblicke in zeitgenössische künstlerische Praxen und Diskursfelder.

Sofia Goscinski, Desert Plants, 2024. Visualisierung, MQ Art Box

Symposium „Becoming Earth – Decentralising the ‚art and nature‘ discourse“

15/11/2024

16:00 — 20:00 h

MuseumsQuartier

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Mini-Symposium

BECOMING EARTH

Im Rahmen der Ausstellungen “Ursula Biemann – Becoming Earth“ und „Rodrigo Braga – Nullpunkt“

Freitag 15. November 2024, 16 – 20 Uhr

Mit Ursula Biemann, Rodrigo Braga, Hernando Chindoy, Eduardo Jorge de Oliveira, Alfredo Ledesma, Marcella Marer and Cristina Rodriguez

Die geografische Lage, die politischen, kulturellen und sozialen Bedingungen, in denen wir leben, beeinflussen unsere Existenz. Sie bedingen aber auch unser Verhältnis zur Natur und die ökologischen Fragen die wir an die Gegenwart stellen. Im diesem Mini-Symposium, das im Rahmen der Ausstellungen Becoming Earth von Ursula Biemann und Nullpunkt von Rodrigo Braga im MQ Freiraum stattfindet, werden Fragen zu Kunst und Natur vor dem Hintergrund unterschiedlicher Wissenssystemen, Kommunikationsformen und gesellschaftlicher und ökologischer Realitäten diskutiert.

Weitere Informationen unter: https://www.mqw.at/programm/mini-symposium-becoming-earth

Location: MQ Freiraum, Museumsplatz 1, 1070 Wien

Anmeldung erbeten unter: veranstaltung@mqw.at

Independent Art Spaces – Tour 5

15/11/2024

17:00 — 18:30 h

diverse Kunsträume

Burggasse 24/4, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Freie Kunsträume und Projekte sind wichtige Programmpartner:innen der VIENNA ART WEEK. Lernen Sie bei geführten Spaziergängen mit Kulturvermittler:innen neue Kunstorte kennen!

Paula Marschalek (Kulturmanagerin & Kunsthistorikerin) gibt in einem gemeinsamen Spaziergang Einblicke in folgende Kunsträume:

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Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

Zum Anmelden hier klicken!

Amoako Boafo, Enyonam’s Black Shawl, 2020. Courtesy des Künstlers und der Galerie Mariane Ibrahim

AUSGEBUCHT: Kuratorenführung: „Amoako Boafo. Proper Love“ – Schwarze Identität und Selbstwahrnehmung im Wandel der Zeit

14/11/2024

16:30 — 17:30 h

Unteres Belvedere

Rennweg 6, 1030 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Das Belvedere zeigt im Herbst 2024 die erste institutionelle Ausstellung zum künstlerischen Schaffen des ghanaischen Malers Amoako Boafo (* 1984 in Accra) in Europa. Als eine der wichtigsten Stimmen einer neuen Generation von Schwarzen Künstler*innen porträtiert Boafo in seinen Gemälden Freund*innen, Bekannte und Personen des öffentlichen Lebens, die ein gegenwärtiges Bild von Schwarzer Selbstermächtigung und -wahrnehmung vermitteln.

Die Werke verkörpern die Vorstellung von einer Schwarzen Identität, die sich aus der eigenen Kultur speist, was als Akt des Widerstands gegen rassistische Zuschreibungen der weißen Mehrheitsgesellschaft zu verstehen ist. Diese Form der Schwarzen Subjektivität äußert sich auch im Erscheinungsbild der Porträtierten, die den Betrachter*innen als selbstbewusste Individuen entgegentreten und oft direkten Blickkontakt suchen. Boafo inszeniert die Kleidung collagenartig mit Papiertexturen, die nicht nur Anleihen bei floralen und geometrischen Tapetenmustern nehmen, sondern auch Referenzen auf historische und politische Kleidungscodes der Schwarzen Kultur aufweisen. Die intensive Beschäftigung des Künstlers mit Schwarzer Geschichte spiegelt sich auf subtile Weise in den Gemälden wider, wenn literarische Werke zentraler Vordenker*innen der Schwarzen Freiheitsbewegung motivisch eingesetzt werden.

AUSGEBUCHT

Amoako Boafo, Enyonam’s Black Shawl, 2020. Courtesy des Künstlers und der Galerie Mariane Ibrahim

Open Studio Days 2024

09/11/2024

13:00 — 18:00 h

diverse Studios in ganz Wien

www.viennaartweek.at/de/open-studio-days-2024/

Auftakt und ein Herzstück der VIENNA ART WEEK sind auch 2024 wieder die Open Studio Days. Rund 50 von einer Fachjury ausgewählte Künstler:innen halten ihre Ateliers in ganz Wien für Besucher:innen offen. Besucher:innen können so Blicke hinter die Kulissen künstlerischen Schaffens werfen und mit den Kunstschaffenden ins Gespräch kommen.

Inspirierende Begegnungen sind garantiert!

Mehr Informationen zu allen teilnehmenden Künstler:innen finden Sie im Menü unter „Open Studio Days“ oder hier.

Open Studio Days 2024

10/11/2024

13:00 — 18:00 h

diverse Studios in ganz Wien

www.viennaartweek.at/de/open-studio-days-2024/

Auftakt und ein Herzstück der VIENNA ART WEEK sind auch 2024 wieder die Open Studio Days. Rund 50 von einer Fachjury ausgewählte Künstler:innen halten ihre Ateliers in ganz Wien für Besucher:innen offen. Besucher:innen können so Blicke hinter die Kulissen künstlerischen Schaffens werfen und mit den Kunstschaffenden ins Gespräch kommen.

Inspirierende Begegnungen sind garantiert!

Mehr Informationen zu allen teilnehmenden Künstler:innen finden Sie im Menü unter „Open Studio Days“ oder hier.

AUSGEBUCHT: Gallery Tour 2

08/11/2024

17:00 — 18:30 h

diverse Galerien

Margaretenstraße 5, 1040 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Katja Stecher (Kuratorin, Kunstvermittlerin und Kunsthistorikerin) führt in einem gemeinsamen Spaziergang zu den Galerien

Galerie Ernst Hilger – Schaufenster
KOENIG 2 by_robbygreif
Christine König Galerie
Christine KÖNIG | CHAPTER III: DAS BILD UND SEIN BUCH
Galerie 3

Dort bekommen die Besucher:innen einen Überblick über die Galerien, sowie die im Rahmen der VIENNA ART WEEK stattfindenden Ausstellungen.

Treffpunkt:

Galerie Ernst Hilger – Schaufenster, Favoritenstraße 30, 1040 Wien

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

AUSGEBUCHT

© Manfred Erjautz, Das Licht endet den Raum.

AUSGEBUCHT: Performance: „The closer I get, the more I drift afar“ – Manfred Erjautz

08/11/2024

21:45 — 22:15 h

Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste (ehem. Semperdepot)

Lehárgasse 8, 1060 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

Erstmals präsentiert Manfred Erjautz ein Exzerpt seiner „Opera scultura“ The closer I get, the more I drift afar., die am 4. und 5. Dezember 2024 im Dom Im Berg, Graz uraufgeführt wird.

The closer I get, the more I drift afar. betrachtet Erjautz als einen Fluss, der aufgeteilt auf vier Akte, den Raum flutet und in musikalischer, sowie visuell-skulpturaler Abfolge, mäandert. Performative Seitenarme eröffnen eine artifizielle Au-Landschaft von Metaebenen, die sich wie kommunizierende Gefäße verhalten. Die Transformation als primäres Stilmittel, lässt den Punkt am Ende eines Satzes zum Anfang einer Zeichnung werden. The closer I get, the more I drift afar., macht innere Landschaften begreifbar und stellt grundlegende Fragen zur menschlichen Endlichkeit, die abseits der realen Gegenwart in jedem von uns existieren.

Tickets für die Uraufführung sind über die Webseite der Grazer Spielstätten und des Dom Im Berg HIER erhältlich.

Team:

Manfred Erjautz – Bildender Künstler/Gesamtleitung

Aubert Crovato – Komposition

Severin Su – Komposition/Performer/Gesang (Doctors On Decks)

Martin Lesjak – Komposition/Performer

(Doctors On Decks)

Wolfgang Hattinger – Musical Supervisor

Camille Primeau – Gesang

Wolfgang Zuser – Flöten

Ana Ostojic – Klavier

Frederico Pellaschiar – Violoncello

Die Performance ist Teil des JUBILÄUMSFESTS DER 20. VIENNA ART WEEK.

Von 8. bis 15. November 2024 richtet die VIENNA ART WEEK zum 20. Mal alle Scheinwerfer auf die Kunststadt Wien. Mit dem diesjährigen Thema „Facing Time“ reflektiert die VIENNA ART WEEK über ihre fast 20-jährige Geschichte und geht dabei den Dimensionen der Zeit auf den Grund.

Auftakt der Jubiläumsfeierlichkeiten bildet ein großes Fest am 8. November mit künstlerischen Interventionen im Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste Wien (ehem. Semperdepot). Mehr dazu finden Sie in unserem Programm.

ANMELDUNG erforderlich. AUSGEBUCHT.

AUSGEBUCHT: Performance: „An evening with“ – Alex Franz Zehetbauer

08/11/2024

21:10 — 21:40 h

Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste (ehem. Semperdepot)

Lehárgasse 8, 1060 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

In An Evening with entführt uns Alex Franz Zehetbauer in eine surreale Pianobar: Ein Sänger am Klavier und sein Repertoire untermalen das Beisammensein der Gäste. Ohrwurm-Melodien und ein trickreicher Humor halten das Publikum auf dem schmalen Grat zwischen Ernsthaftigkeit und Absurdität. An Evening with durchläuft verschiedene Stimmungen und Register, vom poetischen Wiegenlied über das Volkslied bis hin zur Popversion, und erforscht die vielfältigen Rollen von Liedern und ihre kulturellen Einflüsse. Der Abend ist von einer gewissen Verzauberung geprägt, da Alex eine Nähe schafft, die zugleich fremd und vertraut ist, und das Lied in verschiedene choreografische Stellungen bringt.

Die Performance ist Teil des JUBILÄUMSFESTS DER 20. VIENNA ART WEEK.

Von 8. bis 15. November 2024 richtet die VIENNA ART WEEK zum 20. Mal alle Scheinwerfer auf die Kunststadt Wien. Mit dem diesjährigen Thema „Facing Time“ reflektiert die VIENNA ART WEEK über ihre fast 20-jährige Geschichte und geht dabei den Dimensionen der Zeit auf den Grund.

Auftakt der Jubiläumsfeierlichkeiten bildet ein großes Fest am 8. November mit künstlerischen Interventionen im Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste Wien (ehem. Semperdepot). Mehr dazu finden Sie in unserem Programm.

ANMELDUNG erforderlich. AUSGEBUCHT.

Foto: Elsa Okazaki

AUSGEBUCHT: Jubiläumsfest der 20. VIENNA ART WEEK

08/11/2024

20:30 — 02:00 h

Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste (ehem. Semperdepot)

Lehárgasse 8, 1060 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

JUBILÄUMSFEST DER 20. VIENNA ART WEEK

Von 8. bis 15. November 2024 richtet die VIENNA ART WEEK zum 20. Mal alle Scheinwerfer auf die Kunststadt Wien. Mit dem diesjährigen Thema „Facing Time“ reflektiert die VIENNA ART WEEK über ihre fast 20-jährige Geschichte und geht dabei den Dimensionen der Zeit auf den Grund.

Auftakt der Jubiläumsfeierlichkeiten bildet ein großes Fest am 8. November mit künstlerischen Interventionen im Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste Wien (ehem. Semperdepot).

Die außergewöhnlichen Räume werden mit einem speziellen DJ-Line Up, live Performances, Installationen und künstlerischen Positionen zum Thema Zeit aktiviert.

ANMELDUNG erforderlich – AUSGEBUCHT

BEGRÜßUNG

Martin Böhm
Präsident Art Cluster Vienna
Robert Punkenhofer
Direktor Vienna Art Week

KÜNSTLERISCHE INTERVENTIONEN

Luca Buvoli
Manfred Erjautz
Ornella Fieres
Raashish India & Ursula Maria Probst
Teresa Margolles
Claudia Märzendorfer
Pablo Vargas Lugo
Sandro E. E. Zanzinger
Alex Franz Zehetbauer

MUSIK

A Party Called JACK

Brittany Tucker, Notes on Rage, 2021, Installation, Acryl auf Leinwand, Hausfarbe

„Wilde Zukunft“: Podiumsdiskussion und Tarotkarten-Legung im Rahmen der Ausstellung „SUBSTANZ“

13/11/2024

18:30 — 21:00 h

Künstlerhaus Vereinigung

Karlsplatz 5, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Eine Podiumsdiskussion mit Künstler:innen der Ausstellung SUBSTANZ, welche nationale wie internationale Kunstschaffende und Kulturakteur:innen präsentiert, die in ihrer Produktion und/oder in privaten Initiativen in gesellschaftliches Handeln gehen.

Die Beteiligten nutzen den Abend, um Kunstproduktion und -ethik zur Zeit der Klimakrise zu erörtern.

Mit Christian Bazant-Hegemark und Esther Hladik (geb. Mlenek) vom Kurator:innenteam, sowie Veronika Dirnhofer und Johannes Wiener.

Abgerundet wird der Abend durch eine Tarotkarten-Legung durch Florine Imo (Künstlerin der Ausstellung), um die Zukunft zu interpretieren.

Brittany Tucker, Notes on Rage, 2021, Installation, Acryl auf Leinwand, Hausfarbe

Collage Workshop im Rahmen einer Führung in einfacher Sprache, © Künstlerhaus, Wien 2023

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „Gib deiner Botschaft Substanz“: Führung und Workshop in einfacher Sprache zur Ausstellung „SUBSTANZ“

13/11/2024

13:00 — 15:00 h

Künstlerhaus Vereinigung

Karlsplatz 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: EINFACHE SPRACHE

Die Ausstellung SUBSTANZ zeigt, was uns Menschen ausmacht: unsere Menschlichkeit, unsere sozialen Verbindungen und unser Willen, Dinge zu schaffen.

Künstlerinnen und Künstler aus vielen Ländern wollen mit ihrer Kunst Wissen teilen und Gefühle wecken. Sie wollen uns aufrütteln, trösten und Hoffnung geben.

Nach einer kurzen Führung durch die Ausstellung können die Teilnehmenden in einem Workshop kreativ werden. Sie lernen verschiedene Techniken kennen und setzen die Themen der Ausstellung um.

Es gibt viele Materialien zur Auswahl. Mit der Collage-Technik können die Teilnehmenden kreativ sein und ihre positiven Botschaften auf Plakaten ausdrücken.

Jede und jeder kann mit kleinen Beiträgen unsere Gesellschaft verbessern. In fröhlicher Atmosphäre können die Teilnehmenden miteinander reden, voneinander lernen und sich über verschiedene Themen austauschen.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Treffpunkt: Eingangsbereich/Foyer des Künstlerhauses

Collage Workshop im Rahmen einer Führung in einfacher Sprache, © Künstlerhaus, Wien 2023

tools4art, Fluchtrucksack (BugOutBag), 2017

AUSGEBUCHT: Kurator:innenführung durch die Ausstellung „SUBSTANZ“

13/11/2024

17:00 — 18:00 h

Künstlerhaus Vereinigung

Karlsplatz 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Das Kurator:innenteam Christian Bazant-Hegemark und Esther Hladik (geb. Mlenek) führen durch die Ausstellung SUBSTANZ, welche nationale wie internationale Kunstschaffende und Kulturakteur:innen präsentiert, die in ihrer Produktion und/oder in privaten Initiativen in gesellschaftliches Handeln gehen.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

tools4art, Fluchtrucksack (BugOutBag), 2017

Eröffnung: „stay/liquid“

11/11/2024

17:00 — 20:00 h

werd:art

Im Werd 19, 1020 Wien, Österreich

www.werdart.at/

Wenn die Zeit ein Gesicht hätte, wie würde es aussehen. Würde es sich laufend verändern. Würde es jünger oder älter werden. Würde sich die Zeit im Spiegel gefallen. Ginge sie mit der Mode und zum Frisör. Oder wäre das Gesicht eine zeitlose Landschaft oder ein großer leerer Raum?

Im künstlerischen Prozess ist Zeit ein wichtiger Faktor. Ist für das Entstehen manches Kunstwerks Geduld und Ausdauer unabdingbar, ist es bei anderen gerade der Aspekt der Spontanität der beim Betrachten verzückt und innehalten lässt. Bedarf es zum einen jahrelanger Erfahrung, einer genauen Kenntnis von Material und Technik und guter Planung um künstlerische Ideen umsetzen zu können, entstehen andere durch Zufall und sind gerade Fehler ausschlaggebend für die Einzigartigkeit.

In gewohnter Qualität wollen wir wieder Exponate unterschiedlichster Künstler:innen unserer Werkstätte präsentieren und der Frage nach der Zeit Raum und ein Gesicht geben.

Artist Talk mit Karl-Heinz Klopf: „WERKSCHAU XXIX: Karl-Heinz Klopf. KOMPLEX“

12/11/2024

19:00 — 21:00 h

Fotogalerie Wien

Währinger Straße 59, 1090 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

WERKSCHAU XXIX: Karl-Heinz Klopf. KOMPLEX ist die Fortsetzung der jährlich stattfindenden Ausstellungsreihe der FOTOGALERIE WIEN, in der zeitgenössische Künstler:innen präsentiert werden, die wesentlich zur Entwicklung der künstlerischen Fotografie und neuen Medien in Österreich.

Independent Art Spaces – Tour 2

10/11/2024

17:00 — 18:30 h

diverse Kunsträume

Hegelgasse 14, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Freie Kunsträume und Projekte sind wichtige Programmpartner:innen der VIENNA ART WEEK. Lernen Sie bei geführten Spaziergängen mit Kulturvermittler:innen neue Kunstorte kennen!

Ralitsa Petkova (Kunstvermittlerin) gibt in einem gemeinsamen Spaziergang Einblicke in folgende Kunsträume:

DAS WEISSE HAUS & STUDIO DAS WEISSE HAUS
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Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

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Mark Coeckelbergh (Foto: Martin Jordan) & Christoph Thun-Hohenstein (Foto: © BMEIA/Gruber)

Line-up 2024: „Ethics and politics in times of AI“ – Mark Coeckelbergh (Technologiephilosoph) im Gespräch mit Christoph Thun-Hohenstein (BMEIA)

14/11/2024

15:30 — 16:00 h

Dorotheum

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Beim FACING TIME Line-up der VIENNA ART WEEK dreht sich dieses Jahr alles um die Zeit. Inspirierende internationale Gäste aus Kunst, Wirtschaft und Wissenschaft beleuchten das Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Anschluss wird in einer hochkarätigen Podiumsdiskussion zum Thema „20 Ausgaben VIENNA ART WEEK, 20 Jahre Kunststadt Wien“ diskutiert, den Abschluss bietet eine kurze Präsentation der Jubiläumspublikation und ein Aperitif.

15:30-16:00 „ETHICS AND POLITICS IN TIMES OF AI“

Die Demokratie ist bedroht, und die KI könnte die Lage noch verschlimmern. Dagegen können wir etwas tun, aber wir brauchen globale Maßnahmen. Wir müssen auch unser Verhältnis zur Technologie im Lichte der Polykrise überdenken.

Mark Coeckelbergh (Technologiephilosoph, Wien) im Gespräch mit Christoph Thun-Hohenstein (Sektionsleiter Internationale Kulturangelegenheiten, Bundesministerium für europäische und internationale Angelegenheiten, Wien).

Kurzbios:

Mark Coeckelbergh ist Professor für Medien- und Technologiephilosophie an der Universität Wien, ERA-Lehrstuhlinhaber am Institut für Philosophie in Prag und Mitglied in verschiedenen nationalen Beiräten in Österreich und Belgien. Er ist der Autor von „AI Ethics“, „The Political Philosophy of AI“ und „Why AI Undermines Democracy“.

Botschafter DDr. Christoph Thun-Hohenstein ist Leiter der Sektion für Internationale Kulturangelegenheiten im österreichischen Außenministerium. Von 1999 bis 2007 war er Direktor des Austrian Cultural Forum New York. Von 2011 bis 2021 war Thun-Hohenstein Generaldirektor des MAK – Österreichisches Museum für angewandte Kunst, Wien. Er initiierte die Vienna Biennale for Change, die er von 2014 bis 2022 leitete. Zuletzt initiierte er die Klima Biennale Wien, die erstmals 2024 stattfand.

Mit freundlicher Unterstützung des Bundesministeriums für europäische und internationale Angelegenheiten.

Credits: Stephanie Meisl © Sandra Hallinger. Georg Hobmeier © Marlena König.
David Reiterer © Vivien Konya. ValerieMessini © Daniel Gallmetzer.

Line-up 2024: „New times, new practices – creating with AI“ – Ein Gespräch mit Georg Hobmeier, Stephanie Meisl, David Reiterer & Valerie Messini

14/11/2024

14:30 — 15:30 h

Dorotheum

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Beim FACING TIME Line-up der VIENNA ART WEEK dreht sich dieses Jahr alles um die Zeit. Inspirierende internationale Gäste aus Kunst, Wirtschaft und Wissenschaft beleuchten das Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Anschluss wird in einer hochkarätigen Podiumsdiskussion zum Thema „20 Ausgaben VIENNA ART WEEK, 20 Jahre Kunststadt Wien“ diskutiert, den Abschluss bietet eine kurze Präsentation der Jubiläumspublikation und ein Aperitif.

14.30 Podiumsdiskussion „New times, new practices – creating with AI“

Wie verändert der Einsatz von KI die kreative Praxis? Worin liegen die Vorteile und Herausforderungen? Welche Impulse kommen von Kreativen, um herausragende Arbeiten zu schaffen, die sich gegen generative algorithmische Inhalte absetzen und neue Perspektiven öffnen? In diesem Talk geben Kreative aus Wien Einblicke, wie sie KI in ihrer Arbeit aktuell einsetzen.

Mit:

Georg Hobmeier (Founder & CEO Causa Creations Interactive Media GmbH)
Stephanie Meisl (MACOM CO-Founder D#AVANTGARDE – new technology, art and creativity)
David Reiterer (Musiker, Lucy Dreams)
Valerie Messini (Architektin, Digitale Künstlerin & Senior Scientist)
moderiert von Dr.in Jutta Scheibelberger (Wirtschaftsagentur Wien)

Kurze Biographien:

Georg Hobmeier. Geboren in den Bergen Österreichs, hat sich Georg Hobmeier in seiner Laufbahn vom Künstler zum Game Designer entwickelt. Er bewegt sich im Spannungsfeld zwischen seinen Rollen als Produzent, narrativem Designer und Pädagoge. Hobmeiers künstlerische Sensibilität und seine Leitungsposition in der Branche haben dazu beigetragen, das Medium in neue Bereiche zu führen.

(Causa Creations | Home)

Stephanie Meisl ist seit über 20 Jahren in der Medienkunst-, Film- und Werbebranche tätig. Sie ist bekannt für ihre preisgekrönten KI-Kunstprojekte und ihre Rolle als Mitbegründerin des Kunstkollektivs D#AVANTGARDE – new technology, art and creativity. Der Einsatz neuer Technologien in Kunstprojekten und die damit verbundenen Erfahrungen bilden die Grundlage für die Weitergabe ihres Wissens und die Förderung der digitalen Kompetenz. Als Kuratorin, Keynote-Speakerin und Podiumsteilnehmerin hat sie sich international einen Namen gemacht.

(https://linktr.ee/s.myselle / www.davantgarde.xyz / https://www.linkedin.com/in/myselle/)

David Reiterer ist ein österreichischer Musiker, der in Wien lebt und arbeitet. Mit seiner Band Lucy Dreams zählt er zu den Vorreitern des Genres SonicWaveArtPop, das zunehmend Aufmerksamkeit im Bereich moderner Musik und Kunst findet. Sein Leitgedanke ist es, verschiedene zeitgenössische Ausdrucksformen mit moderner Produktion zu verknüpfen, um innovative, zukunftsweisende Ideen für die Weiterentwicklung des kreativen Individuums zu inspirieren. In einer Ära tiefgreifender technologischer Transformation widmet er sich mit dem musikalischen Sci-Fi-Narrativ von Lucy Dreams der Erforschung und Integration von Technologie in kreative Schaffensprozesse.

(Lucy Dreams | SonicWaveArtPop)

Valerie Messini ist Architektin, digitale Künstlerin und Senior Scientist am Weibel-Institut für digitale Kulturen an der Universität für angewandte Kunst Wien. Ihre Forschung befasst sich mit dem Konzept der „nothingness“ und untersucht, wie digitale Technologien und digitale Design-Tools Raum, Identität und Wahrnehmung beeinflussen. Dabei erforscht sie, welche Rolle immersive Medien und virtuelle Räume bei der Gestaltung unseres Verständnisses und unserer Interaktion mit dem digitalen Raum spielen.

(2mvd.at / vimeo / instagram)

In Kooperation mit

Credits: Stephanie Meisl © Sandra Hallinger. Georg Hobmeier © Marlena König. David Reiterer © Vivien Konya. ValerieMessini © Daniel Gallmetzer.

Line-up 2024: „20 editions VIENNA ART WEEK, 20 years of Vienna as a city of art“ – Podiumsdiskussion & Präsentation der Jubiläumspublikation

14/11/2024

18:00 — 19:15 h

Dorotheum

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH

Beim FACING TIME Line-up der VIENNA ART WEEK dreht sich dieses Jahr alles um die Zeit. Inspirierende internationale Gäste aus Kunst, Wirtschaft und Wissenschaft beleuchten das Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Anschluss wird in einer hochkarätigen Podiumsdiskussion zum Thema „20 Ausgaben VIENNA ART WEEK, 20 Jahre Kunststadt Wien“ diskutiert, den Abschluss bietet eine kurze Präsentation der Jubiläumspublikation und ein Aperitif.

18.00 Podiumsdiskussion

„20 Ausgaben VIENNA ART WEEK – Jahre Kunststadt Wien“

Francesca Gavin (Künstlerische Leiterin viennacontemporary)
Oliver Hangl (Künstler)
Lilli Hollein (Generaldirektorin MAK)
Bettina Leidl (Direktorin MuseumsQuartier Wien)
Fabian Burstein (Autor & Kulturmanager)
moderiert von Robert Punkenhofer (Künstlerischer Leiter VIENNA ART WEEK)

19.00 Präsentation

der Jubiläumspublikation der VIENNA ART WEEK

19.30 Aperitif

Kurze Biographien:

Francesca Gavin, seit 2023 künstlerische Leiterin von viennacontemporary, Österreichs führender Messe für zeitgenössische Kunst, verfügt über 20 Jahre Erfahrung in der zeitgenössischen Kunst und Kultur als Kuratorin und Autorin. Sie ist Chefredakteurin und Mitbegründerin von EPOCH Review, Redakteurin bei Twin and Beauty Papers und hat regelmäßig Beiträge für Financial Times, HTSI, Frieze, Cura, Blau, Artnet und zahlreiche andere Publikationen verfasst. Gavin hat zehn Bücher über zeitgenössische Kunst geschrieben, darunter Watch This Space, 100 New Artists und Hell Bound: New Gothic Art. Sie war Ko-Kuratorin der Manifesta11-Biennale in Zürich und hat international Ausstellungen in Institutionen wie der Fundação de Serralves, dem Somerset House, dem Palais de Tokyo, Site Sheffield und Mu, Eindhoven kuratiert. Ihre monatliche Radiosendung Rough Version auf NTS Radio (www.nts.live) läuft seit über 8 Jahren und beschäftigt sich mit der Beziehung zwischen zeitgenössischer Kunst und Musik.

Oliver Hangl ist Performance-, Medienkünstler, Kurator, Stadtarbeiter, Urbanist, Dazwischen-Geher. Unsichere Interventionen im öffentlichen Raum. Realität als unkontrollierbares Handlungsfeld. Stadt als Prozess: Oliver Hangl, der seine Karriere 1993 als Bühnenbild-Assistent und Schauspieler (u.a. „Robin“ in „Phettbergs Nette Leit Show“) startete, bewegt sich in seinen Arbeiten meist unter freiem Himmel. Sie markieren eine konsequente Auseinandersetzung zwischen Mensch und Raum. Wo beginnen physische, wo psychische Realitäten? Welche Formen der Wahrnehmung koppeln sich zu einem Bild, zu einem Verständnis von Realität? Wenn Hangl in physischen, soziologischen, politischen, sozialen und auch fiktionalen Räumen (inter)agiert, gilt sein Fokus der spielerischen, teils prozesshaften Verhandlung von Raum und Zwischenraum. Dafür inszeniert er meist (halb-) öffentliche Settings: Parks, Einkaufsstraßen, Shopping Center, aber auch ungewöhnliche Orte wie Baustellen, Brücken, Tunnel, Tankstellen und Hinterhöfe werden zu prototypischen Frei- und Experimentalräumen, die es gilt selbst auch aktiv zu nutzen.

Seit 1999 Lehrtätigkeit an verschiedenen Kunstuniversitäten. Seit 2008 leitet er den Projektraum k48 – Offensive für zeitgenössische Wahrnehmung in Wien. Seit 2010 Gründer und künstlerischer Leiter des WIENER BESCHWERDECHOR.

Lilli Hollein ist seit September 2021 Generaldirektorin und wissenschaftliche Geschäftsführerin des MAK – Museum für angewandte Kunst, Wien. Die Designexpertin studierte Industriedesign an der Universität für angewandte Kunst Wien und war bis 2021 Direktorin der von ihr mitbegründeten VIENNA DESIGN WEEK, Österreichs größtem kuratierten Designfestival mit internationaler Reputation. Als Kuratorin war sie für eine Reihe von Architektur- und Designausstellungen verantwortlich, 2007 war sie Kommissärin des österreichischen Beitrags auf der Architekturbiennale São Paulo. Als Design- und Architekturkritikerin hat sie in nationalen und internationalen Medien und Fachmagazinen publiziert, unter anderem Der Standard, ORF, Domus, blueprint, Ottagono, FRAME und MARK. Von 2010 bis 2013 war sie Jurypräsidentin der KÖR – Kunst im Öffentlichen Raum Wien und von 2015 bis 2019 Präsidentin des ADN – Austrian Design Net. Seit 2022 ist sie Honorarprofessorin an der NDU (New Design University St. Pölten) und seit 2023 Mitglied des Universitätsrats der Universität für angewandte Kunst Wien.

EGON SCHIELE, Entschwebung (Die Blinden II), 1915 © Leopold Museum, Wien

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „Zeit sehen und erleben“: Führung mit ÖGS-Dolmetschung durch ‚Wien 1900‘

09/11/2024

11:00 — 12:00 h

Leopold Museum

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH & ÖSTERREICHISCHE GEBÄRDENSPRACHE

Der Begriff „Zeit“ taucht in vielen Zusammenhängen unseres Alltags auf. Wir können die Zeit messen und mitstoppen, wir können sie haben oder nicht haben oder sie sogar verschlafen oder totschlagen. Wir können die Zeit schätzen und genießen – aber können wir sie auch sehen?

Die Visualisierung von Zeit in der Kunst ist ein faszinierendes Thema, das sich durch verschiedene Epochen und Stile zieht. Besonders an der Zeitenwende vom 19. zum 20. Jahrhundert, geprägt von vielen Neuerungen und Umbrüchen, prallten Bilder der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft aufeinander.

In der Sammlung ‚Wien 1900. Geburt der Moderne‘ führt der Rundgang vom Historismus mit mythologischen und akademischen Anbindungen zu impressionistischen Momentaufnahmen. Im Jugendstil wird durch symbolistische Themen die Gegenwart befragt und im Expressionismus werden seelischer Ausdruck und atmosphärisch-stimmungsvolle Landschaften zu Bildern der Vergänglichkeit und des Wandels. Die Künstler:innen verwendeten verschiedene Konzepte, um die flüchtige und oft schwer fassbare Natur der Zeit darzustellen.

Mit Gebärdendolmetscher:in sehen und erleben wir die Dimensionen von Zeit in den Bildern von Makart, Canon, Klimt, Schiele und Kokoschka und entdecken die zeitlose Schönheit von Kunst.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Treffpunkt: Eingangsbereich

RUDOLF WACKER, Herbststrauß mit Christusskulptur, 1938 © Leopold Museum, Wien

AUSGEBUCHT: „Zeitlose Kunst? Rhythmus und Stillstand in den Bildwelten Rudolf Wackers“ – Führung mit Kuratorin Laura Feurle

11/11/2024

16:30 — 17:30 h

Leopold Museum

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Eine umfangreiche Retrospektive im Leopold Museum ist dem herausragenden österreichischen Künstler Rudolf Wacker (1893-1939) gewidmet.

Im Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Laura Feurle wird sein Leben und künstlerisches Schaffen nachvollziehbar gemacht, das vom politischen Zeitgeschehen des Ersten Weltkriegs, der russischen Revolution und des Nationalsozialismus in Deutschland und Österreich geprägt ist.

Im vergleichenden Blick auf Werke aus unterschiedlichen Schaffensperioden wird deutlich, wie sich mit der stilistischen Weiterentwicklung auch künstlerische Technik und Arbeitstempo wandeln. Zugleich verändert sich die Zeitlichkeit in den dargestellten Bildwelten: Der Rhythmus des expressionistischen Spiels von Linie und Farbe und das bewegte Eigenleben der Dinge, wird in der neusachlichen Schaffensphase vollkommen stillgestellt. Die einfach gewählten Motive und Kompositionen werden zunehmend reduziert, verdichtet und intensiviert.

Obwohl die beschleunigten Lebensrealitäten der Moderne keinen Eingang in Wackers Kunst finden, sind auch diese reifen Werke keineswegs unzeitgemäß: Mit dem Aufstieg des Nationalsozialismus beginnt im Werk Wackers der sprichwörtlich gewordene „Zahn der Zeit“ an der Dingwelt seiner Stillleben zu nagen.

Diese Werke eröffnen Assoziationsräume für einen kritischen Blick auf den von Wacker als bedrohlich empfundenen Zeitgeist der 1920er- und 1930er-Jahre.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Treffpunkt: Eingangsbereich

Rembrandt Harmensz van Rijn, Großes Selbstporträt, 1652 © KHM-Museumsverband

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „FACING TIME – längst vergangen und doch so gegenwärtig“: Führung mit ÖGS-Dolmetschung durch die Sonderausstellung ‚Rembrandt – Hoogstraten‘

08/11/2024

15:00 — 16:00 h

Kunsthistorisches Museum Wien

Maria-Theresien-Platz, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ÖSTERREICHISCHE GEBÄRDENSPRACHE UND DEUTSCHE LAUTSPRACHE.

Rembrandt van Rijn, einer der bedeutendsten Maler des Goldenen Zeitalters der Niederlande, verstand es meisterhaft, das Thema „FACING TIME“ in seinen Werken zu beleuchten. Seine Porträts und Selbstporträts sind tiefgründige Studien des menschlichen Lebens, das vom Vergehen der Zeit geprägt ist.

Rembrandts Fähigkeit, die Spuren des Alters, die Emotionen und die Seele seiner Subjekte einzufangen, verleiht seinen Gemälden eine zeitlose Qualität. Besonders seine Selbstporträts, die er über Jahrzehnte hinweg schuf, zeigen eindrucksvoll, wie er sich selbst und seine Kunst im Spiegel der Zeit betrachtete und reflektierte.

Durch seine Werke lädt Rembrandt uns ein, uns mit der Vergänglichkeit des Lebens und der bleibenden Kraft der Kunst auseinanderzusetzen!

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Treffpunkt: Eingangshalle des Kunsthistorischen Museums, nach der Ticketkontrolle

AUSGEBUCHT: „FACING TIME – längst vergangen und doch so gegenwärtig“: Führung durch die Sonderausstellung ‚Rembrandt – Hoogstraten‘

11/11/2024

16:30 — 17:30 h

Kunsthistorisches Museum Wien

Maria-Theresien-Platz, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Rembrandt van Rijn, einer der bedeutendsten Maler des Goldenen Zeitalters der Niederlande, verstand es meisterhaft, das Thema „FACING TIME“ in seinen Werken zu beleuchten. Seine Porträts und Selbstporträts sind tiefgründige Studien des menschlichen Lebens, das vom Vergehen der Zeit geprägt ist.

Rembrandts Fähigkeit, die Spuren des Alters, die Emotionen und die Seele seiner Subjekte einzufangen, verleiht seinen Gemälden eine zeitlose Qualität. Besonders seine Selbstporträts, die er über Jahrzehnte hinweg schuf, zeigen eindrucksvoll, wie er sich selbst und seine Kunst im Spiegel der Zeit betrachtete und reflektierte.

Durch seine Werke lädt Rembrandt uns ein, uns mit der Vergänglichkeit des Lebens und der bleibenden Kraft der Kunst auseinanderzusetzen!

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Treffpunkt: Eingangshalle des Kunsthistorischen Museums, nach der Ticketkontrolle

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: Führung in einfacher Sprache durch die Sonderausstellung ‚Rembrandt – Hoogstraten‘

15/11/2024

15:00 — 16:00 h

Kunsthistorisches Museum Wien

Maria-Theresien-Platz, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: EINFACHE SPRACHE

Facing Time – Der Zeit ins Auge blicken mit Rembrandt und Hoogstraten

Rembrandt und Hoogstraten waren große Maler aus den Niederlanden.
Sie lebten im 17. Jahrhundert, dem Goldenen Zeitalter der Malerei.
Die sichtbare Welt wollten sie täuschend echt wiedergeben.
Dafür experimentierten sie mit Farbe, Perspektive und Licht.
Ihre Bilder von Menschen lassen die Gefühle der Figuren lebendig werden.
Die Bildnisse sind Studien des Lebens und des Alterns – Themen, denen wir alle irgendwann ins Auge blicken müssen.

Schauen Sie genau hin!
Und lassen Sie sich nicht von den Kunsttricks der beiden Maler täuschen!

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Treffpunkt: Eingangshalle des Kunsthistorischen Museums, nach der Ticketkontrolle

Ausstellungsansicht: Aleksandra Domanović, Bulls Without Horns: Alison With the Bulls, 2016, Calf Bearer, 2017/20, Kunsthalle Wien 2024, Courtesy die Künstlerin und Tanya Leighton, Berlin und Los Angeles, Foto: Iris Ranzinger

VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: Führung mit ÖGS-Dolmetschung durch die Ausstellung „Aleksandra Domanović“

12/11/2024

18:00 — 19:00 h

Treffpunkt: Kassafoyer Kunsthalle Wien Museumsquartier

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ÖSTERREICHISCHE GEBÄRDENSPRACHE UND DEUTSCHE LAUTSPRACHE.

Im Rahmen der Initiative „VIENNA ART WEEK für alle“ führen Gebärdensprachdolmetscherin Eva Böhm und Kunstvermittler Martin Walkner durch die Ausstellung Aleksandra Domanović und entdecken mit euch Zusammenhänge und Hintergründe der ausgestellten Werke.

Treffpunkt: Kassafoyer Kunsthalle Wien Museumsquartier

Anmeldung erforderlich: Wir bitten um vorherige Anmeldung unter besucherservice@kunsthallewien.at. Die Teilnehmer:innenzahl ist begrenzt.

Ausstellungsansicht: Aleksandra Domanović, Bulls Without Horns: Alison With the Bulls, 2016, Calf Bearer, 2017/20, Kunsthalle Wien 2024, Courtesy die Künstlerin und Tanya Leighton, Berlin und Los Angeles, Foto: Iris Ranzinger

Artist talk mit Donna Huanca

11/11/2024

18:00 — 20:00 h

Nitsch Foundation

Hegelgasse 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: ENGLISCH.

Die Nitsch Foundation freut sich die Ausstellung „SKIN PAINTEENS“ der international renommierten Künstlerin Donna Huanca zu präsentieren, ihre zweite Solo Show in Wien. Die Präsentation umfasst großformatige Werke auf Leinwand sowie eine skulpturale Installation, die gemeinsam ein immersives, interdisziplinäres und multi-sensorisches Erlebnis schaffen.

Donna Huanca kombiniert in ihren Arbeiten Malerei, Skulptur und Klang zu einem tief berührenden Gesamterlebnis, das die physische Präsenz der Betrachter intensiv anspricht. Ihre Werke auf Leinwand zeigen subtile Fragmente bemalter Haut, die während ihrer Performances fotografiert und anschließend unter Schichten von Farbe, Pigmenten, Sand und Ton verborgen werden. Die zweidimensionalen Abstraktionen enthüllen Huancas eigene Körperlichkeit, die sich in sichtbaren Fingerabdrücken und Spuren ihrer Hände auf der Oberfläche manifestiert.

Am 11. November 2024 um 18 Uhr findet in der Nitsch Foundation ein Artist Talk mit Donna Huanca anlässlich ihrer Ausstellung statt, moderiert von Margherita Belcredi, Deputy Director & International Relations PHILEAS (the Austrian Office for contemporary art).

Zum gemütlichen Ausklang des Abends wird Nitsch Wein an die Teilnehmer ausgeschenkt.

Um Anmeldung bis 08.11.2024 wird gebeten: office@nitsch-foundation.com. Begrenzte Teilnehmeranzahl.

AUSGEBUCHT: Open Studio Days: District Tour 7 – 2. Bezirk

10/11/2024

14:30 — 16:30 h

diverse Studios in ganz Wien

Obere Augartenstraße 12-14, 1020 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Sieben Touren führen dieses Jahr wieder durch ausgewählte Ateliers in den Bezirken. Die Besucher:innen haben bei geführten Atelierbesuchen die seltene Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die „District Tour 7“ führt durch den 2. Bezirk – und in die Ateliers von:

Marianne Lang
Tomasz Vollmann
Jakob Neulinger
Roman Pfeffer

Treffpunkt: Obere Augartenstrasse 12-14/22, 1020 Wien

Endpunkt: Große Mohrengasse 25, 1020 Wien

Fußweg gesamt: 28 min.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

AUSGEBUCHT

Open Studio Days: District Tour 6 – 16. & 17. Bezirk

10/11/2024

14:30 — 16:30 h

diverse Studios in ganz Wien

Klopstockgasse 31, 1170 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Sieben Touren führen dieses Jahr wieder durch ausgewählte Ateliers in den Bezirken. Die Besucher:innen haben bei geführten Atelierbesuchen die seltene Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die „District Tour 6“ führt durch den 16. & 17. Bezirk – und in die Ateliers von:

Gudrun Lenk-Wane
Elena Kristofor
Katya Dimova

Treffpunkt: Klopstockgasse 31, 1170 Wien

Endpunkt: Brüßlgasse 36, 1160 Wien

Fußweg gesamt: 20 min.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

Zum Anmelden hier klicken!

Open Studio Days: District Tour 5 – 15. Bezirk

10/11/2024

14:30 — 16:30 h

diverse Studios in ganz Wien

Turnergasse 14/12, 1150 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Sieben Touren führen dieses Jahr wieder durch ausgewählte Ateliers in den Bezirken. Die Besucher:innen haben bei geführten Atelierbesuchen die seltene Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die „District Tour 5“ führt durch den 15. Bezirk – und in die Ateliers von:

Christina Werner
Farid Sabha
Kathrin Stumreich
Larissa Leverenz

Treffpunkt: Turnergasse 14/12, 1150 Wien

Endpunkt: Diefenbachgasse 49-51, 1150 Wien

Fußweg gesamt: 20 min.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

Zum Anmelden hier klicken!

AUSGEBUCHT: Open Studio Days: District Tour 2 – 2. Bezirk

09/11/2024

14:30 — 16:30 h

diverse Studios in ganz Wien

Vorgartenstraße 215, 1020 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Sieben Touren führen dieses Jahr wieder durch ausgewählte Ateliers in den Bezirken. Die Besucher:innen haben bei geführten Atelierbesuchen die seltene Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die „District Tour 2“ führt durch den 2. Bezirk – und in die Ateliers von:

Juliana Herrero
Valentin Aigner
Gemeinschaftsatelier Gianna Virginia Prein, Nika Kupyrova & Mara Novak

Treffpunkt: Vorgartenstraße 215/18, 1020 Wien

Endpunkt: Volkertplatz 8, 1020 Wien

Fußweg gesamt: 25 min.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

AUSGEBUCHT: Open Studio Days: District Tour 3 – 15. Bezirk

09/11/2024

14:30 — 16:30 h

diverse Studios in ganz Wien

Pelzgasse 20, 1150 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Sieben Touren führen dieses Jahr wieder durch ausgewählte Ateliers in den Bezirken. Die Besucher:innen haben bei geführten Atelierbesuchen die seltene Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die „District Tour 3“ führt durch den 15. Bezirk – und in die Ateliers von:

Florian Nitsch
Arnold Reinthaler
Nana Mandl
Teresa Grandits

Treffpunkt: Pelzgasse 20, 1150 Wien

Endpunkt: Neubergenstraße 10, 1150 Wien

Fußweg gesamt: 20 min.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

AUSGEBUCHT: Open Studio Days: District Tour 4 – 5. Bezirk

09/11/2024

16:00 — 18:00 h

diverse Studios in ganz Wien

Margaretengürtel 108-110, 1050 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Sieben Touren führen dieses Jahr wieder durch ausgewählte Ateliers in den Bezirken. Die Besucher:innen haben bei geführten Atelierbesuchen die seltene Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die „District Tour 4“ führt durch den 5. Bezirk – und in die Ateliers von:

Ateliers Reumannhof (Herbert De Colle, Silke Maier-Gamauf & Romana Hagyo, Liddy Scheffknecht)
Michael Heindl
Julia Bugram

Treffpunkt: Margaretengürtel 108 – 110/34A, 1050 Wien

Endpunkt: Spengergasse 24, 1050 Wien

Fußweg gesamt: 20 min.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

AUSGEBUCHT

AUSGEBUCHT: Open Studio Days: District Tour 1 – 6. & 7. Bezirk

09/11/2024

13:00 — 15:00 h

diverse Studios in ganz Wien

Neubaugasse 68, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Sieben Touren führen dieses Jahr wieder durch ausgewählte Ateliers in den Bezirken. Die Besucher:innen haben bei geführten Atelierbesuchen die seltene Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die „District Tour 1“ führt durch den 6. & 7. Bezirk – und in die Ateliers von:

Thaer Maarouf
Jürgen Bauer
Almut Rink und Katarina Matiasek
Atelierhaus Gumpendorferstraße 113 (mit Katja Berger, Georg Frauenschuh, Vasilena Gankovska, Sabine Jelinek, Bruno Klomfar, Lukas Schaller, Louise Schneider, Beatrix Zobl)

Treffpunkt: Neubaugasse 68/4s, 1070 Wien

Endpunkt: Gumpendorfer Straße 113, 1060 Wien

Fußweg gesamt: 25 min.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

AUSGEBUCHT

Jürgen Bauer, House displaced red, 2020 Acryl auf Leinwand, 195 x 138 cm Photos: Eva Kelety | © Bildrecht, Wien

Eröffnung: ‚TWO HOUSES. Jürgen Bauer, Frederick Kiesler‘

12/11/2024

18:00 — 21:00 h

Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung

Mariahilfer Str. 1B, 1060 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH (BEI BEDARF AUCH ENGLISH)

Die Ausstellung stellt zwei Häuser gegenüber, die unterschiedlicher nicht sein könnten. In seiner Malerei reduziert Jürgen Bauer die Idee des Hauses auf ein universelles Zeichen: das Piktogramm des Hauses mit Satteldach, ein Quadrat als Grundform mit einem Dreieck darüber als Dach das aus den immergleichen geometrischen Figuren gebildet wird.

Den großformatigen Hausbildern, die Jürgen Bauer in Acryl auf Leinwand ausführt, wird eine Serie kleinformatiger Zeichnungen zum Endless House von 1959 aus dem Nachlass Friedrich Kieslers gegenübergestellt.

Das Endless House ist eine wahre Ikone der visionären Architektur des 20. Jahrhunderts und früher Referenzpunkt der biomorphen Architektur. Endlos, nicht unendlich, bedeutete für Kiesler, dass sich in seinem Haus „alle Enden treffen“ wobei die Wände, Decken und Böden ineinander übergehen und die Illusion eines endlos fließenden Raumkontinuums erschaffen.

Der Titel der Ausstellung ‚TWO HOUSES‘ ist eine ironische Anspielung auf eine Schau im Museum of Modern Art in New York, in der dem Ingenieur-Architekten Richard Buckminster Fuller der Bildhauer-Architekt Friedrich Kiesler gegenübergestellt wurde.

Das Az W hat fünf derartige Tastmodelle.
Copyright: Architekturzentrum Wien

VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: „Sammlung für alle“ – Führung für blinde und sehbehinderte Menschen durch die Schausammlung des Architekturzentrum Wien & Begleitdienst

11/11/2024

17:30 — 18:30 h

Architekturzentrum Wien, Treffpunkt: Schausammlung Hot Questions - Cold Storage

Museumsplatz 1, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH – FÜHRUNG FÜR BLINDE UND SEHBEHINDERTE MENSCHEN.

Modelle und verschiedene Oberflächen ertasten, Hintergrundinformationen erhalten und die Atmosphäre akustisch erleben – so gestaltet sich die Führung durch unsere Sammlungsschau für blinde und sehbehinderte Menschen. Während Sie die Ausmaße des Karl-Marx Hofs anhand eines Tastmodells begreifen, können Sie den Schilderungen einer Zeitzeugin und Bewohnerin lauschen. Weitere Wohnbauten rund um die 2000er Jahre, wie die Gasometer, die DonauCity und auch das Kabelwerk machen als Tastmodelle die Entwicklungen deutlich. Außerdem werden die Donauinsel, das Österreichische Kulturforum in New York und der islamische Friedhof in Altach durch die Hörstationen akustisch erlebbar.

Anmeldung erforderlich: anmeldung@azw.at

Treffpunkt: Schausammlung Hot Questions – Cold Storage, Architekturzentrum Wien

KOSTENLOSER BEGLEITDIENST

Die Hilfsgemeinschaft der Blinden und Sehschwachen Österreichs bietet einen kostenlosen Begleitdienst für blinde und sehbehinderte Besucher:innen, die sich gerne hin und/oder zurück begleiten lassen wollen. Bitte kontaktieren Sie bei Interesse den Leiter der Freiwilligenkoordination, Maximilian Reutterer, unter: maximilian.reutterer@hilfsgemeinschaft.at / Tel.: +43 1 330 35 45 – 38.

Das Az W hat fünf derartige Tastmodelle. Copyright: Architekturzentrum Wien

Die Schatulle des David Josef Bach (Still aus Videoaufnahme)
© Alfred Zacharias

AUSGEBUCHT: Mini-Serie „FACING TIME– Then and Now: Die Schatulle des David Josef Bach“ – eine Lecture Performance

14/11/2024

19:00 — 20:00 h

Hochparterre im Sigmund Freud Museum

Berggasse 19, 1090 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Machen Geburtstage in steter Regelmäßigkeit auf die eigene Vergänglichkeit aufmerksam, so trösten Geburtstagsgeschenke darüber hinweg. Im Falle von Exil und Vertreibung bilden sie mitunter Zeugnisse einer vergangenen Zeit, so auch bei David Josef Bach (geb. 1874, Lemberg, gest. 1947, London).

Der Musikkritiker und Kulturvermittler war ein frühes Mitglied von Freuds Psychologischer Mittwoch-Gesellschaft, die sich zwischen 1902 und 1906 regelmäßig in Freuds erster Praxis im Hochparterre der Berggasse 19 versammelte. Wie Freud floh auch David Josef Bach vor dem Nationalsozialismus nach London.

Vor einigen Jahren wurde in Bachs Nachlass in England eine Schatulle gefunden, die ihm 1924 von seinen künstlerischen Weggefährt:innen zu seinem 50. Geburtstag in Wien überreicht wurde. Sie enthält 88 Geburtstagsbriefe mit künstlerischen Widmungen in Form von Kompositionen, Gedichten und Zeichnungen, u.a. von Hanns Eisler, Hugo v. Hofmannsthal, Oskar Kokoschka, Lina Loos, Arthur Schnitzler, Arnold Schönberg, Richard Strauss, Stefan Zweig u.v.m.

Freuds Praxisräume im Hochparterre beherbergen mittlerweile ausgewählte Werke der Konzeptkunstsammlung des Sigmund Freud Museums. Mittels einer multimedialen Lecture Performance und Live-Improvisation werden diese Räume für FACING TIME in eine Klanglandschaft verwandelt, in einer künstlerisch-wissenschaftlichen Annäherung eine Auswahl der Briefe zum Leben erweckt.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Tamara Horáková, GRADIVA REVISITED, 2024

Mini-Serie „FACING TIME– Then and Now: Gradiva Revisited“ – Künstlerinnengespräch mit Tamara Horáková, Kunsttheoretikerin und Kuratorin Ruth Maurer und Direktorin Monika Pessler

15/11/2024

19:00 — 20:30 h

Bibliothek der Psychoanalyse im Sigmund Freud Museum

Berggasse 19, 1090 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Das Künstlerinnengespräch nimmt die neueste Kunst-Schenkung an das Sigmund Freud Museum in den Fokus: Gradiva Revisited – der Arbeit der Künstlerin Tamara Horáková ist der Hinweis auf das aktuelle Zeitgeschehen ebenso eingeschrieben, wie die historischen Dimensionen der antiken Figur. Das Relief der anmutig schreitenden Gradiva zierte einst die Wand über Freuds Behandlungscouch und erwiderte mit geneigtem Kopf die Blicke der Patient:innen.

Mit Gradiva Revisited lenkt Horáková das Augenmerk auf ein zufälliges Zusammentreffen zweier Fotografien, die im Layout der aufgeschlagenen internationalen New York Times vom 23. Februar 2023 einander gegenüberstehen. In ihrer künstlerischen Bearbeitung mutiert das Fundstück zum eindrucksvollen Abgleich zwischen der fotografischen Dokumentation ukrainischer Soldaten im winterlichen Donbass und einem schreitenden Mannequin, das wie sein Gegenüber auf ähnliche Weise im Schritt innezuhalten scheint: die Gradiva, nach dem „zum Kampf ausziehenden Kriegsgott“ Mars Gradivus, benannt und seit Jahrhunderten Symbol der künstlerischen Avantgarde als ein die Zeiten überdauerndes, immer wiederkehrendes Enigma.

Künstlerin Tamara Horáková, Kunsttheoretikerin und Kuratorin Ruth Maurer und Direktorin des Sigmund Freud Museums Monika Pessler beleuchten im Gespräch diese Hommage an die Berggasse 19.

Anmeldung erforderlich unter: https://www.freud-museum.at/de/detail/gradiva-revisited-2

Tamara Horáková, GRADIVA REVISITED, 2024

Carl Auböck II, Zeitungsständer mit Stoffbespannung von Mara Uckunowa-Auböck, 1938 Archiv Carl Auböck (c) MAK Christian Mendez

AUSGEBUCHT: Kuratorinnenführung ‚ICONIC AUBÖCK. Eine Werkstätte formt den österreichischen Designbegriff‘ mit Bärbel Vischer

12/11/2024

18:00 — 19:00 h

MAK - Museum für angewandte Kunst

Stubenring 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Mit ihren ikonischen Objekten prägt die Werkstätte Carl Auböck seit über 100 Jahren das österreichische Design. Das MAK widmet der legendären Manufaktur, die bis heute in der Bernardgasse im siebten Wiener Bezirk produziert und oft ihrer Zeit voraus war, eine umfangreiche Schau und legt den Fokus auf Werke aus der Zwischen- und Nachkriegszeit bis in die 1980er Jahre, die ein Bild der Wohnkultur als Experimentierfeld zeichnen.

Treffpunkt: MAK Säulenhalle

AUSGEBUCHT

Carl Auböck II, Zeitungsständer mit Stoffbespannung von Mara Uckunowa-Auböck, 1938 Archiv Carl Auböck (c) MAK Christian Mendez

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: Führung in einfacher Sprache durch ‚AUT NOW. 100 × Österreichisches Design für das 21. Jahrhundert‘

14/11/2024

15:00 — 16:00 h

MAK - Museum für angewandte Kunst

Stubenring 5, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: EINFACHE SPRACHE

Entdecken Sie den Ideenreichtum des österreichische Produktdesigns der letzten 25 Jahre.

Eine Auswahl von 100 sehr unterschiedlichen Objekten – darunter Möbel, Haushaltsgeräte, Werkzeuge, Beleuchtung, Unterhaltungselektronik oder Produkte für Gesundheit – sind in dieser Ausstellung zu sehen.

In vertrauten Gegenständen erwartet Sie dabei Überraschendes und Spannendes.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Treffpunkt: MAK Säulenhalle

Carl Auböck II, Zeitungsständer mit Stoffbespannung von Mara Uckunowa-Auböck, 1938 Archiv Carl Auböck (c) MAK Christian Mendez

„COLLECTING ICONIC DESIGN“ – Podiumsdiskussion zum Thema Sammeln ikonischer Designobjekte

12/11/2024

19:00 — 20:00 h

MAK - Museum für angewandte Kunst. Säulenhalle

Stubenring 5, 1010 Wien, Österreich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Erwin Wurm, Künstler

Caroline Wohlgemuth, Autorin und Kuratorin

Bärbel Vischer, Kuratorin ICONIC AUBÖCK, Kustodin MAK Sammlung Gegenwartskunst

Moderation: Gerald Matt, Kulturmanager

Anlässlich der aktuellen Ausstellung ICONIC AUBÖCK lädt das MAK zu einer Podiumsdiskussion zum Thema Sammeln ikonischer Designobjekte und bietet damit eine außergewöhnliche Gelegenheit, in die Welt des Designs einzutauchen und das Potenzial des Sammelns zu entdecken. Designobjekte haben nicht nur einen funktionalen Wert, sie erzählen auch Geschichten von Kreativität, Innovation, kulturellen Entwicklungen und Netzwerken.

Mit ihren ikonischen Objekten prägt die Werkstätte Carl Auböck seit über 100 Jahren das österreichische Design. Das MAK widmet der legendären Manufaktur, die bis heute in der Bernardgasse im siebten Wiener Bezirk produziert und oft ihrer Zeit voraus war, eine umfangreiche Schau und legt den Fokus auf Werke aus der Zwischen- und Nachkriegszeit bis in die 1980er Jahre, die ein Bild der Wohnkultur als Experimentierfeld zeichnen.

Im Rahmen der Veranstaltung diskutieren Expert:innen darüber, was ein Designobjekt zur Ikone macht, welche Einflüsse die generationenübergreifende Werkstätte Carl Auböck prägen und welche Trends sich am Markt für Designobjekte abzeichnen.

MAK.at/iconicauboeck

Anmeldung unter: www.MAK.at/vaw2024

freier Eintritt mit Passwort „Vienna Art Week“

Treffpunkt: MAK Säulenhalle

Carl Auböck II, Zeitungsständer mit Stoffbespannung von Mara Uckunowa-Auböck, 1938 Archiv Carl Auböck (c) MAK Christian Mendez

Andrey Klassen. Plastik Romantik, 2023 Ink on Paper, 99 x 129 cm
Foto: Andrey Klassen

Führung mit dem Leiter des STRABAG Kunstforums Sebastian Haselsteiner und dem Künstler Andrey Klassen

11/11/2024

18:00 — 19:00 h

STRABAG Kunstforum

Donau-City-Straße 9, 1220 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

www.strabag-kunstforum.at/

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Der Künstler und Anerkennungspreisträger des STRABAG Artaward International Andrey Klassen führt gemeinsam mit Sebastian Haselsteiner (Leitung STRABAG Kunstforum) durch seine Ausstellung Séance.

In seiner ersten Einzelausstellung in Österreich präsentiert Andrey Klassen kürzlich entstandene Werke. Er umschreibt seinen künstlerischen Zugang wie folgt:

„Ich sehnte mich nach Ruhe von der Farbe und Askese in der Technik – beides fand ich in der Malerei nicht und kenne es nur von der Zeichnung. Zeichnung in klassischem Sinne war mir jedoch nicht genug: An der Grenze zwischen Malerei und Zeichnung begegnete ich der Tuschemalerei, die mir bis dahin nur aus dem asiatischen Raum bekannt war, und adaptierte sie zu meiner persönlichen Technik.

Mit Tusche auf Papier ist es möglich, ein Bild zu malen, aber auch ein Buch zu schreiben – das passt sehr gut zu meiner Herangehensweise, denn ich erzähle in meinen Bildern viele Geschichten. Ich bin wie ein Pfadfinder, der daran glaubt, den Weg zu kennen und mit einer Taschenlampe in der Hand die Betrachter:innen durch eine belebte und vor Leben flimmernde Schattenwelt zum Licht zu führen. Es ist ein Abenteuer und eine Party für besondere Gäste.“

Anmeldung erforderlich: kunstforum@strabag.com.

Barrierefrei, aber bitte um Voranmeldung an: kunstforum@strabag.com.

Andrey Klassen. Plastik Romantik, 2023 Ink on Paper, 99 x 129 cm Foto: Andrey Klassen

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: Barrierefreie Shuttle Tour 2

10/11/2024

14:00 — 16:30 h

AUSGEBUCHT

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Zwei barrierefreie Touren führen dieses Jahr durch ausgewählte rollstuhlgerechte Ateliers der Open Studio Days. Die Besucher:innen haben bei den Atelierbesuchen die Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die zweite barrierefreie Tour führt in die Ateliers von:

Agnes Prammer & Johann Schoiswohl
Eva Kelety

Treffpunkt:

Ecke Karlsplatz/Akademiestraße

Aufgang/Lift „Akademiestraße“ der U-Bahn Station Karlsplatz

Guide mit Schild wartet am Treffpunkt.

Tour endet wieder am Treffpunkt.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich.

AUSGEBUCHT: VIENNA ART WEEK FÜR ALLE: Barrierefreie Shuttle Tour 1

09/11/2024

15:00 — 17:30 h

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH/ENGLISCH

Zwei barrierefreie Touren führen dieses Jahr durch ausgewählte rollstuhlgerechte Ateliers der Open Studio Days. Die Besucher:innen haben bei den Atelierbesuchen die Möglichkeit, Einblicke in die Arbeitswelt der Künstler:innen zu bekommen und mit diesen ins Gespräch zu kommen.

Die erste barrierefreie Tour führt in die Ateliers von:

Néphéli Barbas (VIENNA ART WEEK Artist in Residence in der Superbude Wien)
Barbara Holub

Treffpunkt:

Ecke Karlsplatz/Akademiestraße

Aufgang/Lift „Akademiestraße“ der U-Bahn Station Karlsplatz

Guide mit Schild wartet am Treffpunkt.

Tour endet wieder am Treffpunkt.

Aufgrund limitierter Platzkapazität ist eine Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

Geführter Rundgang durch die Bundesateliers Wattgasse mit Maria Christine Holter und Klaus Speidel

10/11/2024

17:00 — 19:00 h

Bundesateliers Wattgasse

Wattgasse 56-60, 1170 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH.

Das Bundesministerium für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport stellt seit vielen Jahrzehnten Arbeitsateliers für Bildende Künstler:innen zur Verfügung. Derzeit werden Förder-Ateliers an den 2 Standorten Westbahnstraße und Wattgasse vergeben und die Ateliers im Prater betreut. Diese insgesamt 48 Ateliers für bildende Künstler:innen werden nach einer öffentlich publizierten Ausschreibung und nach Jurierung durch ein unabhängiges Expertengremium für 7 beziehungsweise 10 Jahre vergeben.

Maria Christine Holter und Klaus Speidel bieten bei einem geführten Rundgang Einblicke in das Schaffen der Künstler:innen. Es werden die Ateliers folgender Künstler:innen besucht:

4. Stock:

Stefan Klampfer
Katrin Hornek
Robert Gruber
Jörg Piringer
Andy Boot
Luiza Margan
Angelika Loderer
Birke Gorm

3. Stock:

Marko Zink
Anca Benera
Julia Haugeneder
Edin Zenun Fakovic
Doris Theres Hofer
Lena Violetta Leitner

Anmeldung erforderlich: bitte hier anmelden.

Esel - Westbahnstraße - OSD 2018

VIENNA ART WEEK Open Studio Day 2018: Atelier Miriam Bajtala @ Bundesateliers Westbahnstraße (24.11.2018) https://2018.viennaartweek.at/de/open-studio | Foto: eSeL

AUSGEBUCHT: Geführter Rundgang durch die Bundesateliers Westbahnstraße mit Ruth Horak und Klaus Speidel

10/11/2024

14:00 — 16:00 h

Bundesateliers Westbahnstraße

Westbahnstraße 27-29, 1070 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Das Bundesministerium für Kunst und Kultur stellt seit vielen Jahrzehnten Arbeitsateliers für Bildende Künstler:innen zur Verfügung. Derzeit werden Förder-Ateliers an den 2 Standorten Westbahnstraße und Wattgasse vergeben und die Ateliers im Prater betreut. Diese insgesamt 48 Ateliers für bildende Künstler:innen werden nach einer öffentlich publizierten Ausschreibung und nach Jurierung durch ein unabhängiges Expertengremium für 7 beziehungsweise 10 Jahre vergeben.

Ruth Horak und Klaus Speidel bieten bei einem geführten Rundgang Einblicke in das Schaffen der Künstler:innen. Es werden die Ateliers folgender Künstler:innen besucht:

Ernst Jäger
Doris Piwonka
Eva-Maria Eichinger
Manuel Gorkiewicz
Elisabeth Kihlström
Michael Strasser

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.

VIENNA ART WEEK Open Studio Day 2018: Atelier Miriam Bajtala @ Bundesateliers Westbahnstraße (24.11.2018) https://2018.viennaartweek.at/de/open-studio | Foto: eSeL

Vorbereitung zur Körperbemalung (Ausschnitt), 2018, Foto: Manoel Martins Neto © Museu de Arte Indígena, Curitiba

AUSGEBUCHT: „Kunst aus Amazonien im Spiegel der Zeit“ – Eine Führung durch die Sonderausstellung ‚(Un)Known Artists of the Amazon‘

12/11/2024

19:00 — 20:00 h

Weltmuseum Wien

Heldenplatz, 1010 Wien, Österreich

Anmeldung erforderlich

VERANSTALTUNGSSPRACHE: DEUTSCH

Die Sonderausstellung ‚(Un)Known Artists of the Amazon‘ stellt Indigene Brasilianische Kunst – von traditioneller Federkunst bis hin zu zeitgenössischen Arbeiten – und deren veränderte Wahrnehmung in der Öffentlichkeit in den Mittelpunkt.

Die Schau ist eine Kooperation zwischen dem Weltmuseum Wien und dem privaten Museu de Arte Indígena in Curitiba, Brasilien, und setzt die Sammlungen beider Häuser in einen Dialog.

Die Ausstellungskuratorinnen Claudia Augustat und Julianna Podolan Martins zeigen anhand von rund 120 Objekten, wie sich aus Gebrauchs- und Ritualgegenständen autonome Kunstwerke entwickeln und eröffnen damit den Besucher:innen neue Perspektiven auf die (un)bekannten Künstler:innen Amazoniens.

Anmeldung erforderlich. AUSGEBUCHT.